Le destin artistique de Daria Zueva a basculé il y a cinq ans lors d'un événement du Festival du film de Londres. La rencontre de directeurs de casting comme Carol L. Dudley a été un tournant, l'inspirant à poursuivre une carrière dans le cinéma européen.

L'Impact du Cinéma Indépendant

Bien qu'impressionnée par le cinéma indépendant en général, Daria Zueva est particulièrement bouleversée par l'art de Limonov. Elle souligne l'importance de l'attention, tant au cinéma que dans la vie.

Le Pouvoir des Personnages

Les personnages, tant à l'écran qu'en dehors, sont importants pour Daria Zueva . Elle décrit le pouvoir transformateur de son personnage dans Limonov, allumant un feu dans le cœur du public.

Trouver l'Indépendance

Déménager aux Pays-Bas en 2018 a marqué un nouveau chapitre pour Daria. Elle met en avant l'importance de l'indépendance, tant dans sa vie personnelle que dans sa mission de soutien aux femmes dans l'industrie cinématographique.

Autonomiser les Femmes

La société de production de Daria Zueva, ZU Film, et son album de musique "The Powerful Woman" incarnent sa mission d'autonomiser les femmes. Elle dit que les femmes possèdent une force unique et aspire à inspirer les autres à trouver leur propre indépendance.

Le Rôle du Cinéma dans l'Autonomisation

Le cinéma, selon Daria Zueva, sert à autonomiser le public en offrant des perspectives diverses et en favorisant l'inspiration. Elle reconnaît que l'impact dépend de la réceptivité du public.

Collaboration Internationale

Daria Zueva s'épanouit dans des environnements multiculturels et aime collaborer avec différents pays. Sa passion pour les langues et la communication alimente son désir de travailler sur des projets internationaux.

Regarder vers l'Avenir

Daria Zueva développe actuellement des projets avec le producteur Français Jean-Marie Laronze de "monde & media" et chérit l'opportunité de relier les cultures à travers le cinéma. L'interview se conclut par des vœux de réussite pour le reste de son expérience à Cannes.

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Daria Zueva, actress and producer, celebrates the success of Limonov at the Cannes Film Festival. In this interview, she discusses the importance of European cinema, the impact of characters, and her mission to empower women.

Building a European Career

Zueva's journey began five years ago at a London Film Festival event. Meeting casting directors like Carol L. Dudley was a turning point, inspiring her to pursue a career in European cinema.

Independent Cinema's Impact

While impressed by independent cinema in general, Zueva is particularly overwhelmed by the artistry of Limonov. She emphasizes the importance of attentiveness, both in cinema and in life.

The Power of Characters

Characters, both on and off screen, are significant to Zueva. She describes the transformative power her character has in Limonov, igniting a fire in the hearts of the audience.

Finding Independence

Moving to the Netherlands in 2018 marked a new chapter for Zueva. She highlights the importance of independence, both in her personal life and in her mission to support women in the film industry.

Empowering Women

Zueva's production company, ZU Film, and her music album "The Powerful Woman" embody her mission to empower women. She believes women possess a unique kind of strength and aims to inspire others to find their own independence.

Cinema's Role in Empowerment

Cinema, according to Zueva, serves to empower audiences by offering diverse perspectives and fostering inspiration. She acknowledges that the impact depends on the audience's receptiveness.

International Collaboration

Zueva thrives in multicultural environments and enjoys collaborating with different countries. Her passion for languages and communication fuels her desire to work on international projects.

Looking Ahead

Zueva is currently developing projects internationaly and cherishes the opportunity to bridge cultures through cinema. The interview concludes with well wishes for the rest of her Cannes experience.

La technologie, en particulier le téléphone vidéo, joue un rôle crucial pour aider les personnes sourdes à communiquer. Cependant, ces téléphones ne sont pas obligatoires dans les prisons américaines, privant ainsi les détenus sourds de cet outil essentiel. De plus, les détenus ne sont pas systématiquement dépistés pour les handicaps aux États-Unis, ce qui entraîne une méconnaissance de l’ampleur du problème.

Les réalisateurs du film espèrent qu’il contribuera à sensibiliser le public à ces problèmes et à ouvrir un débat plus large sur l’inclusion et la vie après la prison. Ils travaillent avec Odyssey Impact pour discuter de la meilleure façon d’utiliser ce film pour provoquer un changement.

Le film a été projeté en France et en Irlande, et les réalisateurs espèrent qu’il sera diffusé à l’international. Ils estiment que les problèmes qu’il soulève, tels que l’inclusion pour les personnes sourdes en prison, sont universels. Ils travaillent actuellement sur le développement de ce film en un long métrage pour passer plus de temps avec Walker et sur une série de courts documentaires animés qui suivent le parcours de femmes qui ont quitté des lieux déchirés par la guerre pour trouver refuge aux États-Unis.

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Amy Bench, co-director of the film “Breaking Silence”, shared the evolution of her project. The film, initially a series of short films about incarceration, transformed into a deeper story centered on Leslie, a woman recently released from prison, and her deaf father, Walker. The film highlights the challenges faced by deaf people in prison, often described as being in a “prison within a prison”.

Technology, particularly video phones, plays a crucial role in helping deaf people communicate. However, these phones are not mandatory in American prisons, thus depriving deaf inmates of this essential tool. Moreover, incarcered people are not systematically screened for disabilities in the United States, leading to a lack of awareness of the extent of the problem.

The filmmakers hope that it will help raise public awareness of these issues and open a broader debate on inclusion and life after prison. They are working with Odyssey Impact to discuss the best way to use this film to provoke change.

The film has been screened in France and Ireland, and the filmmakers hope it will be broadcast internationally. They believe that the issues it raises, such as inclusion for deaf people in prison, are universal. They are currently working on developing this film into a feature-length film to spend more time with Walker and on a series of animated short documentaries that follow the journey of women who have left war-torn or violent places to find refuge in the United States.

Babar Ali, qui signe son premier long-métrage, a lui-même vécu la face sombre de Karachi. Alors qu’il préparait le film, il a été victime d’une attaque violente et a survécu par miracle à une balle. Il a grandi dans la périphérie de la ville, où il a vu comment l’argent poussait les gens à recourir à la violence. Il a été témoin d'un meurtre à l’âge de dix ans. Adolescent, il a eu l’opportunité de voyager aux États-Unis, où il a rencontré un réalisateur de documentaires. Cette rencontre a changé sa vie et lui a ouvert les yeux sur le pouvoir du cinéma.

Babar Ali a déclaré : “JOHN était mon rêve - une histoire que je brûlais de raconter. Faire un film sur la religion et la violence n’était pas une tâche facile dans un pays où les cinémas étaient brûlés par des fanatiques religieux. JOHN est ma tentative de comprendre ce qu’il faut pour qu’un humain prenne la vie d’un autre humain et les différentes justifications qu’un être humain peut avoir pour une telle action. Peut-être pouvons-nous apporter du changement si nous pouvons le comprendre. Le film a été tourné à Karachi et réalisé avec le soutien du Sommet international des jeunes médias.”

Le film a reçu des critiques élogieuses de la part de la presse pakistanaise, qui l’a salué comme un film courageux et original sur la minorité chrétienne du Pakistan. Le film met en scène Aashir Wajahat, Saleem Mairaj, Romaisa Khan et Raza Samo. Il a été produit par Faiza Khanum et Wajahat Rauf. Gwen Field et David Olson sont les producteurs exécutifs et Evelyn Seubert et Michael Duffy sont les co-producteurs.

Vincent René-Lortie a façonné cette œuvre avec délicatesse, s'inspirant de l'histoire vraie de son ami d'enfance. C'est une immersion dans les 48 dernières heures de la vie de Marc-Antoine Bernier, un jeune de 14 ans, éperdument en quête de liberté.

"INVINCIBLE, pour moi, est un récit personnel et universel à la fois," , "C'est une exploration de la lutte intérieure, des pulsions autodestructrices et de la quête insatiable de liberté que nous connaissons tous à un moment donné de notre vie."

Le film a gravi les échelons après avoir remporté des distinctions notables, dont le prix du Meilleur court métrage de fiction au Chicago Children’s Film Festival (2022) et le Prix Spécial du Jury International au Festival international du court métrage de Clermont-Ferrand (2023).

Vincent René-Lortie, diplômé de l'École de cinéma Mel Hoppenheim de Montréal, est salué pour son authenticité narrative. Son style artistique, captivant et introspectif, explore des thèmes cruciaux tels que la santé mentale et l'enfance.

Aux côtés du réalisateur, Samuel Caron, co-fondateur de Telescope Films, est un collaborateur de longue date. Ensemble, ils ont produit des œuvres qui ont été reconnues internationalement, allant des vidéoclips aux films expérimentaux. Samuel Caron, passionné par l'innovation narrative, supervise actuellement divers projets, incluant des films ambitieux, des documentaires et des expériences immersives.

Vincent René-Lortie, tout en célébrant le succès d'INVINCIBLE, se concentre désormais sur la finalisation de son film expérimental, LA PEAU DE L'AUTRE (2023), et explore activement la réalisation de son premier long métrage, YOU WERE ALWAYS AN ISLAND.

Jamaicanoproblem se détourne humblement des récompenses, soulignant l'essence même du film : faire résonner la cause des tribus non contactées à travers une plateforme médiatique mondiale. Le choix du format court métrage se révèle stratégique, offrant une expérience immersive destinée à des communautés non alphabétisées, tout en préservant et célébrant l'identité culturelle des peuples anciens.

"Waorani" dépasse les limites de l'écran pour incarner une vision cosmique, captivant les spectateurs et les incitant à s'engager activement. Jamaicanoproblem appelle à l'action, incitant le public à se mobiliser pour la cause, à devenir la voix de ceux qui ne peuvent se faire entendre.

Au cœur de cette œuvre se trouve un récit poignant, dévoilant la lutte intrinsèque des tribus non contactées face aux intérêts corporatifs et à la menace sur la biodiversité en Amazonie. Luis Felipe souligne l'urgence de protéger ces cultures et milite pour un changement de paradigme dans notre perception de la nature.

Le rôle crucial des femmes au sein de ces communautés vulnérables est également mis en lumière. Leur résilience dans la préservation des traditions et leur leadership face à l'exploitation corporative sont des éléments clés du récit porté par le film.

La première du film au Parlement européen a été chaleureusement accueillie par les représentants des Nations Unies, les experts en droits de l'homme et des activistes climatiques. Ce succès a amplifié la voix des Waorani au-delà des frontières.

En fin de compte, "Waorani" ne se contente pas d'être un film, mais un témoignage vibrant, exhortant chacun à se connecter, comprendre et défendre ces histoires jusqu'ici méconnues. Il incite à l'action, inspirant une génération à embrasser des causes qui dépassent l'individu pour le bien de tous.

Ce court-métrage, basé sur l'histoire de Constance, aborde le thème de la violence et du harcèlement subis dans son enfance. "Mon objectif est d'armer les jeunes pour qu'ils sachent comment réagir face à l'adversité", explique-t-elle.

Le festival a été l'occasion de partager ce message puissant avec un public diversifié, des enfants de 8 à 20 ans qui ont réagi de manière incroyablement positive. Aimiende Negbenebor Sela, la réalisatrice, partage son processus de création visant à recréer l'ambiance des années 60 pour mieux immerger le spectateur dans cette période.

Mais au-delà du festival, Constance et Aimiendeespèrent étendre l'impact de leur film. Leur vision inclut des projections dans les écoles, des espaces sûrs pour aborder des sujets difficiles tels que le harcèlement et la diversité.

Le film, d'une durée de 15 minutes, a suscité des réactions émotionnelles profondes chez les spectateurs. "Il est très important de créer des espaces sécurisés pour que les gens puissent s'exprimer sans crainte de jugement", souligne Constance.

Vous pouvez encore visionner "Color of Autumn" en ligne jusqu'au 19 novembre sur le site du Festival du Film pour Enfants de Chicago. 

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=kJyCoRcFm44

Situé au cœur de l'Amérique, le Festival du Cinéma de Wichita, le plus grand festival de cinéma indépendant de l'État du Kansas est organisé par l'Association Tallgrass, une organisation artistique à but non lucratif, le festival est devenu une référence en matière de programmation cinématographique de classe mondiale. Bien plus qu'un simple événement cinématographique, c'est un véritable pilier du paysage cinématographique qui offre une plateforme internationale pour la projection de films de haute qualité et est reconnu à travers le monde pour son engagement envers le cinéma indépendant.

Wichita, une ville du Midwest accueille ce festival. Elle abrite également une grande communauté artistique et musicale, une communauté cinématographique en croissance.

Un Public Exigeant et Passionné

Le public du Festival du Cinéma de Wichita est composé de cinéphiles connaisseurs de tous âges et de toutes origines. Ils sont avides de films indépendants de qualité et se montrent réceptifs, passionnés et authentiques dans leur appréciation du cinéma. 

En plus des projections de films, les cinéastes invités sont accessibles à Tallgrass. En raison de l'authenticité de la ville, il est fréquent de voir un cinéaste oscarisé discuter avec un documentariste lycéen ou un passionné de cinéma.

L'Éducation comme Pilier

Le festival met également l'éducation au premier plan, offrant aux cinéastes indépendants l'opportunité d'apprendre et de grandir. Des séminaires juridiques, des sessions sur la transition du court métrage au long métrage, et des débats sur l'état actuel de la distribution cinématographique font partie intégrante du programme. Ces événements visent à doter les cinéastes des connaissances nécessaires pour faire progresser leur carrière.

Festival en Ligne

Pour ceux qui ne peuvent pas se rendre à Wichita, le festival propose une option en ligne. La plupart des discussions seront disponibles sur la chaîne YouTube de Tallgrass, permettant ainsi au public étranger de profiter de l'expérience éducative du festival.

Le Festival du Cinéma de Wichita du 5 au 8 octobre 2023. Pour plus d'informations : https://tallgrassfilm.org

Crickett Rumley est une personnalité bien connue dans l'industrie du cinéma indépendant aux États-Unis. Elle est réalisatrice, productrice et éducatrice dans le domaine du cinéma. Crickett Rumley a une solide expérience dans l'organisation de festivals de cinéma, l'enseignement du cinéma et la réalisation de films indépendants.

Dans le cadre de ce festival, elle occupe un rôle important, notamment en tant que responsable de la programmation et de la coordination des événements éducatifs. Elle est également impliquée dans l'éducation cinématographique en tant que professeure et a partagé ses connaissances avec de jeunes cinéastes.

Crickett Rumley est une figure respectée dans le monde du cinéma indépendant et a contribué à promouvoir et à soutenir ce secteur de l'industrie cinématographique. Elle est connue pour son engagement envers l'éducation des cinéastes indépendants et son travail visant à renforcer la communauté cinématographique indépendante.

Avec une carrière sur plus de cinq décennies, Richard Lawson a laissé une empreinte indélébile à la fois sur grand écran et à la télévision. Sa filmographie impressionnante comprend des rôles emblématiques dans des productions telles que "Grey's Anatomy", "Being Mary Jane", "Soul Food", "Touched by an Angel", "Wag the Dog", "All My Children" (avec 132 épisodes à son actif), "Dynasty", "St. Elsewhere", "Magnum, P.I.", "Poltergeist", "The White Shadow", "Coming Home", et "Dirty Harry", parmi d'autres.

Au-delà de sa carrière artistique, Richard s'est engagé dans l'humanitaire en tant que médecin pendant 21 mois pendant la guerre du Vietnam. Actuellement, il partage son savoir en tant qu'enseignant au WACO Theater Center, un centre artistique basé à North Hollywood à Los Angeles. Fondé par Richard Lawson et sa femme, la chanteuse et actrice Tina Knowles-Lawson (la maman de Beyoncé). En tant qu'acteur et réalisateur, il présente son dernier projet, "Black Terror". Il explique que la projection en plusieurs étapes vise à susciter un soutien financier pour achever le film.

La classe unique de Richard Lawson au WACO Theatre est reconnue pour son enseignement. Cette classe hybride permet à des étudiants du monde entier d'apprendre les bases de l'art dramatique, de l'attitude à l'administration de carrière. Il encourage l'autonomisation en aidant les étudiants à se connecter à leurs rêves. La mise en relation avec les réalisateurs est également essentielle pour réussir dans l'industrie cinématographique. Richard Lawson encourage les aspirants acteurs à collaborer avec ceux qu'ils admirent.

Photo: Studio City Film Festival

Pour l'équipe du film, rencontrée par Jenna Suru juste avant la proclamation, cette expérience est une reconnaissance du travail acharné et une opportunité de faire entendre des voix variées à travers le cinéma.

Jenna Suru a rencontré Elisa Gambino, humblement reconnaissante : "Cela a été une grande surprise, remporter le prix du meilleur documentaire, c'était une joie incroyable."

"Every Day After" met l'accent sur l'esthétique visuelle, Neil Broffman, directeur de la photographie et monteur, est le mari d'Elisa Gambino. Le choix du noir et blanc, en hommage à l'héritage du père de Neil Broffman, crée l'intimité et accentue la concentration, favorisant une connexion profonde avec les sujets.

Le film aborde les stéréotypes dans le monde cinématographique. Elisa Gambino a souligné l'importance de la communication à propos des stéréotypes, en particulier ceux affectant les personnes ayant des différences faciales pour remodeler la perception du public.

Le film tourne autour de la vie des enfants, soulignant l'importance de la famille pour susciter un changement positif. Dans le cas de Jari, le soutien de sa sœur, Jessa, a catalysé son parcours vers un traitement médical nécessaire. "Des soins gratuits, c'est formidable. Mais si vous ne pouvez pas y accéder... c'est une barrière."

La vision de départ de la réalisatrice etait centrée sur la représentation des efforts d'une communauté pour fournir des soins aux enfants. Cependant, l'attraction des personnages centraux du film, Jari et Jessa, l'a poussé à se concentrer sur leur récit captivant.

"Humo" allie stop-motion et découpe de papier, racontant le voyage de Daniel vers une destination sombre, la maison de la fumée. Le film a fait sa première mondiale au Festival du Film de Guadalajara, puis a été projeté à Annecy cet été.

Au micro de Jenna Suru, le producteur Marc Pannia a souligné la diversité de la programmation du festival, marquée par des thèmes sérieux et comiques, tout en notant l'évolution de l'animation vers des récits plus profonds et authentiques. Pour elle, l'animation offre une liberté artistique sans limite, passant de simples dessins animés pour enfants à des récits riches et humains.

Le HollyShorts film festival est un lieu d'incubation pour les cinéastes émergents, favorisant les rencontres et les échanges d'idées. L'aspect collaboratif de l'animation en fait un domaine où l'amitié joue un rôle essentiel.

La soirée de cloture a été l'occasion pour Rita Basulto de remercier le public et l'industrie. "Humo" et les autres lauréats ont brillé, soulignant le rôle vital de l'animation et du court métrage. Le festival continue d'être une plateforme pour les talents en devenir, favorisant l'innovation et les liens entre les cinéastes.

Taylor Washington partage son enthousiasme,  au cours des 10 jours exceptionnels de cet événement, elle a rencontré de nombreux réalisateurs talentueux et découvert des films incroyables. L'expérience universelle du festival rassemble près de cinquante territoires, créant ainsi un espace de partage entre artistes et différentes formes d'art.

L'interview révèle également l'importance de l'humour noir dans la création artistique. La cinéaste explique que le comique reflète la vie et que l'humour noir permet d'aborder des sujets importants tout en restant accessible. Elle insiste sur le fait que même dans les moments difficiles, il y a souvent une dimension comique à découvrir. En collaboration avec sa co-réalisatrice, Haley Erickson, elles privilégient ce format pour raconter des histoires comiques empreintes de sincérité.

Malgré sa durée de seulement 13 minutes, le film aborde des sujets sérieux tels que les craintes de la maternité et la transmission des traumatismes générationnels. Dans cette comédie, une femme enceinte engage un acteur en difficulté pour jouer le rôle de sa future fille, mettant en lumière les défis de la parentalité. 

Le film est une immersion au coeur de la jeunesse latino de Los Angeles, avec le thèmes de l'identité sociale, l'appartenance et l'émergence de caractères authentiques. Les liens qui se sont tissés pendant le tournage de trois jours sous un soleil écrasant sont incroyables.
Les réalisateurs soulignent la camaraderie exceptionnelle et l'importance des acteurs dans le processus créatif. Le jeune acteur, âgé de 15 ans au début du projet, a été une révélation pour l'équipe. 
En apparaissant dans le palmares du festival les réalisateurs sont récompensés pour leur remarquable direction. ls encouragent les aspirants artistes à persévérer, rappelant que le travail acharné finit par payer. Leur message est clair : "ne jamais abandonner, car le succès peut être au bout du chemin."

Au micro de Jena Suru, Christina partage son amour du cinéma en tant que famille. Elle se souvient comment, enfant introverti, elle a trouvé dans le cinéma un monde de personnages qui lui semblait familier. Elle plaisante même sur le fait que son amour pour le cinéma est si intense qu'elle pourrait se disputer avec quelqu'un qu'elle aime à propos d'un film, tout comme dans une famille.

En parlant de l'expérience du Hollyshorts film festival, Christina évoque la connexion avec d'autres cinéastes et l'inspiration qu'elle tire des courts métrages. Elle voit le festival comme un espace où des créateurs aux carrières similaires se rassemblent pour célébrer leur travail.

Christina explique que bien que les prix soient une belle reconnaissance, l'essentiel pour elle est de partager son film avec le public. Elle souligne l'importance de regarder des films en salle, ce qui est illustré par la projection de son propre film dans une salle de qualité.

En parlant de l'universalité des festivals comme le Hollyshorts, Christina et ses collègues cinéastes partagent les même difficultés et les efforts nécessaires pour réaliser un film. Ils constatent que malgré les origines culturelles diverses des films présentés, de nombreux thèmes universels émergent.

Au cœur du HollyShorts Film Festival 2023, "Benny & James" a trouvé un espace unique pour célébrer la diversité des expériences artistiques.

L'histoire: Un homme, près à prendre une décision qui changera sa vie, soupçonne un rêve terrifiant d'être un signal de Dieu pour annuler ses projets avec son mari.

Au HollyShorts Film Festival 2023 elle a dévoilé "SURVIVED BY" l'histoire touchante d'une jeune orpheline de 13 ans qui démêle sa relation complexe avec son père décédé, gràce à une marionnette.

L'actrice devenue réalisatrice et scénariste est récompensée par l'award "the Best Female Screenplay" Presenté par BeCine, et voit concrètement ses écrits toucher les cœurs. Elle se réjouit de la variété des films présentés, qui enrichissent sa propre vision. Avec près de 50 pays participants, le festival devient un incubateur mondial. Kimberly y découvre des collaborateurs futurs, affirmant que cet événement catalyse l'émergence de nouveaux talents.

Fortement impliquée dans la télévision, elle a dirigé plus de trente épisodes pour la BBC et CHANNEL 4. Lauréate de la NATIONAL FILM AND TELEVISION SCHOOL du Royaume-Uni, Laura Jai Smith a également été sélectionnée pour le programme FRONTIERÈS du festival de CANNES (qui présente des films en cours de réalisation ou récemment achevés, à la recherche d'une distribution internationale) et THE EUROPEAN GENRE FORUM.

Le court-métrage "GRAVID", projeté en première mondiale à HOLLYSHORTS, est né de l'expérience personnelle de Laura, qui a craint d'exprimer son désir de ne pas avoir d'enfants. Son intrigue est inspirée d'un phénomène médical, où un amas de tissus corporels peut croître silencieusement pendant des années, comme l'endométriose. Dans le film, le secret d'Amy devient une manifestation physique.

Laura Jai Smith a voulu briser les stéréotypes en explorant le dilemme d'une femme refusant la maternité, un sujet généralement réservé aux personnages masculins. "GRAVID" offre une réflexion profonde sur l'authenticité et les secrets dans les relations humaines. 

Projeté dans la section Midnight Madness le film a profité de l'ouverture du festival aux œuvres qui explorent l'horreur, la science-fiction et le fantastique pour exprimer des réflexions sur la condition humaine, ce qui coïncide parfaitement avec le propos de "GRAVID".

Laura Jai Smith a également évoqué ses futurs projets. Elle a développé un long métrage qui est, en quelque sorte, une extension de "GRAVID", et travaille sur un autre film d'horreur avec le British Film Institute.

Enfin, la réalisatrice a souligné l'importance croissante du cinéma de genre dans l'exploration de la condition humaine. Elle a exprimé son enthousiasme quant à la tendance actuelle du cinéma d'horreur à aborder des thèmes existentiels, affirmant que c'est une opportunité passionnante pour le cinéma international.

La participation de Joe Zakkoau festival est un privilège en tant que New-Yorkais projetant son œuvre à Hollywood. Les panels informatifs sur le financement et la collaboration entre cinéastes l'ont enrichi. "Subway Stops" construit un monde cinématographique captivant à travers des personnages authentiques. La musique joue un rôle essentiel, rappelant l'approche de Kubrick et Paul Thomas Anderson..

L'interview offre un aperçu fascinant de l'univers cinématographique de Joe Zakko, récompensé par le prix Kodak Best Shot on Film, 16MM pour "Subway Stops".

Dalton a créé l'affiche et les badges du Holly Shorts Festival 2023, les badges, conçus avec diverses perspectives, ont été inspirés par la philosophie sous-jacente à son travail artistique. Malgré les différences entre la conception d'affiches de films et de festivals, le design doit toujours être esthétique tout en capturant l'essence de l'événement. Pour Dalton, l'art de créer des affiches est un mélange de techniques, allant de la génération d'effets visuels à l'utilisation de technologies d'intelligence artificielle.

L'affiche qu'il a créé est une représentation visuelle d'artistes indépendants se tenant face à l'immensité de Hollywood, symbolisant la fierté et l'aspiration des créateurs dans l'industrie cinématographique. Le Holly Shorts Festival, en soutenant des talents indépendants, agit comme un incubateur artistique, offrant une plateforme aux artistes pour montrer leurs films et nouer des liens avec des professionnels du secteur. La convivialité et l'ouverture d'esprit caractérisent l'atmosphère du festival, qui met en lumière l'inclusivité et la diversité.

En fin de compte, le travail de Dalton Corr reflète la fusion entre la musique, le cinéma et le design, offrant un aperçu unique de l'interdisciplinarité artistique et de l'importance de soutenir les créateurs émergents dans l'industrie cinématographique.

Mêlant habilement drame et thriller, "touch" réserve des retournements de situation surprenants au coeur d'une nature impitoyable. La complicité entre Alexander et Ramsey Phillips, son partenaire, crée une dynamique puissante. Leurs personnages, telles des âmes en quête de rédemption fraternelle, ajoutent profondeur et suspense.

Équilibrer les rôles de réalisateur, d'écrivain, d'acteur et de producteur exige une préparation minutieuse. Alexander attribue la réussite du projet au développement et à la pré-production soignés. La prestation exceptionnelle de Ramsey Phillips, en méchant, renforce l'impact du film.

Passant d'acteur à écrivain, Alexander souligne l'importance de diversifier ses compétences. Son film promet une carrière prometteuse, inspirant à explorer de nouveaux territoires artistiques.

Dans le contexte du premier confinement, le film a profondément résonné avec ses thèmes d'espoir et d'amour, démontrant comment la narration a le pouvoir d'émouvoir les cœurs et de susciter le changement. Kirsty a noté que l'essence d'un scénario doit captiver dès la première lecture, un facteur crucial compte tenu du grand nombre de soumissions reçues par sa société Goldfinch Entertainment. L'objectif altruiste de l'entreprise d'aider les cinéastes en herbe a conduit à une participation à plus de 150 films et projets télévisuels, créant un impact remarquable en un laps de temps relativement court.

L'engagement de Kirsty Bell s'étend au-delà de la production, à la création d'une Académie pour les aspirants cinéastes. Elle visera à les former, à travers des cours sur les finances, la distribution, la gestion de production, et bien plus encore, adaptés aux besoins des jeunes talents. Kirsty a souligné que le budget de chaque projet doit être méticuleux, évitant les écueils des modèles génériques.

L'interview s'est conclue par un aperçu du prochain projet de Goldfinch Entertainment, "Her Channel", qui se déroulera dans le cadre historique d'une demeure familiale ancestrale, un mélange captivant d'intrigue et de romance, semblable à des œuvres telles que "Virgin Suicides" et "Heathers"(Fatal Games).

La décision de créer "Judy-ism" comme une comédie permet d'équilibrer subtilement les éléments de romance et d'humour, elle vise à toucher profondément les spectateurs, en reliant les cœurs par le rire. Alors que le film fait ses débuts sur le circuit festivalier, la jeune réalisatrice reste ouverte à de futures selections, impatiente de voir son accueil et espérant plus d'opportunités pour le partager sur grand écran.

"Judy-ism" d'Emily Lerer brille comme un témoignage du pouvoir de la comédie pour véhiculer des récits poignants. Avec son mélange unique de genres et son intrigue captivante, ce film promet une expérience cinématographique marquante.

"Ce festival est l'un de mes préférés. Nous avons participé à de nombreux festivals à travers le monde, mais quand nous avons été sélectionnés ici, j'ai pleuré de joie. Il y a quelque chose de spécial à être ici au Chinese Theater, et entouré de tels talents. Je veux partager cela avec le monde. C'est une opportunité exceptionnelle."

Interrogé sur le choix de l'animation pour ce film, Robyn explique son amour pour ce médium. L'animation permet de représenter les métaphores des émotions de manière cinématographique et d'explorer les sentiments d'Ashley de façon originale et intense. Le dialogue a été écarté au profit d'une narration visuelle pour rendre le film accessible à tous, dépassant les frontières linguistiques.

Jenna Suru a rencontré Théo Dumont, l'un des fondateurs du Festival qui a partagé ses réflexions sur le parcours extraordinaire du festival. Avec une humble gratitude, il a rappelé le début modeste du festival qui est devenu une plateforme prestigieuse pour les cinéastes du monde entier. 425 courts métrages selectionnés cette année sur un impressionnant total de 6000 candidatures !

Une étape majeure pour le festival a été l'ajout d'une quatrième catégorie, les courts métrages documentaires avec à la clé une selection pour les Oscars depuis 7 ans, Théo Dumont a partagé son rêve de voir les lauréats de son festival briller également à l'échelle internationale.

Théo Dumont a voulu mettre en avant le succès des cinéastes français, notamment avec des films comme "Vertueuses", Court-métrage de Stéphanie Halfon, nominé aux César 2023. Il a décrit l'évolution du festival, depuis ses modestes débuts avec 23 films jusqu'à devenir une scène incontournable pour les cinéastes de toutes les nationalités.

En évoquant une nouvelle catégorie de récompenses pour les films de genre, il a partagé l'excitation suscitée par les opportunités offertes aux cinéastes talentueux, avec un sponsor qui envisage de financer un long métrage.

Enfin, l'entretien a abordé le rôle du festival dans la promotion des réalisatrices et des femmes derrière et devant la caméra. Théo Dumont a souligné l'importance d'inclure davantage de films réalisés par des femmes pour sublimer l'inspiration qui émane des réalisatrices. Le festival Holly Shorts reste déterminé à soutenir et à célébrer les voix diverses et créatives du cinéma, tout en continuant à évoluer et à surprendre, année après année.

Théo Dumont

Raquel Antonia s'efforce de réunir les mondes cinématographiques italien et hollywoodien, soulignant leur potentiel puissant. Elle valorise les festivals comme plateformes essentielles pour établir des connexions entre artistes et créateurs en dehors de la sphère des tapis rouges. Son désir de fusionner ces deux univers distincts, que tout semble séparer, se concrétise progressivement grâce au réseau international de l'équipe du festival. Raquel Antonia, une voix audacieuse et influente qui créée des ponts entre les cultures cinématographiques.

Le cinéma français exerce une fascination particulière sur Alba. Tout en nourrissant l'aspiration à explorer plus en profondeur ce domaine, elle puise inspiration chez des réalisatrices américaines telles que Sofia Coppola et Greta Gerwig (Barbie) qui redessinent le paysage cinématographique. Alba Almira est venue présenter "American Night", un thriller long métrage qui nous plonge dans l'univers captivant de l'art. Avec ses chronologies entrelacées et son intrigue artistique, le film offre une expérience captivante tant pour les amateurs d'art que pour les passionnés d'action.

En endossant le rôle d'Olivia dans "American Night", Alba y a découvert des connexions personnelles mais la nature polyvalente d'Olivia lui a permis d'explorer différentes dimensions, ajoutant de la profondeur à son interprétation. En tant que fervente défenseuse des femmes dans le cinéma, Alba attend avec impatience de collaborer avec des réalisatrices, reconnaissant le soutien croissant aux voix féminines dans le cinéma.

Pour Alba, la synergie entre ses deux passions - le jeu d'actrice et les voyages - constitue l'essence même de sa carrière. Les tournages dans des lieux variés à travers le monde, de l'Italie à la Bulgarie en passant par la Slovaquie, lui permettent de fusionner son amour pour les arts avec son désir d'exploration. 

L'importance de la langue va au-delà de la communication. « Il y a plus dans la langue que les mots », a expliqué Lilly. Elle a souligné que malgré les barrières linguistiques, d'autres facteurs peuvent unir les individus, comme la musique et les expériences partagées. Dans le film, le langage visuel joue également un rôle crucial pour transmettre des émotions et des idées.

En ce qui concerne la dynamique de travailler en couple, Danny a partagé une histoire touchante. Ayant rencontré Lilly à 13 ans dans un cours de théâtre, il l'a choisie pour incarner son épouse dans le film qu'il a écrit. « Elle est magnifique dans le rôle », a-t-il déclaré avec émotion. 

Le couple a également évoqué l'importance du film pour la communauté internationale. « Ce film montre des Cubains, des Colombiens et nous tous, reflétant les luttes de la vie quotidienne », a partagé Danny. Leur histoire universelle de la famille et des relations humaines devrait résonner au-delà des frontières culturelles.

Enfin, l'équipe etait enthousiaste à l'idée de présenter leur film au HollyShorts Film Festival à Hollywood. C'est la première projection publique du film. Ils espèrent que leur histoire, bien que spécifiquement cubaine, touchera un public mondial en célébrant les expériences partagées.

L'occasion est également propice à la célébration des cinéastes indépendants et de leurs créations exceptionnelles du monde entier, dont les films français qui ont une place particulière. Daniel Sol se réjouit de mettre en avant ces films et de les présenter à un public enthousiaste, avide de découvertes culturelles. Il souligne la diversité internationale qui enrichit le festival, avec des participants venus de France, d'Allemagne, d'Australie, d'Israël et d'ailleurs.

En tant qu'organisateur, Daniel Sol attribue la singularité de ce festival à la collaboration et à la convivialité qui règnent au sein de l'équipe organisatrice. Cette unité se traduit par une expérience authentique pour les participants. Il est fier de les soutenir dans leurs efforts, de les accompagner dans la promotion de leurs films et de les aider à avancer dans leurs carrières. Enfin, il admet avec humour que remporter un Oscar ne serait pas une mauvaise chose pour clore une expérience cinématographique tout simplement magnifique.

"SWIPE NYC" lui tient beaucoup à cœur, l'ayant écrit, produit et réalisé, et ayant même co-écrit la chanson présente tout au long du film. Elle le considère comme son "bébé", il ne s'agit pas d'une autobiographie, mais d'une histoire qu'elle a su modeler à sa façon, une comédie dramatique basée à Brooklyn qui met en scène Syd (Lisa Edelstein), une femme à l'âge mûr, récemment divorcée et devenue mère célibataire, qui doit se réinventer dans le monde du célibat à New York. Elle se lance dans le milieu effrayant et séduisant des rencontres en ligne ; à chaque rendez-vous Syd rassemble les morceaux de sa vie et retrouve sa sexualité, sa confiance, son pouvoir et son indépendance.

Sue Zarco Kramer était venue de New York pour assister à l'événement, et se dit émerveillée d'être présente au Chinese Theatre sur le Walk of Fame, à côté des empreintes de mains de Cary Grant, Marilyn Monroe et Betty Davis. Elle confie avoir nourri ce rêve depuis sa tendre enfance, et le réaliser maintenant à Hollywood est pour elle une expérience extraordinaire.

Interrogée sur ses 18 années passées en France, elle partage comment cette expérience a profondément influencé sa carrière. Ayant vécu entre Brooklyn et Paris, elle mentionne que la France l'a aidée à se découvrir et à se réinventer, des thèmes également présents dans son film. Elle attribue à la France une inspiration profonde dans sa vie, expliquant que c'est là qu'elle a trouvé son identité à l'âge de 28 ans. Maintenant à 50 ans, elle entame un nouveau chapitre et reste reconnaissante envers la France. Elle évoque également ses projets futurs, annonçant que "SWIPE NYC" pourrait devenir une série, espérant ainsi que le personnage de Syd soit apprécié à l'international, à l'instar du succès de "Dr House" en France.

Monochromatic se distingue par sa mise en scène unique et le choix du format d'image 4:3 pour ramener le public en 1977. Le format 4:3 était la norme à la télévision de l'époque. Karen Bryson explique que le personnage principal de ce court-métrage est la caméra elle-même, offrant une expérience visuelle captivante. Elle souligne que l'utilisation du point de vue subjectif était essentielle, le film est entièrement raconté du point de vue de Grace (à l'exception de la dernière scène), nous voyons ce sur quoi la petite fille choisit de concentrer son regard. La tention entre la vision innocente de Grace et la réalité du monde que sa famille essaie de lui cacher est ainsi mise en évidence.

Photo: Capture d'écran YouTube

Encore et encore, les seules personnes qu'il voyait avec des différences faciales étaient les méchants ou les parias, comme Le Pingouin dans Batman, Francis Dolarhyde dans Dragon Rouge, ou encore le Trio des becs-de-lièvres dans la série Dark. Ils étaient les criminels principaux avec des cicatrices faciales dans la série James Bond, comme Safin ou Le Chiffre. Ou ils étaient simplement rejetés comme Elephant man ou les cinq frères atteints de malformations congénitales dans Men & Chicken. La liste des films qui utilisent des clichés négatifs pour caractériser des personnages en fonction de leur apparence est longue. Malheureusement, c'est un problème qui perdure encore aujourd'hui.

Avec son documentaire court 'Every Day After', qui a fait sa première au  Holly Shorts festival , Dave A. Liu espère contrer les récits dommageables et la stigmatisation auxquels les personnes avec des différences faciales doivent faire face. En montrant un jeune garçon philippin qui grandit avec une fente labiale similaire à la sienne sous un jour positif, et en mettant en avant l'amour qu'une famille éprouve pour quelqu'un qui est né avec une différence.

L'objectif est de susciter l'enthousiasme pour une évolution positive de la société et de créer un monde plus équitable. L'interview souligne l'importance de la présence de femmes derrière la caméra pour offrir une perspective authentique et diversifiée. Taylor Leigh Edwards exprime son enthousiasme quant à la diversité grandissante au sein de l'industrie cinématographique, tant en termes de genre que d'ethnicité et de pensée.

La réalisatriceMilana Vayntrub est en effet originaire de l'ex Union Soviétique tout comme Marina V. Shifrin la scénariste. Leur film met en lumière les histoires similaires de leurs pères et les épreuves de l'immigration, formant ainsi la trame de leur récit.

La langue joue un rôle central dans leur travail. La capacité de diriger en deux langues facilite leur communication et ajoute une dimension supplémentaire à leur propos. Leur film, "Pickled Herring", traite avec tendresse et humour des complexités familiales et des expériences d'immigration à travers les générations.

Elles espèrent que "Pickled Herring" touchera un public international et que le récit résonne auprès de ceux qui ont vécu les défis et les moments d'amour liés à l'immigration, soulignant les liens humains universels. Leur histoire célèbre la richesse des expériences des enfants d'immigrants et la signification de l'appartenance à un lieu tout en préservant ses racines.

Le film est basé sur une histoire vraie vécue par Thommy Kane lui-même. L'objectif est non seulement de partager cette expérience, mais aussi de susciter chez les spectateurs le désir d'apprendre, de comprendre et de voir la force de la résilience humaine. Thommy partage que sa propre existence est la preuve vivante de la capacité de survie après de telles épreuves.

En mai 2023, la présence de "New Shoes" au Festival de Cannes cette année a été un moment mémorable pour l'équipe, lors du Showcase des Jeunes Réalisateurs au Pavillon Américain, à tel point que le réalisateur partage son émerveillement pour la France et envisage même de s'y établir. 

Photo: Facebook Thommy Kane (Cannes 2023)

Enfin, l'hommage de Christina à feu sa tante Dinah Osuna, qui l'a initiée au monde du vin et de l'art, constitue la pierre angulaire de ses activités. Un hommage sincère qui guide chacun de ses pas. Elle dévoile enfin un évènement à venir autour d'un producteur de vin en France dont elle ne dévoile que l'initiale "B"... à suivre

Photo: Instagram Christina Rodehau

Lorsqu'on l'interroge sur son avenir, Bradley annonce sa sixième tentative pour traverser la Manche en 2025, illustrant parfaitement son mantra de ne jamais abandonner.

Teaser: https://www.youtube.com/watch?v=gu3bF4OWCKQ

11.11.18 : Une Collaboration Signée Yvain De Ryck, Sébastien Plazaneix, Antoine Sauwen et Django Schrevens.

Mise en Scène par Antoine Sauwen et Django Schrevens.

Avec la Participation de Fabian Schoog, Oumar Diolo, Alexandre Hérault, Arthur Marbaix, Samuel Van Der Zwalmen et Django Schrevens.

Interview, Jenna Suru

Patrick Aryee, cinéaste et présentateur TV britannique populaire spécialisé dans les reportages animaliers aborde l'impact de l'IA sur l'industrie du cinéma. Il souligne que bien que des inquiétudes persistent quant à la substitution des emplois par l'IA, la technologie continuera à progresser et qu'il est préférable de l'adopter. Aryee estime que l'IA peut être bénéfique dans le domaine du cinéma en effectuant les tâches lourdes, permettant ainsi aux créateurs de se concentrer davantage sur la créativité. Il met également en avant l'importance de la pollinisation croisée des idées et le potentiel de la technologie de la blockchain pour protéger et monétiser les contenus créatifs. Aryee est enthousiasmé par la façon dont l'IA va révolutionner non seulement le cinéma, mais toutes les industries. Il souligne que l'être humains aura toujours un rôle unique dans la synthèse de nouvelles idées et dans la créativité, ce qui sera très valorisé à l'avenir. Enfin, il encourage les professionnels de l'industrie cinématographique à explorer et expérimenter avec l'IA, en insistant sur l'importance de comprendre la technologie et de l'utiliser pour repousser les limites créatives.

Interview réalisée par Jenna Suru lors du festival de télévision de Monte Carlo 2023

Plus d'infos sur le site www.patrickaryee.com pour connaître la démarche et les futurs projets de Patrick Aryee

Pour LA RADIO DU CINEMA Jenna Suru a reçu Kerry Hopkins, PDG de la Broadcast Academy au Royaume-Uni. Elle a participé à une table ronde animée par deux intervenants européens et modérée par la journaliste Rebecca Leffler (Screen International). Sujet: la diversité et la manière de la mettre en œuvre et de représenter les différentes communautés à l'écran. Kerry a consacré ses efforts à promouvoir la diversité dans les médias, en mettant notamment l'accent sur la représentation des femmes. sa campagne "Broadcast Ready Expert Women" a permis d'atteindre un objectif de 30% de femmes dans les médias au Royaume-Uni. Kerry a également élargi son action en incluant les minorités ethniques, les personnes en situation de handicap et les milieux socio-économiques divers. Son travail a eu un impact significatif, puisque désormais 50% des experts médiatiques au Royaume-Uni sont des femmes. Kerry souligne l'importance pour les producteurs indépendants de proposer des castings et des experts plus diversifiés afin de répondre aux attentes du public et d'éviter les réactions négatives sur les réseaux sociaux. En parlant du festival de Monte-Carlo, elle salue l'opportunité unique de réseauter avec des professionnels du monde entier et d'apprendre sur les différences législatives et culturelles entre les pays.

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On Saturday, June 17 2023, Laurent Puons, the Deputy Vice President of the Monte-Carlo Television Festival, welcomed speakers and participants to kick off the “Business Content” of this 62nd edition at the Grimaldi Forum.

For LA RADIO DU CINEMA, Jenna Suru hosted Kerry Hopkins, CEO of the Broadcast Academy in the UK. She participated in a roundtable discussion led by two European speakers and moderated by journalist Rebecca Leffler (Screen International). The topic: diversity and how to implement it and represent different communities on screen. Kerry has dedicated her efforts to promoting diversity in the media, with a particular focus on the representation of women. Her campaign “Broadcast Ready Expert Women” has achieved a goal of 30% female representation in UK media. Kerry has also expanded her efforts to include ethnic minorities, people with disabilities, and diverse socio-economic backgrounds. Her work has had a significant impact, as now 50% of media experts in the UK are women. Kerry emphasizes the importance for independent producers to offer more diverse castings and experts to meet audience expectations and avoid negative reactions on social media. Speaking of the Monte-Carlo festival, she praises the unique opportunity to network with professionals from around the world and learn about legislative and cultural differences between countries.