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Chuck Norris, film après film : la légende en titres (et en uppercuts)

Fri, 20 Mar 2026 16:46:00 +0000

Chuck Norris laisse une filmographie qui se lit comme un grand marathon d’action : des duels devenus mythes, des années 80 en mode “one-man army”, puis une série culte qui a transformé sa silhouette en rendez-vous régulier.

1) Le combat qui a imprimé son nom dans la pop culture

Tout commence vraiment quand il croise Bruce Lee à l’écran dans Way of the Dragon / Return of the Dragon (1972).
Un face-à-face au Colisée, une tension simple, une chorégraphie nette : c’est le genre de scène qui crée une légende en quelques minutes.

2) Les débuts “Norris en solo”

Avant les grandes franchises et la TV, il installe son style avec un premier rôle marquant : Breaker! Breaker! (1977).
Puis il enchaîne des films où le héros ne discute pas longtemps : il agit, point.

À revoir dans cette veine :

Silent Rage (1982)
Lone Wolf McQuade (1983)

3) Les années 80 : l’âge “cassette usée à force de rembobiner”

C’est la période où son cinéma devient une signature : missions, ennemis, justice expéditive, et cette impression que le générique devrait parfois démarrer avant la fin du film.

Dans le lot, plusieurs titres-phares :

4) La série qui l’a rendu “hebdomadaire”

Le passage à la télévision avec Walker, Texas Ranger, c’est l’installation durable : une présence régulière, un personnage direct, une identité immédiatement reconnaissable.

5) Les clins d’œil pop : la légende qui s’invite elle-même

Quand la culture internet s’empare de son image, Norris suit le mouvement avec des apparitions “sourire en coin” :

Caméo en “lui-même” dans Dodgeball (2004)
Retour événement dans The Expendables 2 (2012)

consulter notre article sur les Chuck Norris facts

Bruno Salomone est mort ce dimanche 15 mars 2026, à 55 ans

Sun, 15 Mar 2026 14:26:00 +0000

Son talent tenait dans un détail que les vrais comédiens reconnaissent tout de suite : le tempo. La pause juste. Le regard qui fait exister la réplique. Le rire qui arrive parce que tout est maîtrisé, pas parce que c’est forcé.

Pour beaucoup, Bruno Salomone restera Denis Bouley dans Fais pas ci, fais pas ça : une comédie du quotidien tenue au cordeau, sans caricature.
Avant ça, il y a eu la scène et la troupe — Nous Ç Nous, avec Jean Dujardin — puis le cinéma populaire où il savait laisser une empreinte nette, comme Igor d’Hossegor dans Brice de Nice.

Il avait aussi cette curiosité de jeu qui l’empêchait de se répéter. Dans une interview, il résumait ça simplement : “j’aime varier les plaisirs.”
En 2025, il poursuivait encore ce mouvement avec A priori sur France 3.

Et puis il y a la voix : Burger Quiz, le doublage, ce travail souvent invisible qui finit par devenir familier pour tout le monde.

Ici, on garde l’image d’un acteur précis, élégant, capable de faire exister un personnage sans le souligner au stabilo.

#RadioDuCinema #BrunoSalomone #FaisPasCiFaisPasCa #NousCNous #BriceDeNice #Kaamelott #CinemaFrancais #SeriesFrançaises

Romane Bohringer: « Je suis à peine remise », la réalisatrice raconte la fabrique du film "Dites-lui que je l’aime "

Wed, 11 Mar 2026 20:20:00 +0000

Dans la vidéo de l’entretien, Romane Bohringer se confie au micro de Patrice Caillet, quelques mois après la sortie en salles de Dites-lui que je l’aime. Une conversation franche sur l’adaptation du livre de Clémentine Autain, la filiation, et la responsabilité de filmer l’intime.

Par la rédaction de La Radio du Cinéma · Entretien mené par Patrice Caillet · Publié le 7 mars 2026

Dès les premières minutes, une phrase s’accroche comme un leitmotiv de bande originale : « Je suis à peine remise. » Pas une formule de promo, plutôt la trace d’un film qui continue de résonner une fois le générique terminé.

Romane Bohringer au micro de La Radio du Cinéma (entretien vidéo publié le 7 mars 2026).

Ce que raconte l’entretien, au-delà du film

Dites-lui que je l’aime suit Romane, réalisatrice, qui décide d’adapter le livre de Clémentine Autain consacré à sa mère, l’actrice Dominique Laffin. Ce point de départ réveille une histoire personnelle marquée par l’absence maternelle : le film avance avec une forme hybride, combinant documentaire, fiction et fragments autobiographiques.

Dans l’interview, Romane Bohringer ne vend pas un concept, elle décrit un mouvement : comment une œuvre née d’un noyau très personnel peut trouver un écho large, du côté de l’enfance, de la parentalité et de ce qu’on transmet malgré soi.

« Je suis à peine remise. » — Romane Bohringer

La peur comme boussole de création

Un passage frappe quand elle évoque la peur, physique, pendant l’écriture et jusqu’au montage. Pas la peur qui fige, celle qui oblige à vérifier chaque choix, à se demander si l’on va au bon endroit, et pour de bonnes raisons.

« J’ai eu très peur… à m’en faire mal, à se dire : où est-ce que je vais exactement ? » — Romane Bohringer

Cet aveu dessine une méthode : rester proche de la matière, sans la lisser, sans l’illustrer à gros traits. Le film devient alors une manière de regarder la filiation en face, sans faire semblant que les manques disparaissent par miracle.

Le livre de Clémentine Autain, guide de nuit

Adapter un récit autobiographique, explique-t-elle, impose une loyauté particulière. La confiance de Clémentine Autain compte, mais elle vient avec une exigence : ne pas trahir, ne pas enjoliver, ne pas forcer l’émotion.

« Je me suis servie du livre de Clémentine… comme un éclaireur dans la nuit. » — Romane Bohringer

Si vous aimez les récits de fabrication, l’entretien est précieux : on y entend comment un texte peut devenir une boussole, comment une adaptation peut se construire en miroir, et comment le processus créatif devient lui-même une partie du récit.

Eva Yelmani : un casting qui reconfigure la mise en scène

Romane Bohringer raconte aussi une rencontre déterminante : Eva Yelmani, qui incarne Dominique Laffin. La réalisatrice évoque un hasard qui ressemble à un signe, et la conséquence très concrète sur le film : quand le visage trouvé porte une évidence, la mise en scène doit s’ajuster.

Pour le public, cela se traduit par un effet de superposition troublant : des souvenirs, des figures, des absences qui se répondent. Là encore, l’entretien donne des clés sans dicter un mode d’emploi.

Diriger une enfant sur une scène sensible

L’un des moments les plus forts de l’échange concerne « la scène du bar », présentée comme centrale. Il ne s’agit pas seulement de cinéma : il est question de protection, de préparation, de cadre. Elle insiste sur la sécurité affective du plateau, pour que le tournage ne laisse pas de blessure en plus.

« On était bien préparés… pour avoir ce dont on avait besoin sans que personne ne souffre. » — Romane Bohringer

Après l’autofiction : le désir de passer à la fiction

La fin de l’entretien ouvre une perspective : après L’Amour flou (2018) et Dites-lui que je l’aime, deux films nourris par l’expérience personnelle, Romane Bohringer dit vouloir se confronter à la fiction.

Non pas pour effacer l’intime, mais pour s’autoriser une liberté nouvelle : raconter une histoire qui n’est pas la sienne, et revendiquer le droit de l’inventer.

« Il faut que j’apprenne… que j’ai le droit de raconter l’histoire de quelqu’un d’autre. » — Romane Bohringer

Infos pratiques

Entretien vidéo : publié le 7 mars 2026 sur La Radio du Cinéma
Film : Dites-lui que je l’aime, réalisé par Romane Bohringer
Sortie en salles (France) : 3 décembre 2025 (distributeur : ARP Sélection)
Durée : 1h32 (92 minutes) · Visa CNC n° 161592 (visa daté du 14/05/2025)
Source littéraire : Dites-lui que je l’aime, Clémentine Autain, Éditions Grasset, paru le 6 mars 2019
Production : Escazal Films
VOD / plateformes : aucune date officielle n’est indiquée sur les fiches consultées au moment de la publication

interview Romane Bohringer, Patrice Caillet, Dites-lui que je l’aime, adaptation, Clémentine Autain, Dominique Laffin, ARP Sélection, cinéma français, filiation, transmission

Romane Bohringer Dites-lui que je l’aime Clémentine Autain Dominique Laffin

Pour aller plus loin : un autre “Dites-lui que je l’aime” au cinéma

Le titre fait aussi écho à Dites-lui que je l’aime de Claude Miller (1977), adapté du roman Ce mal étrange de Patricia Highsmith avec Gérard Depardieu, Miou-Miou, Claude Piéplu, et.. Dominique Laffin.

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Barbra Streisand honorée à Cannes : une Palme d’or d’honneur remise le samedi 23 mai 2026

Wed, 11 Mar 2026 19:51:00 +0000

Barbra Streisand recevra une Palme d’or d’honneur au Festival de Cannes, remise pendant la cérémonie du Palmarès retransmise en direct depuis le Palais des Festivals, le samedi 23 mai 2026.

La Radio du Cinéma vous donne les clés pour comprendre ce que représente cette distinction, et surtout par où commencer (ou recommencer) Streisand côté cinéma dans notre article

Funny Girl : l’évidence de la star devant la caméra
Yentl : le projet de détermination et de signature
Nos plus belles années : l’amour et la mémoire en grand écran
Une étoile est née : l’icône, la chanson, le mythe

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Le Rêve américain : Quenard, Marciano et l’histoire vraie de Bouna Ndiaye & Jérémy Medjana, les agents qui comptent en NBA

Sat, 14 Feb 2026 19:29:00 +0000

Les fans de basket retiennent les highlights et les noms des joueurs. Le film Le Rêve américain choisit un autre angle : il raconte l’ascension de Bouna Ndiaye et Jérémy Medjana, deux agents français devenus incontournables dans l’univers NBA, avec un coup de projecteur sur leur trajectoire et leurs choix. Le binôme qui a gagné le respect des Américains, avec l’avènement de leur protégé Victor Wembanyama.

Le déclic d’Anthony Marciano

Dans notre interview, Anthony Marciano explique être parti d’une curiosité : voir ces deux figures apparaître sur de nombreuses images derrière les joueurs, puis chercher à comprendre qui ils étaient et ce qu’ils avaient construit.

Une phrase revient avec insistance dans ses propos : l’ambition ne suffit pas. Il faut un cap, une méthode, puis une exécution concrète. C’est cette combinaison qui l’intéresse à l’écran : un récit humain, sans vernis, porté par la persévérance.

Raphaël Quenard : le romanesque d’un duo parti de rien

Raphaël Quenard insiste sur ce qui rend l’histoire “cinéma” : le contraste des points de départ et l’ampleur du résultat. Un vendeur dans un vidéoclub, un salarié à Orly, puis un destin lié aux plus grands noms du basket international.

Pour Raphaël Quenard, ce qui fait tenir la narration, c’est la foi, la passion et l’amitié. Pas un récit de trophées, un récit d’énergie.

Date de sortie France : 18 février 2026
Réalisation : Anthony Marciano
Cast : Jean-Pascal Zadi, Raphaël Quenard, Olga Mouak
Durée : 122 minutes

Voir les sources

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FAQ

Quand sort Le Rêve américain au cinéma ?

De Five Easy Pieces à “la crêpe au sucre” : deux scènes cultes

Mon, 09 Feb 2026 21:00:00 +0000

La scène du diner (Five Easy Pieces, 1970) Nicholson arrive, il commande tranquillou… et se pr...

La Sortie de l’usine Lumière : là où tout a (vraiment) commencé il y a 130 ans

Sun, 28 Dec 2025 20:36:00 +0000

Il n’y a pas de musique, pas de stars, pas même de scénario. Seulement une porte d’usine, des ouvriers et un plan fixe d’une cinquantaine de secondes. Et pourtant, ce film-là — La Sortie de l’usine Lumière à Lyon — a marqué le point de départ d’une révolution mondiale : le cinéma.

Le tournage : 19 mars 1895, rue Saint-Victor à Lyon

Nous sommes à Monplaisir, dans le quartier Est de Lyon. C’est ici, au 25 rue Saint-Victor (devenue depuis la rue du Premier-Film), que Louis Lumière installe son appareil pour capturer une scène du quotidien : les ouvriers quittant l'usine Lumière. Pas d’éclairage artificiel, pas de mise en scène élaborée. Seule exigence : capter le mouvement, rendre la vie visible, sans fard.

Thierry Frémaux, directeur de l’Institut Lumière, souligne souvent le caractère à la fois anodin et bouleversant de cette "vue". Pour lui, ce plan incarne la première pulsation visuelle du cinéma moderne. Un geste simple, mais fondateur. Un plan qui fait du réel un spectacle.

Fait fascinant : il existe au moins trois versions du film. Louis Lumière aurait recommencé la scène à plusieurs reprises pour parfaire le cadrage, la lumière ou le flux des silhouettes. Un perfectionnisme qui prouve déjà une conscience artistique du regard.

La projection : 28 décembre 1895, Paris, boulevard des Capucines

Quelques mois plus tard, le 28 décembre 1895, c’est au sous-sol du Grand Café de Paris, dans le "Salon Indien", que cette courte scène est projetée au public pour la première fois. Aux côtés de neuf autres "vues photographiques animées", elle provoque la stupéfaction.

On raconte que certains spectateurs ont sursauté, croyant que les personnes à l’écran allaient sortir du cadre. C’est ici que le mot cinématographe s’ancre dans les esprits. L’événement est resté dans l’Histoire comme la première séance publique payante du cinéma.

Une invention française… et universelle

Si les débats persistent — Edison et Dickson ayant filmé dès 1891 aux États-Unis — l’apport des frères Lumière n’est pas seulement technique, mais profondément collectif et esthétique. Ils inventent l’expérience partagée de l’image en mouvement. Ils inventent, au fond, le regard cinéma.

Brigitte Bardot, l’icône qui défia les normes, est morte à 91 ans

Sun, 28 Dec 2025 12:14:00 +0000

28 décembre 2025. Brigitte Bardot, l’une des figures les plus emblématiques du cinéma français, est morte à l’âge de 91 ans. L’ancienne actrice et militante pour la cause animale laisse derrière elle une empreinte aussi flamboyante que controversée.

Née le 28 septembre 1934 à Paris, Brigitte Bardot suit une formation de ballet au Conservatoire, avant de débuter comme mannequin. Elle devient rapidement un visage incontournable, jusqu’à tourner dans son premier film, Le Trou Normand (1952).

Le véritable basculement intervient en 1956 avec Et Dieu… créa la femme, réalisé par Roger Vadim. Le film la propulse au rang de sex-symbol mondial et fait d’elle une incarnation nouvelle de la liberté féminine à l’écran.

Brigitte Bardot fut également chanteuse. Elle enregistre plusieurs titres entre 1962 et 1970, dont certains avec Serge Gainsbourg. En parallèle, elle tourne avec Louis Malle, Jean-Luc Godard, Clouzot ou encore Clément, construisant une filmographie éclectique, parfois sous-estimée.

Mais en 1973, à seulement 39 ans, elle quitte brutalement les plateaux de cinéma. La célébrité l’étouffe. Elle dira plus tard : J’ai donné ma jeunesse et ma beauté aux hommes, je donne ma sagesse et mon expérience aux animaux.

Elle fonde en 1986 la Fondation Brigitte Bardot, entièrement dédiée à la défense des animaux. En Europe, elle contribue à l’interdiction du commerce des peaux de phoques et milite contre les corridas, les cirques ou les abattoirs industriels.

Mais les dernières décennies de sa vie sont aussi marquées par des polémiques. Plusieurs fois condamnée pour incitation à la haine, Brigitte Bardot refuse de renier ses prises de position, quitte à se mettre à dos une partie de l’opinion. Une complexité assumée, qui divise autant qu’elle fascine.

Brigitte Bardot était une icône. Mais jamais une sainte. Libre, radicale, bouleversante ou dérangeante, elle laisse derrière elle un héritage en clair-obscur. Le cinéma français perd une étoile. Le monde militant, une voix forte.

Hommage à Rob Reiner, réalisateur de Misery, Spinal Tap, Quand Harry rencontre Sally..

Tue, 16 Dec 2025 07:33:00 +0000

Le cinéaste américain Rob Reiner et son épouse, Michele Singer Reiner, ont été retrouvés morts à leur domicile de Brentwood dimanche 14 décembre 2025. La police locale évoque une enquête pour homicide. Âgé de 77 ans, Rob Reiner laisse derrière lui une filmographie marquante, construite sur plusieurs décennies de cinéma populaire et engagé.

Né en 1947 à New York, fils du comédien et réalisateur Carl Reiner, Rob Reiner débute sa carrière comme acteur avant de se tourner vers la mise en scène. Il s’impose dès 1984 avec This Is Spinal Tap, faux documentaire parodique devenu culte. Le film est désormais régulièrement cité parmi les meilleures comédies américaines du XX^e siècle.

Sa période la plus prolifique s’étend sur les années 80 et 90. Il enchaîne alors plusieurs succès critiques et publics avec Stand by Me (1986), adaptation sensible d’une nouvelle de Stephen King, The Princess Bride (1987), comédie d’aventures devenue culte, When Harry Met Sally (1989), classique de la comédie romantique, et Misery (1990), pour lequel Kathy Bates reçoit l’Oscar de la meilleure actrice.

En 1992, Reiner signe A Few Good Men, un drame judiciaire porté par Tom Cruise et Jack Nicholson, qui devient un succès mondial. Il poursuit sa carrière avec des films plus inégaux sur le plan critique, mais continue à défendre un cinéma accessible, porté par des enjeux sociaux ou politiques. On lui doit notamment Ghosts of Mississippi (1996), The American President (1995) ou encore Alex & Emma (2003).

En parallèle, Rob Reiner s’engage dans la production via sa société Castle Rock Entertainment, qu’il cofonde en 1987. Il y développe un modèle indépendant capable de financer des œuvres ambitieuses et éclectiques, dont certaines sont aujourd’hui considérées comme majeures dans le paysage hollywoodien.

Les hommages ont été nombreux dès l’annonce de sa disparition. Le président Barack Obama, le gouverneur Gavin Newsom ou encore les acteurs Jamie Lee Curtis, Ben Stiller et Kathy Bates ont tous salué un « conteur engagé » et un « pilier du cinéma américain ». Castle Rock a suspendu ses activités en signe de deuil.

Michele Singer Reiner, son épouse depuis 1989, était également active dans l’industrie comme photographe et productrice. Elle avait collaboré sur plusieurs projets de Castle Rock et soutenait les actions sociales et politiques menées par son mari.

Infos clés

Nom : Rob Reiner
Âge : 77 ans
Date de décès : 14 décembre 2025
Lieu : Brentwood (Californie, USA)
Filmographie sélective : This Is Spinal Tap, Stand By Me, When Harry Met Sally, Misery, A Few Good Men, Ghosts of Mississippi
Compagne : Michele Singer Reiner, photographe et productrice
Société : Castle Rock Entertainment (cofondateur et dirigeant)

« RED BIRD » et le cinéma de genre français : audace et impasses

Wed, 29 Oct 2025 09:49:00 +0000

Un film d’action auto-produit, tourné en 19 jours, pour 100 000 euros, sans l’aval du CNC, sans assurance de distribution : RED BIRD, c’est pas du cinéma. C’est un acte de résistance.

Un pari en mode kamikaze

Marseille, décembre 2024. Trois mecs — Alexandre Laugier, Thomas Habibes & Houssam Adili — décident de faire un film d’action, à l’ancienne. Pas de studio. Pas d’aide publique. Juste une caméra 6K, des bastons chorégraphiées à la main, des potes motivés et une deadline militaire : 125 séquences en moins de 20 jours. Et ça tourne, tous les jours, sans pause. En pleine rue. Avec les flics parfois sur le dos. Et un budget qui ferait rire Netflix : 100 000 euros.

Le pitch ? Un flic mort. Un fils en rage.

Max apprend que son père, alias "Red Bird", flic infiltré, est mort dans un accident louche. Pas convaincu par la version officielle, il remonte la piste du Projet Stardust — un cartel local qui veut rafler le business de la dope. Et ça cogne. Ça flingue. Ça cavale. Mais plus Max creuse, plus ça pue le complot. Et la vengeance devient quête de vérité.

Un cinéma qui sent la sueur

RED BIRD, c’est pas un concept. C’est du concret. 70 pages de scénario tournées avec deux caméras, des lumières bricolées, et des cascadeurs qui bossent sans filet. C’est un film qui n’a pas attendu qu’on lui donne la permission d’exister. Il s’est juste fait. En mode Jackie Chan meets Banlieue 13, avec Marseille en décor brut et sans fard.

Le genre en France : toujours persona non grata ?

En France, les chiffres sont clairs : entre 5 et 8 % des films produits sont des genres (horreur, action, thriller). Et pourtant, 48 % des Français disent préférer les films d’action. Contradiction ? Non : frilosité des institutions, refus de prise de risque, formatage des aides à la production. Résultat : les films de genre se font dans la marge… ou pas du tout. Mais le fond du concept n'est-il pas là ?

RED BIRD, contre-exemple musclé

Ce que prouve RED BIRD, c’est qu’on peut encore faire du cinéma de genre en France. Pour peu qu’on accepte de perdre du confort. Et de transpirer. Le film a déjà été repéré dans plusieurs festivals européens, salué pour sa "rage d’exister" et son "énergie brute". Sortie nationale le 7 janvier 2026. Pas sur une plateforme. En salle. Et c’est pas rien.

Le cinéma qui cogne n’est pas mort

RED BIRD, c’est pas qu’un film. C’est une claque. Une preuve vivante que quand le système ferme les portes, il reste les poings. Et que parfois, ça suffit.

RED BIRD n’est pas seul

Des films totalement autoproduits parviennent à exister. À sortir. À voyager. Exemple: 7 Jours en Juin, réalisé par David Aboucaya, passionné de reconstitution militaire et déjà auteur de plusieurs films de guerre.

Le film a été tourné en 16 jours en Normandie, avec un budget microscopique mais une ambition claire : restituer l’urgence des combats du D-Day à travers le destin d’un petit groupe de parachutistes américains. On y suit sept soldats perdus en territoire ennemi entre le 6 et le 13 juin 1944, piégés dans une série d’affrontements.

Pas de fonds publics. Pas de grosses têtes d’affiche. Mais une reconstitution minutieuse, des décors naturels, des uniformes et armes d’époque, un montage intense… et une vraie rigueur historique. Résultat : une sortie en salles prévue le 19 novembre 2025, un doublage américain en cours via Koan Inc..

Ce film, comme RED BIRD, prouve qu’il existe une micro-industrie parallèle — un cinéma de combat, de conviction, qui n’attend pas qu’on lui tende un tapis rouge pour avancer. Un cinéma qui s’impose, film après film, hors du cadre — mais pas hors du monde.

La Radio du Cinéma soutient les films qui sortent du cadre. À suivre sur notre antenne et nos réseaux.

Patrice Caillet

Le film culte The Killer restauré en 4K : John Woo et Chow Yun-Fat à redécouvrir en salle

Tue, 28 Oct 2025 19:26:00 +0000

Sortie événement le 26 novembre : lThe killer, chef-d’œuvre de John Woo fait son grand retour dans les salles françaises dans une version restaurée 4K. Après À toute épreuve, c’est au tour de The Killer de revenir hanter le grand écran — et les cinéphiles vont adorer ça.

Un film culte entre mélancolie, balles et colombes

Présenté au Festival Lumière 2025 en présence de John Woo, The Killer est l’un des sommets du cinéma d’action hongkongais. Tourné en 1989, il met en scène Chow Yun-Fat dans le rôle d’un tueur à gages rongé par le remords.

Synopsis: Un tueur à gages désabusé accepte un dernier contrat pour payer l’opération qui permettra à une jeune chanteuse, blessée lors de sa dernière mission, de retrouver la vue… Rien ne se passe comme prévu, et il devient la cible de ses commanditaires... et d’un inspecteur de police, campé par Danny Lee.

Un hommage assumé au cinéma français

Fan absolu du Samouraï de Jean-Pierre Melville, John Woo signe ici une relecture stylisée du polar existentiel à la française, saupoudrée d’une esthétique heroic bloodshed dont il est le maître incontesté. Fusillades chorégraphiées, ralentis iconiques, amitié virile et colombes en furie — la marque de fabrique Woo est à son zénith.

Un film restauré à (re)découvrir dans les meilleures conditions

Le film bénéficie aujourd’hui d’un soin tout particulier : une restauration 4K issue du catalogue Golden Princess, récemment acquis par Metropolitan Films via son label HK Films & Video, en partenariat avec Shout! Studios.

Une centaine d’autres titres emblématiques du cinéma de Hong Kong devraient suivre, mais The Killer ouvre le bal avec panache.

Ce qu’il faut savoir (et savourer)

Date de sortie : 26 novembre 2025
Durée : 1h50
Version : restaurée 4K, VOST
Acteurs : Chow Yun-Fat, Danny Lee, Sally Yeh
Distributeur : Metropolitan Films / HK Films & Video

Pour celles et ceux qui ne l’auraient jamais vu en salle — ou qui veulent revivre l’expérience dans des conditions idéales — c’est le moment rêvé de goûter un cinéma viscéral, poétique et viscéralement humain.

« C’est pas la balle qui tue, c’est le regard qu’on échange avant qu’elle parte. » — pourrait-on dire, à la manière de Woo.

Hommage à Diane Keaton 1946 - 2025

Fri, 17 Oct 2025 08:58:00 +0000

Diane Keaton n'était pas seulement une actrice. Elle était une présence. Une manière de faire exister à l'écran des femmes complexes, drôles, intelligentes et infiniment humaines.

Dans Tout peut arriver (Something's Gotta Give), réalisé par Nancy Meyers en 2003, elle incarne Erica Barry, une dramaturge à la fois brillante et vulnérable, confrontée à un amour inattendu incarné par Jack Nicholson. Une performance saluée par les critiques pour sa justesse, son émotion brute et son humour.

Un style

Des premières années avec Woody Allen dans Annie Hall (Oscar de la meilleure actrice en 1978) jusqu'à ses rôles plus tardifs, Diane Keaton a imposé un style fait de tailleurs, de chapeaux et d'attitudes décalées. Mais au-delà de l'apparence, c'est une actrice qui jouait avec son âme, avec son âge, l'amour, le doute, la solitude.

Un héritage émotionnel

Le cinéma perd une voix douce. Une figure qui a su imposer le charme de la maturité, la profondeur de l'émotion, et la liberté d'être soi-même. Elle aura inspiré des générations d'actrices, de créatrices et de spectateurs.

#RadioDuCinema lui rend hommage

Sur nos réseaux, nous partageons chaque semaine des extraits cultes, des hommages, des analyses. Suivez-nous pour ne rien manquer :

#DianeKeaton #HommageCinema #ToutPeutArriver #RadioDuCinema

Sacré Cœur : un film distribué avec le soutien de Canal+ sur fond de débats éditoriaux

Wed, 15 Oct 2025 19:54:00 +0000

Sorti en salles le 1er octobre 2025, Sacré Cœur est un film à cheval entre fiction et documentaire qui revient sur les apparitions religieuses de Paray-le-Monial.

Une production indépendante soutenue par Canal+

Réalisé par Sabrina et Steven Gunnell, Sacré Cœur a d’abord été financé via un appel au don. Plus de la moitié des 690 000 € de budget ont été réunis par des contributeurs anonymes. Le projet a ensuite été cofinancé par Canal+, qui s’est engagé à hauteur de 350 000 € dans le cadre d’un achat de droits pour diffusion après sa sortie en salle. Ce soutien a permis de finaliser le tournage, notamment les scènes de reconstitution.

Le film et le contexte Canal+

Canal+ appartient au groupe Vivendi, dirigé par Vincent Bolloré. Depuis plusieurs années, le groupe Bolloré fait l’objet d’analyses et de débats autour de son influence croissante dans les médias français, notamment à travers les chaînes CNews, Europe 1, ou encore Prisma Media. Certains observateurs évoquent une orientation plus conservatrice, tandis que d’autres soulignent une stratégie éditoriale cohérente assumée par ses dirigeants.

Dans ce contexte, la diffusion d’un film à forte dimension spirituelle tel que Sacré Cœur peut interpeller. Le film a été soutenu au regard de sa dimension patrimoniale, de sa qualité de production, et de son public cible, selon ses producteurs.

Un contenu spirituel assumé

Sacré Cœur met en scène les apparitions du Christ à Marguerite-Marie Alacoque au XVIIe siècle, à Paray-le-Monial, et propose une lecture contemporaine de cette dévotion. Le film alterne scènes historiques avec comédiens, images tournées dans des lieux de culte, et témoignages de personnes racontant un cheminement spirituel.

Le ton du film est ouvertement religieux. Il ne dissimule pas son ancrage chrétien, mais n’a pas pour objet d’instruire théologiquement ni de convaincre. Il adopte un point de vue narratif subjectif, porté par les réalisateurs eux-mêmes, tous deux croyants, qui racontent leur propre chemin de foi en parallèle de l’histoire racontée à l’écran.

À qui s’adresse le film ?

Sacré Cœur cible prioritairement un public en recherche de sens, de témoignages personnels, ou intéressé par le patrimoine spirituel français. Il est également susceptible de toucher les spectateurs attirés par les récits historiques ou les productions à forte empreinte émotionnelle. Sa forme narrative hybride — réunit documentaire, fiction et témoignages.

Le film ne se positionne ni comme un outil catéchétique, ni comme un contenu culturel neutre. Il s’agit d’un film personnel, assumé comme tel par ses auteurs qui veulent se distinguer des productions "horrifiques" diffusées en salle en octobre pour Halloween. Les spectateurs non croyants peuvent y voir un objet cinématographique atypique, une lecture intime d’un épisode religieux français, ou une œuvre de niche parmi d’autres dans le paysage cinématographique contemporain.

Polémique sur l'affiche

À la veille de la sortie, les réalisateurs ont essuyé un refus de la régie MediaTransports pour afficher la promotion du film dans les gares et métros. La régie, qui gère les espaces publicitaires de la SNCF et de la RATP, a déclaré : « Une telle campagne revêt un caractère confessionnel et prosélyte incompatible avec le service de neutralité du service public qui lie nos opérateurs. »

Steven Gunnell a réagi en soulignant que le film ne se limitait pas à une question de foi : « C’est aussi l’Histoire de France. Marguerite-Marie Alacoque, c’est notre patrimoine, comme Jeanne d’Arc ou Saint Louis. »

Chiffres clés

Titre : Sacré Cœur : son règne n’a pas de fin
Réalisateurs : Sabrina et Steven Gunnell
Genre : Docu-fiction spirituel et historique
Date de sortie : 1er octobre 2025
Spectateurs (au 14 octobre 2025) : 112 000
Nombre de copies : 228
Budget : 690 000 €
Partenaire principal : Canal+
Musique : Thierry Malet
Site officiel : sajedistribution.com/film/sacre-coeur

C’ÉTAIT MIEUX DEMAIN : Rencontre avec Elsa Zylberstein, Didier Bourdon et Vinciane Millereau pour une comédie qui électrise les époques

Sun, 05 Oct 2025 19:17:00 +0000

Et si une machine à laver faisait exploser le temps ? Dans C’ÉTAIT MIEUX DEMAIN, le duo improbable Didier Bourdon – Elsa Zylberstein joue un couple des années 50 catapulté en 2025. À la réalisation, Vinciane Millereau signe un premier long-métrage aussi impertinent que malin, entre satire sociale, voyage temporel et comédie de mœurs.

???? La Radio du Cinéma a rencontré les trois complices lors d’une avant_première au cinéma Pathé Valence

???? “On a joué des personnages qui perdent tous leurs repères”

Pour Didier Bourdon, Michel, le père de famille des années 50, “croit avoir les codes du monde”… jusqu’à ce qu’il se retrouve au chômage, dans une société où ses repères masculins ont explosé : “C’est un vrai choc générationnel… et un choc d’ego aussi !”.

Elsa Zylberstein, elle, incarne Hélène, mère au foyer propulsée dans une époque où elle découvre qu’elle dirige une entreprise : “C’est un rôle jubilatoire. Elle ne devient pas féministe par militantisme, mais parce que la société autour d’elle lui ouvre des portes qu’elle ne soupçonnait pas. Et elle les prend, toutes !”

???? “Ce n’est pas un film sur la nostalgie, mais sur le regard qu’on pose sur le passé”

Vinciane Millereau le répète dans l’interview : “Je ne voulais pas faire un film qui juge. Ni glorifier les années 50, ni faire un procès à notre époque. Je voulais montrer ce qu’on croit avoir gagné… et ce qu’on n’a peut-être jamais vraiment réglé.”

C’ÉTAIT MIEUX DEMAIN refuse les réponses simples : il s’amuse des anachronismes, joue avec les références (de Retour vers le futur à Barbie), et injecte dans chaque scène une question sourde : qu’est-ce qu’on veut vraiment transmettre ?

???? Un duo inattendu à l’écran, une alchimie immédiate

Elsa Zylberstein et Didier Bourdon n’avaient jamais tourné ensemble. Et pourtant, leur complicité crève l’écran. “Ce mélange d’exubérance et de contrôle, c’est ce qui rend leur duo si savoureux”, souligne la réalisatrice.

Le film, construit comme un conte inversé, s’amuse à redistribuer les rôles genrés, à faire vaciller les certitudes, tout en gardant un rythme soutenu, entre gags visuels et dialogues ciselés.

????️ Rendez-vous le 8 octobre

Présenté en film de clôture au Festival du film francophone d’Angoulême, C’ÉTAIT MIEUX DEMAIN a déclenché rires et applaudissements. Dès le 8 octobre, le film arrive en salles partout en France.

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Blood of My Blood, Série coup de cœur de la radio du cinéma sur HBO MAX

Tue, 23 Sep 2025 19:50:00 +0000

À la rédaction de La Radio du Cinéma, on pensait avoir tout vécu avec Jamie et Claire. Et pourtant, voilà que Blood of My Blood, le préquel flamboyant d’Outlander, vient nous cueillir au cœur.

La série, disponible sur HBO Max, ne se contente pas de jouer la carte du spin-off nostalgique. Elle remonte le temps jusqu’aux racines mythologiques de la saga, entre Highlanders et tranchées, traditions claniques et cœurs battants. Et si l’on vous en parle aujourd’hui, ce n’est pas seulement parce que la saison 2 est déjà en tournage… C’est parce qu’on a été soufflés.

La Calédonie, terre de feu et de silence

Avant de s’appeler Écosse, ce pays portait un autre nom : Caledonia (la terre des durs à cuire). Une terre rude, balayée par le vent, où les hommes naissaient avec l’orgueil dans les veines et les femmes portaient l’Histoire dans leur regard. Blood of My Blood s’ouvre sur ces paysages bruts, ces montagnes où l’écho semble murmurer d’anciennes promesses.

La lumière y est différente. Les brumes n’y sont pas accessoires. Ici, chaque pas est un héritage, chaque regard un affrontement. La série capte cette essence rare — celle d’un pays qui ne se donne qu’à ceux qui l’écoutent.

Un seul mot : cinématographique.

Bear McCreary, le barde de la franchise

Ce n’est pas un hasard si c’est Bear McCreary qui signe encore la musique. Lui, le compositeur qui transforme les paysages en émotions ("Godzilla: King of the Monsters", "The Lord of the Rings: The Rings of Power") . On l’écoute en boucle sur La Radio du Cinéma — ses nappes de cordes, ses percussions telluriques, ses cornemuses. Il ne compose pas une BO, il ressuscite un peuple.

Dans Blood of My Blood, sa musique est un personnage à part entière. Elle tisse les liens entre les époques, entre les amants séparés, entre les ancêtres et les descendants. Elle pleure et elle résiste. Comme Calédonie.

Harriet Slater, le nom que vous retiendrez

On vous le dit franchement : Harriet Slater est la révélation de la série. Elle incarne Ellen MacKenzie, la mère de Jamie Fraser. Une actrice encore sans page Wikipédia (du moins au moment où l’on écrit ces lignes), mais qui en impose dès son premier plan.

Elle a ce mélange de fierté et de tendresse qu’on attendait d’une Matriarche Fraser. Une présence brute, qui cherche à exister dans un monde d'hommes. Et elle existe, puissamment.

Il faut voir comment elle tient tête aux anciens, comment elle protège ses secrets, comment elle tombe amoureuse à contre-courant. Harriet Slater, c’est la flamme douce mais indomptable. À suivre de très, très près.

❤️ Deux histoires, un même souffle

Blood of My Blood, c’est la rencontre entre Ellen & Brian, mais aussi entre Julia & Henry, dans les tranchées de la Première Guerre mondiale. Deux époques, deux styles, une même soif de liberté et d’amour impossible.

Ce n’est pas une série historique, c’est une série viscérale, où les traditions ne sont pas figées mais interrogées, où la violence est toujours intime, et où les liens du sang — blood of my blood — sont autant de chaînes que de refuges.

Une franchise, oui. Mais surtout une promesse tenue.

Alors que la production de la saison 2 a déjà commencé en Écosse, Blood of My Blood ne cherche pas à remplir un catalogue. Elle prolonge une émotion. Elle fait vivre un univers sans le recycler. Et c’est précisément pour ça qu’on y croit.

Chez nous, à La Radio du Cinéma, on appelle ça un coup de cœur de ceux qui marquent une décennie.

À ÉCOUTER SUR NOS ONDES : la bande-originale signée Bear McCreary, parce qu’un amour d’Outlander ne meurt jamais, il se transmet, et puis "luceo non uro".

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