Comment faire rire sans effacer le vertige d’un fait divers ? Au micro de Manuel Houssais, Gérard Jugnot résume sa boussole avec une formule qui sonne comme une devise de plateau : « On est des démineurs de malheur ». Dans « Mauvaise pioche », il joue et réalise l’histoire d’un homme ordinaire broyé par une confusion d’identité.

Dans « Mauvaise pioche », Gérard Jugnot incarne Serge Martin, un retraité arrêté par erreur et confondu avec « l’homme le plus recherché de France », avant de se retrouver au centre d’un emballement médiatique.

« Le drame, il existe, il est dans les journaux. La comédie, c’est comment on peut déminer. » — Gérard Jugnot

Le film ne s’installe pas durablement dans le registre de la traque : Gérard Jugnot insiste sur “l’après”, sur ce que l’erreur laisse derrière elle — les dégâts collatéraux, la honte publique, la mécanique administrative qui repart… sans se retourner. Et comme il aime que « le cinéma soit mieux que la vie », il revendique une forme de revanche narrative, une sortie de route qui ne condamne pas ses personnages à rester au sol.

L’inspiration est libre, mais la réalité, elle, porte une date et un lieu. Le 11 octobre 2019, Guy Joao, retraité français d’origine portugaise, est arrêté à l’aéroport de Glasgow et confondu avec Xavier Dupont de Ligonnès. Il attend 26 heures avant d’être disculpé, après des tests ADN négatifs.

Pour celles et ceux qui veulent relire les faits : TF1info (31 mai 2021).

Au micro de Manuel Houssais, Gérard Jugnot raconte ce qui l’a accroché : un homme “pris” très vite dans un “maelström médiatique”, puis “jeté” dès que l’erreur est reconnue. Il évoque aussi, avec le recul, la facilité avec laquelle une rumeur s’accroche à un visage, puis se transmet.

Repère utile

L’affaire Xavier Dupont de Ligonnès renvoie à la découverte, le 21 avril 2011, des corps d’Agnès Dupont de Ligonnès et de leurs quatre enfants à Nantes. Le père de famille reste recherché. (Récit AFP : Making-of AFP, 3 avril 2013)

Il y a, dans la manière dont Gérard Jugnot parle de ses personnages, une règle de politesse qui ressemble à une règle de cinéma : ne pas rire “contre”. Il le dit sans détour : il cherche “de l’empathie et de la nuance”, des personnages “riches, pleins”, et un rire qui accompagne.

« Je n’aime pas le rire contre, j’aime bien le rire avec. » — Gérard Jugnot

Ce principe irrigue son parcours de réalisateur, qu’il cite lui-même en exemples : Une époque formidable, Monsieur Batignole… des récits adossés à des sujets sérieux, traités sans cynisme. Ici, la question qui affleure n’est pas “qui est coupable ?”, mais “que devient-on quand le soupçon vous colle à la peau ?” — et comment une salle de cinéma peut, le temps d’1h32, remettre un peu d’air dans la pièce.

À l’entendre, le tournage a eu le goût d’une réunion de bande — pas un club fermé, plutôt une table ouverte. Il cite des compagnons de route, puis des comédiens venus “sortir de leur zone de confort”. 

« J’ai eu la chance d’être comme un petit garçon qui invite ses copains pour venir jouer un goûter. » — Gérard Jugnot

Le casting réunit notamment Philippe Lacheau, Thierry Lhermitte, Michèle Laroque, Zabou Breitman, Reem Kherici, Jean-Pierre Darroussin, ainsi que François Morel, Philippe Duquesne, Charlotte Gabris et Claudia Bacos. 

Parmi les nouveaux compagnons de jeu, Jean-Pierre Darroussin a marqué Gérard Jugnot, qui le décrit comme un acteur “magnifique” et lui offre un rôle de policier obstiné, un “Javert de banlieue” — référence assumée à Les Misérables, pour dire l’acharnement, la certitude, le “Graal” qu’on croit tenir.

Quand Manuel Houssais évoque un parfum de comédie italienne, Gérard Jugnot acquiesce : il cite Dino Risi, Les Nouveaux Monstres, Parfum de femme. Ce qu’il aime dans cette tradition, c’est le frottement : le drame affleure, la comédie ne s’en détourne pas, elle le transforme, parfois au dernier moment.

« Le drame, c’est le berceau de la comédie. Il n’y a pas de rire sans drame. » — Gérard Jugnot

Dit autrement : la comédie n’est pas un rideau qui cache le monde, c’est un outil qui aide à le regarder sans se laisser écraser. Dans l’entretien, Gérard Jugnot va jusqu’à parler “d’intérêt public” quand il s’agit de faire rire aujourd’hui — non pas pour faire diversion, mais pour redonner de la respiration.

Il y a un moment très concret, presque artisanal, dans la discussion : Gérard Jugnot raconte pourquoi il tient aux avant-premières. Au théâtre, dit-il, “on est payé comptant” : la salle répond tout de suite. Au cinéma, on travaille “un peu en aveugle”. D’où cette habitude de venir écouter, guetter, apprendre encore.

La phrase qui revient le plus, dans les salles, le rend heureux : “on s’est régalé”. Lui aussi, insiste-t-il — et c’est cohérent avec son cinéma : une comédie se fabrique en équipe, mais elle se termine vraiment dans le regard du public.

À l’adolescent qu'il fut, Gérard Jugnot répond avec une tendresse lucide : oui, l’enfant est encore là, dans “le plaisir” et “l’émerveillement”. Il se décrit en “retraite très active”, incapable de rester immobile, plus heureux à fabriquer des projets qu’à “pêcher à la ligne”.

Et quand il définit le métier de réalisateur, il choisit une métaphore collective : le capitaine d’une équipe de football. On joue avec les équipiers, on coache, on règle les trajectoires — sans oublier, au milieu, le jeu lui-même.

Dans l’entretien, une conviction revient : aller vers les villes, vers les salles qui ne voient pas passer une équipe toutes les semaines. Gérard Jugnot dit préférer le mot “public” à l’étiquette “populaire”, et raconte le plaisir de ces rencontres hors des grands tapis rouges. Il cite des étapes, des files d’attente, des projections qui deviennent des événements parce qu’elles sont rares.

C’est aussi là que son cinéma se situe : au contact, sans posture, avec un respect presque ancien pour celles et ceux qui achètent un billet et viennent “voir si ça marche”.

Envie de prolonger ? Retrouvez la fiche du film et les séances :  UGC • Pan Distribution

• Titre : « Mauvaise pioche »
• Réalisation : Gérard Jugnot
• Durée annoncée : 1h32
• Sortie en salles : mercredi 1er avril 2026
• Distribution France : Pan Distribution
• Synopsis (résumé officiel) : Serge Martin, retraité, est arrêté par erreur et devient la cible des médias ; il tente de prouver son innocence.

Entretien réalisé à l'occasion du Festival du Cinéma Européen de Meyzieu: FCEM

Un salon, des chaises en cercle, des mots qui sortent sans fard. Au micro de La Radio du Cinéma, le réalisateur, scénariste et producteur Alexis Lloyd raconte la fabrication de Group: The Schopenhauer Effect, un huis clos new-yorkais construit sur l’improvisation et mené par un vrai psychanalyste. la règle du jeu des groupes, et la règle du jeu de ce film, c’est que l’on dit les choses qu’on ne dit pas, ni en famille, ni avec ses amis, explique Alexis Lloyd.

Eight New Yorkers. One real psychoanalyst. Zero scripts. (groupthefilm.com). Pour Alexis Lloyd, cette formule n’est pas un slogan creux : c’est une méthode, un cadre, une contrainte qui libère.

Dans l’entretien, Alexis Lloyd revient d’abord sur un mouvement intime : longtemps, il dit avoir évité le sujet de la psychanalyse, pourtant familier, son père ayant exercé comme psychiatre et psychanalyste à Paris. Le déclic, lui, arrive par la littérature : The Schopenhauer Cure de Irvin D. Yalom, roman centré sur un groupe thérapeutique, existe en français sous le titre La méthode Schopenhauer . 

L’idée initiale vise la série. Mais une difficulté revient comme un leitmotiv : écrire des dialogues qui sonnent juste, avec la vitesse, les silences, les chocs et les retours d’une séance de groupe. D’où une décision qui change tout : faire l’expérience soi-même. Alexis Lloyd raconte avoir rencontré le psychanalyste Elliot Zeisel lors d’une conférence de psychothérapie de groupe à New York, puis avoir intégré un groupe hebdomadaire. Et, très vite, une évidence s’impose : devant la caméra, il ne veut pas d’un acteur qui “joue” l’analyste, il veut Elliot Zeisel lui-même.

Le film ne repose pas sur des dialogues écrits à l’avance. Alexis Lloyd décrit une direction d’acteurs bâtie sur des “intentions” et une dramaturgie émotionnelle : chaque personnage doit, à un moment, faire entendre la tendresse, l’agacement, l’hostilité, l’ennui. Les comédiens choisissent leurs mots, mais aussi le moment où ils entrent dans la mêlée.

La contrainte temporelle n’a rien d’un gadget : les sessions sont tournées sur de très longues durées, avec l’ambition de retrouver le souffle du “présent” propre aux groupes thérapeutiques. Sur la fiche du distributeur américain Abramorama, Group: The Schopenhauer Effect dure 119 minutes et sa sortie en salles aux États-Unis est indiquée au 13 mars 2026 dans l'attente d'un distributeur Français. 

Autre choix décisif raconté à l’antenne : tourner “à la maison”. Alexis Lloyd transforme un appartement en décor, et revendique une lumière simple, franche, difficile à contester. Un huis clos, oui, mais pas un bocal aseptisé : un espace habité, traversé par le jour, où la parole s’accroche aux murs comme une réplique qu’on rumine.

Le chef opérateur est Luke Geissbühler dont le nom parle aux cinéphiles du “faux documentaire” Borat (2006). Un clin d’œil cohérent pour un film qui flirte avec le réel sans s’y dissoudre.

La partie la plus inattendue du récit d’atelier arrive au montage. Avec des heures de rush, des caméras parfois “au mauvais endroit”, Alexis Lloyd adopte une solution empruntée au documentaire : construire un premier montage uniquement à l’oreille. Il raconte s’être imposé plusieurs mois sans regarder l’image, pour bâtir une architecture sonore, avant d’aller chercher les visages, les réactions, les respirations qui collent à cette charpente.

Ensuite, place aux “plans de coupe” et à l’art d’écouter. Alexis Lloyd cite Miloš Forman et l’idée que, dans une scène de groupe, la vérité ne se loge pas seulement dans celui qui parle, mais dans ceux qui reçoivent. Il évoque Amadeus (la scène du Requiem) et Vol au-dessus d’un nid de coucou comme des exemples de cinéma où la réaction devient narration. Une manière de rappeler qu’un groupe, à l’écran, ne se résume jamais à un “héros” qui absorbe toute la lumière.

Quand David Marmier l’interroge sur ce que le film transmet, Alexis Lloyd insiste sur deux phénomènes contemporains qu’il juge majeurs : la solitude, et la difficulté à maintenir une parole authentique sans basculer dans la violence verbale. Il relie cela à une notion qu’il associe à Arthur Schopenhauer : la compassion, que l’époque nomme plus volontiers l’empathie. Dans son récit, le cadre répétitif du groupe (se retrouver, semaine après semaine) encourage la franchise, tout en imposant une responsabilité collective : dire, oui, mais sans détruire.

Dans un groupe de thérapie à Manhattan, un nouveau venu, Alexis (l'auteur lui même), annonce qu’il veut écrire une série inspirée des séances, et l’équilibre du cercle vacille..

La tradition de La Radio du Cinéma se glisse en fin d’entretien : le cinéaste cite deux films qui l’accompagnent. Vertigo, pour son pouvoir hypnotique et son montage, puis Opening Night de John Cassavetes, qu’il associe à une forme de vérité fragile, parfois “inachevée” mais pleinement vivante.

Côté musique, il mentionne Beethoven et Debussy (utilisés avec parcimonie, comme ponctuation), et revient à Amadeus pour la scène finale où la composition devient action. Enfin, pour la réplique, il choisit la dernière phrase de Casablanca : "Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship" un adieu qui ouvre sur “le début d’une grande amitié”. Autant de jalons qui éclairent Group: The Schopenhauer Effect comme un film de parole, de rythme, de regard — et de réconciliation, parfois, avec ce qui nous précède.

• Titre : Group: The Schopenhauer Effect
• Durée : 119 minutes
• Sortie en salles (États-Unis, limitée) : 13 mars 2026 (Abramorama, Rotten Tomatoes)
• Projection à New York : programmation et séances au Quad Cinema, avec plusieurs Q&A indiquées fin mars 2026.
• Site officiel : groupthefilm.com
• Chaîne YouTube : @GROUP_TheSchopenhauerEffect

Photographie: David Marmier

Group: the Schopenhauer Effect, Alexis Lloyd, Elliot Zeisel, thérapie de groupe, psychanalyse, improvisation, prise longue, montage au son, huis clos, cinéma indépendant, New York, Irvin D. Yalom, La méthode Schopenhauer

• Site officiel du film (groupthefilm.com)
• Abramorama (fiche film, date de sortie, durée, équipe)
• Quad Cinema (programmation, séances, Q&A)
• Rotten Tomatoes (synopsis, distributeur, date de sortie)
• The Film Collaborative (présentation du projet, mention de la web-série)
• Irvin D. Yalom (page officielle sur The Schopenhauer Cure)
• Eyrolles (La méthode Schopenhauer, parution indiquée)
• Librairie Gallimard (La méthode Schopenhauer, parution indiquée)

Dans cet entretien, il n’est jamais question de distribuer des bons points. On parle plutôt d’une manière de regarder : celle qui accepte l’inconfort, l’excès, la sensation physique, et qui en fait une clé pour comprendre l’Histoire telle qu’elle traverse les images.

Le festival du film russe « Une autre Russie » connait sa 12e édition du 19 mars au 1er avril 2026, à Paris et en Île-de-France.

Pour préparer vos séances

• Site officiel du festival : uneautrerussie-festival.com
• Page événement Région Île-de-France : iledefrance.fr
• Guide pratique (La Radio du Cinéma) : radioducinema.com

Publié le 28 février 2026, Le réel comme excès compte 474 pages et se présente comme une traversée du cinéma soviétique et post-soviétique, de 1970 à aujourd’hui, avec des cinéastes tels qu’Andreï Tarkovski, Alexeï Guerman, Elem Klimov et Ilya Khrzhanovsky. L’éditeur annonce un travail centré sur les méthodes, les influences, et la manière dont l’hyper-détail et l’authenticité fabriquent des œuvres perçues comme des « cauchemars éveillés ».

« Ma préoccupation est toujours de dire comment écrit-on sur les films sans les tuer, pour au contraire les convoquer, les rendre vivants. »
— Eugénie Zvonkine, dans l’entretien

Le mot « excès » n’a rien d’un slogan : Eugénie Zvonkine l’emploie pour décrire un cinéma qui insiste, qui sature l’œil et l’oreille, et qui finit par vous laisser, non pas avec une thèse, mais avec une expérience.

L’échange revient longuement sur Kira Mouratova, cinéaste dont Eugénie Zvonkine rappelle le manque de reconnaissance durable, malgré des reprises et un travail de diffusion. La Cinémathèque française lui a consacré un cycle en 2019 au Reflet Médicis, avec des films comme Les Longs Adieux (1971) et Le Syndrome asthénique (1989).

Eugénie Zvonkine insiste sur un point précieux : la censure a pu viser l’idéologie, mais aussi la forme. Autrement dit, une interdiction peut s’abattre parce qu’un film se permet un montage, un jeu, un rythme, une violence de texture qui contredit la norme.

« On lui disait : il ne faut pas faire des films comme ça. »
— Eugénie Zvonkine, à propos de Kira Mouratova, dans l’entretien

Cette idée de « traduction » revient souvent : traduire une langue, bien sûr, mais aussi transmettre une émotion, des documents, une histoire de fabrication. Cela passe aussi par le retour des œuvres en vidéo. Potemkine Films propose un coffret Kira Muratova avec cinq films.

Dans le livre comme dans l’entretien, la cinéaste et chercheuse suit des influences explicites, parfois cachées, et des solidarités de méthode. Exemple raconté au micro : alors que Andreï Roublev est inaccessible au grand public, Alexeï Guerman obtient l’accès aux essais de tournage, et ces images de travail deviennent une leçon de cinéma.

Andreï Roublev (1966) est d’ailleurs le film que choisit Eugénie Zvonkine si elle devait partir sur une île déserte avec un seul titre, « parce qu’il contient tellement de monde », dit-elle à David Marmier.

L’entretien convoque aussi Alexandre Sokourov, avec Taureau (2001), et le film fleuve Director’s Diary (2025), présenté hors compétition à la Mostra de Venise.

Enfin, le projet DAU d’Ilya Khrzhanovsky sert de repère contemporain : une « expérience-monde » montrée à Paris en 2019, au Théâtre du Châtelet et au Théâtre de la Ville (avec le Centre Pompidou).

Il y a, dans la conversation, une idée qui parle à tous ceux qui aiment le cinéma au présent : on peut analyser sans dessécher. Eugénie Zvonkine décrit une écriture qui cherche « la chair des images », qui accepte les sensations, parfois désagréables, comme un matériau de compréhension.

Le titre du livre indique la direction : le réel, ici, ne se limite pas à « faire vrai ». Il déborde, il encombre, il met le spectateur à l’épreuve. Ce n’est pas une invitation à admirer. C’est un appel à regarder avec attention ce que le film vous fait, et pourquoi il vous le fait.

Parce que le micro de David Marmier s’adresse aussi à une réalisatrice, l’entretien s’ouvre vers deux films signés Eugénie Zvonkine. Souvenir de vague, documentaire (2017) consacré aux cinéastes de la Nouvelle Vague kazakhe. 

Le deuxième film, Le Sentier des absents, un court-métrage documentaire consacré au deuil périnatal. Le DVD a reçu le prix du meilleur DVD de film récent (pour l’année 2025) décerné par le Syndicat Français de la Critique de Cinéma.

« On avance avec la mémoire de ces bébés disparus. »
— Eugénie Zvonkine, dans l’entretien

L’édition DVD est référencée chez Potemkine. Dans l’entretien, Eugénie Zvonkine évoque aussi une disponibilité en VOD via la plateforme Sooner (UniversCiné).

Pour finir, David Marmier lance son trio de questions « île déserte ». Les réponses dessinent un autoportrait cinéphile en trois touches.

• Un film : Andreï Roublev (1966).
• Une musique de cinéma : Nino Rota, notamment pour les films de Federico Fellini.
• Une réplique : « Je vais vivre avec toi encore un petit peu », tirée de L’Accordeur (2004) de Kira Mouratova.

• Festival « Une autre Russie » : du 19 mars au 1er avril 2026 (Paris et Île-de-France). Voir le site officiel.
• Livre : Le réel comme excès. Le cinéma soviétique et postsoviétique de 1970 à nos jours, Eugénie Zvonkine, Presses universitaires du Septentrion, paru le 28 février 2026, 474 pages. Voir la fiche éditeur : septentrion.com.

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Photographie: David Marmier

Entretien mené par David Marmier (La Radio du Cinéma) lors des Rencontres 7e Art Lausanne (édition organisée du 7 au 16 mars 2025). 

Un décor de carte postale, une mécanique de soupçons, et une héroïne qui se retrouve sans filet : dans Hell in Paradise, Leïla Sy suit Nina, jeune Française partie travailler aux Maldives, rattrapée par un engrenage judiciaire. Au micro, Karine Silla résume l’étincelle qui l’a poussée à écrire : « Le diable est dans le fait divers ». Une phrase qui sert de boussole à ce film français, porté par Nora Arnezeder, sorti en salles le 26 novembre 2025.

Le pitch, lui, tient en quelques lignes et ne lâche plus le lecteur : Nina quitte Marseille « dans l’espoir d’une vie meilleure », décroche un poste de réceptionniste dans un hôtel aux Maldives, puis bascule quand « une tragédie frappe l’hôtel ». Accusée à tort, elle risque la prison à vie et cherche la sortie du labyrinthe.  Unifrance, EuropaCorp.)

À l’origine du scénario, Karine Silla parle d’« obsessions » et d’une fascination ancienne pour la manière dont la société se raconte au travers d’un dossier judiciaire. Dans l’entretien, Karine Silla décrit ce réflexe collectif : fabriquer une narration, désigner un coupable, se rassurer en pointant « le diable » quelque part, pour éviter de le reconnaître en soi.

Cette idée de « miroir » donne une clé de lecture utile : Hell in Paradise ne se contente pas d’une histoire d’innocence à prouver. Le film s’intéresse aussi à la rumeur, à l’emballement, à ce que l’on projette sur une femme isolée loin de chez elle, dans un endroit où le luxe peut devenir une prison.

Dans la conversation, Karine Silla relie directement son écriture à une expérience de terrain : elle dit être allée pendant 20 ans en prison pour animer des ateliers de parole. Des éléments biographiques publics évoquent aussi ce travail d’ateliers en milieu carcéral (par exemple : RTS).

Sur un point, Karine Silla avance au micro des chiffres marquants : « seulement 3 % de la population mondiale carcérale » serait composée de femmes, et « 80 % » de ces situations seraient « liées à un homme ».  

Ce qui reste, au-delà des pourcentages, c’est le cœur du propos de Karine Silla : la place des femmes face au système judiciaire, notamment quand il est question de « complicité » et de responsabilité attribuée. Karine Silla parle d’un héritage symbolique, d’un imaginaire de la « faute originelle » qui, selon elle, continue d’influencer la manière de juger.

Quand David Marmier évoque un « escalier émotionnel », Leïla Sy acquiesce : la mise en scène cherche une progression, marche après marche, vers une sensation de plus en plus resserrée. Leïla Sy raconte avoir reçu le scénario par Virginie Silla et l’avoir lu d’une traite, happée par une écriture « nerveuse » et « ciselée ».

L’idée formelle est limpide : rester au plus près du personnage. Leïla Sy explique que certaines scènes sans Nina ont été écartées au montage, comme si le film refusait de quitter son point de vue. Nina, interprétée par Nora Arnezeder, est ainsi de presque tous les plans.

Côté références, Leïla Sy cite sans détour Alfred Hitchcock : un goût pour les apparences, pour la tension qui s’infiltre dans la beauté des images, et pour cette élégance qui ne protège de rien. Leïla Sy salue aussi son directeur de la photographie, Benjamin Ramalho.

Au micro, David Marmier glisse même une comparaison avec Midnight Express (Alan Parker, 1978), pour décrire cette sensation d’impasse et de choc émotionnel que peut produire un récit de prison et d’injustice. Sans dévoiler les pivots du scénario, la conversation insiste sur l’enjeu principal : Nina trouvera-t-elle le « coup de talon », dit Leïla Sy, qui permet de se remettre debout ?

Avec Virginie Silla, la discussion prend un virage très concret : comment un film se fabrique-t-il, au quotidien, quand le public ne voit que le résultat final ?

Virginie Silla tient à recadrer une idée reçue : oui, il faut un producteur, mais le métier ne se réduit pas au financement. Le point de départ, dit-elle, reste un coup de cœur de lecture. Elle raconte avoir « dévoré » Hell in Paradise en une heure, puis avoir évalué le public, les débouchés et la faisabilité avant de fixer une enveloppe de production.

Ensuite, selon Virginie Silla, l’essentiel se joue ailleurs : accompagner la vision de la réalisatrice, traverser la préparation, le tournage, la postproduction, puis la sortie, tout en veillant à ce que « l’essence du film » reste intacte. Pour l’expliquer, Virginie Silla imagine un mur construit brique après brique, par toute l’équipe. Et David Marmier complète : il faut que « le ciment » tienne. Virginie Silla sourit : le producteur apporte aussi les briques, le ciment, et s’assure que chacun trouve sa place.

Le moment le plus intime arrive quand Karine Silla revient sur son lien avec Virginie Silla. Elle raconte que sa sœur est née quand elle avait sept ans, et qu’elle a ressenti un « choc d’amour » immédiat. Dans cette évocation, la scénariste retrouve l’origine de son désir d’écrire : inventer des histoires pour sa petite sœur, lui ouvrir un horizon, la rassurer.

Karine Silla se souvient de ce rituel : la petite Virginie Silla venait dans sa chambre, écoutait, puis relançait : « Et la suite ? » Une réplique simple, mais qui dit beaucoup du cinéma : ce besoin d’être porté par un récit, scène après scène, jusqu’au moment où l’on comprend un peu mieux ce que l’on vient de traverser.

• Titre : Hell in Paradise
• Réalisation : Leïla Sy
• Scénario : Karine Silla
• Production : Virginie Silla 
• Avec : Nora Arnezeder, Maria Bello, Alyy Khan (liste complète : Unifrance, EuropaCorp)
• Sortie en France : 26 novembre 2025 (sources : Unifrance, AlloCiné, IMDb)
• Durée : 1 h 42 min (sources : Unifrance, EuropaCorp)

À savoir (contenu sensible) : certaines pages de programmation mentionnent un avertissement lié à des scènes de violence et à des tentatives de viol. Si ces thématiques vous touchent, il peut être utile de vous renseigner avant la séance (exemple : UGC).

La bande-annonce est également accessible via la fiche officielle EuropaCorp (lien vers YouTube).

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Sources consultées pour les informations factuelles (date, durée, générique) : Unifrance, AlloCiné, EuropaCorp, IMDb, Rencontres 7e Art Lausanne. Pour la statistique mondiale de population carcérale féminine : World Female Imprisonment List (6e édition, PDF).

```Photographie: David Marmier pour la radio du cinéma

À l’occasion du vernissage presse de l’exposition Le chantier invisible (Fondation Jérôme Seydoux-Pathé 73 avenue des Gobelins, Paris 13e) Jean-Jacques Annaud s’est confié au micro de David Marmier de la radio du cinéma, Yves Alion, Tancrède Delvolvé et Frédéric Vignale. Une conversation de « faiseur » au sens noble: un cinéaste qui revendique le travail, la préparation, la troupe. « Sans émotion, pas de film », résume Jean-Jacques Annaud, comme une boussole plantée au beau milieu d'un plateau.

On connaît Jean-Jacques Annaud pour ses tournages à grande échelle et sa précision d’horloger. L’exposition Le chantier invisible vient justement mettre des lampes de chantier sur ce que le spectateur ne voit jamais: les archives, les dessins, les plans, les objets, les essais, les chemins de traverse qui mènent à un plan réussi. Elle se tient à la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé, au 73 avenue des Gobelins, 75013 Paris.

Jean-Jacques Annaud le dit avec satisfaction: il a tout gardé. Des boîtes, des dossiers, des traces d’école, puis les storyboards, les repérages, les documents de fabrication. Dans la logique Pathé, cette mémoire n’est pas un grenier poussiéreux: elle devient une matière vivante, offerte au public sous forme d’exposition.

La Fondation annonce un parcours nourri de storyboards, costumes, éléments de décor, maquettes, dessins, photos, scénarios et extraits. Un geste de transmission, au sens concret: on montre le « comment », pas seulement le « résultat ».

Dans l’interview, Jean-Jacques Annaud revient sur une pratique souvent mal comprise: le storyboard. Il rappelle qu’il ne s’agit pas de tout figer, surtout quand la scène demande de l’air et de la confiance — il cite lui-même les scènes d’amour, où la mécanique peut vite sonner faux si l’on verrouille trop.

En revanche, dès que l’enjeu devient risqué ou coûteux, la préparation s’impose. Sur Notre-Dame brûle (2022), Jean-Jacques Annaud raconte avoir anticipé l’emplacement des caméras, leur protection, les contraintes de chaleur, les questions d’assurance et de sécurité. L’exposition consacre d’ailleurs une place importante au film, avec des éléments de décor et des maquettes de préparation (dont « le Beffroi en feu », « la forêt », ou la nef avec l’effondrement de l’oculus).

Ce goût du concret, il le revendique sous un mot qui sent la colle, la peinture et les mains noircies: « je suis un bricoleur». Et il rattache ce réflexe aux origines du cinéma, celles de Georges Méliès, où l’illusion naît d’un atelier.

La conversation glisse aussi vers une collaboration marquante: Dante Ferretti, chef décorateur, lié à Le Nom de la rose (1986). Les intervieweurs évoquent un souvenir de cinéma pur: Federico Fellini , et cette idée que le plateau, parfois, devient aussi spectaculaire que ce que l’on cadre.

L'exposition montre une réplique de manuscrit enluminé du XIVe siècle et une maquette de l’abbaye associée au décor conçu par Dante Ferretti pour Le Nom de la rose (1986). Autrement dit: la matière médiévale, la charpente du mystère, mais aussi la preuve physique d’un monde construit.

Pour prolonger la (re)découverte du film: fiche IMDb.

Jean-Jacques Annaud parle du plateau comme d’un lieu familier, presque organique. Il décrit l’odeur de peinture, les câbles, l’agitation, l’orchestre en place. Il insiste sur un point: l’équipe. « J’admire mes techniciens », dit-il, et il ajoute qu’il a besoin d’aimer et de respecter ses acteurs pour que le tournage garde sa cohérence.

Dans ce cadre, une scène le préoccupe plus que les autres: la scène d’amour. Il explique pourquoi la première prise compte, pourquoi la pudeur est une ligne de crête, et pourquoi l’intime des acteurs (leurs couples, leur vie) peut être fragilisé si la scène "paraît vraie » pour de mauvaises raisons. Le propos, sans voyeurisme, dit quelque chose d’essentiel: la mise en scène touche à la personne, pas seulement à la technique.

La filmographie de Jean-Jacques Annaud implique humains et animaux, débutants et stars, paysages grandioses et studios. Il a tourné dans « plus de 40 pays » et son œuvre réunit acteurs non professionnels, vedettes internationales.. et animaux.

Dans l’interview, Jean-Jacques Annaud raconte un apprentissage par le vivant: comprendre l’instinct, travailler l’identification, chercher le sentiment « mammifère ». Il cite L’Ours (1988) comme une expérience d’identification particulière: si le public peut se reconnaître dans un ourson, alors le cinéma a gagné un territoire inattendu.

Pour prolonger la (re)découverte: fiche SensCritique de L’Ours, fiche SensCritique de Deux Frères, fiche SensCritique de Notre-Dame brûle.

Le mot « intelligence artificielle » arrive dans l’échange sans panique, ni posture. Jean-Jacques Annaud explique qu’il a déjà utilisé, depuis longtemps, des procédés qui relèvent de l’assistance numérique: fond bleu, retouches, ajustements, et même — anecdote savoureuse — un travail de « sound like » pour compléter une postsynchronisation, après avoir samplé la voix de Brad Pitt !

Son inquiétude n’est pas la technologie en soi, mais la responsabilité de l’émotion: si l’outil permet de fabriquer des expressions, qui tient alors le gouvernail du jeu? Il pose l’idée d’un « manipulateur » dont la sensibilité, la culture, la vie, peuvent infléchir la justesse d’une scène — surtout quand il s’agit d’intime, de corps, d’amour. Là encore, il ne condamne pas: il décrit un point d’attention, une zone à surveiller pour que l’outil reste au service du film, pas l’inverse.

La Fondation annonce plusieurs rendez-vous liés à l’exposition. Dans le cadre de la Cinémathèque Pathé, quatre films réalisés par Jean-Jacques Annaud et produits par Pathé sont projetés à la Fondation: L’Ours, L’Amant, Deux Frères et Notre-Dame brûle.

Un temps fort est annoncé au 10 avril 2026: Jean-Jacques Annaud donnera une masterclasse, suivie d’un échange avec le public, avant la projection de Deux Frères. Une rencontre est également évoquée avec Jean Rabasse, chef décorateur sur Notre-Dame brûle, accompagné du chef opérateur Jean-Marie Dreujou et de l’assistant réalisateur Mathieu de la Mortière.

Autre proposition: une carte blanche « cinéma muet » du 13 au 30 mai 2026, avec une sélection citant notamment Sergueï Eisenstein, Vsevolod Poudovkine, Charlie Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, Abel Gance, René Clair et F. W. Murnau.

Exposition: Le chantier invisible, dans les coulisses des films de Jean-Jacques Annaud, du vendredi 20 mars 2026 au samedi 31 octobre 2026, à la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé.

Adresse: Fondation Jérôme Seydoux-Pathé, 73 avenue des Gobelins, 75013 Paris.

Horaires (Salle Charles Pathé et expositions): mardi 14h–20h30, mercredi 14h–19h, jeudi 14h–19h, vendredi 14h–20h30, samedi 11h30–19h (fermé dimanche et lundi).

Tarifs (exposition): plein tarif : 5 € ; tarif réduit et partenaire : 3 €. Billet couplé (une séance + accès exposition) : plein tarif : 7 € ; tarif réduit : 5,50 € ; moins de 14 ans : 4,50 € ; carte 5 places (valable 3 mois) : 20 €.

Sources

• Fondation Jérôme Seydoux-Pathé — infos pratiques (horaires, accès, tarifs).
• Site officiel de la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé.
• Pathé — présentation de la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé.

De L’Amant à Sept Ans au Tibet : le ciné-concert symphonique de J.J. Annaud arrive à Paris

Samedi 30 mai 2026 à 20h, Jean-Jacques Annaud vous donne rendez-vous au Palais des Congrès de Paris pour un ciné-concert symphonique.
Les images sur grand écran et dans la salle, les cordes et les cuivres font résonner La Guerre du Feu, Le Nom de la Rose, L’Amant et bien d’autres.
À la baguette, Ralph Szigeti guide l’orchestre, pendant que Jean-Jacques Annaud glisse anecdotes et souvenirs de tournage, comme un bonus de DVD enrichi… en direct.
La mise en scène signée Marc Di Domenico (Iconic Symphonic) transforme la soirée en grande traversée musicale, de Sept Ans au Tibet à Deux Frères.
Billets disponibles de 59 € à 119 €: si vous aimez quand le cinéma se raconte aussi par sa musique, c’est la date à entourer.

• Photographie: David Marmier

À Lausanne, pendant les Rencontres 7e Art Lausanne 2026  l’invité d’honneur Marin Karmitz remet une phrase sur la table, comme on repose un disque qu’on veut faire entendre à tout le monde: « À quoi ça sert un film ? » Au micro de David Marmier pour La Radio du Cinéma, le fondateur de mk2 détaille une idée simple et tenace: une salle peut devenir un lieu d’idées.

Par La rédaction de La Radio du Cinéma • Publié le 14 mars 2026 • Enquête et citations: entretien réalisé pendant les Rencontres 7e Art Lausanne 2026

Le décor n’est pas anodin: Lausanne déroule HOPE, sa thématique 2026, avec des projections de patrimoine et des rencontres publiques. La Radio du Cinéma le rappelle dans son agenda: le festival remet trois Trophées Chaplin (Wes Anderson, Laurence Fishburne et Marin Karmitz) (sources et dates)

Pour comprendre « MK », il faut revenir à un geste fondateur: l’ouverture du cinéma 14-Juillet-Bastille dans un quartier qui n’a pas encore la réputation d’aujourd’hui, avec l’ambition d’accueillir des œuvres que les circuits dominants ignorent. (histoire mk2)

Une archive du MoMA précise même le calendrier: le 1er mai 1974, Marin Karmitz ouvre son premier cinéma à la Bastille, conçu comme un lieu à plusieurs fonctions. (MoMA, dossier de presse, 1989)

« Je n’ai pas essayé de faire des salles de cinéma, mais un point de ce qu’on appelait à l’époque de contre-culture… un lieu d’agitation intellectuelle, d’agitation militante. »
Marin Karmitz, au micro de David Marmier (La Radio du Cinéma), Rencontres 7e Art Lausanne 2026

Dans l’entretien, Marin Karmitz insiste sur un détail qui dit tout: la salle ne devait pas seulement « projeter ». Il raconte une programmation artisanale au départ, des séances en version originale sous-titrée là où Paris en proposait très peu en dehors d’un périmètre déjà identifié. Il décrit aussi un public qui ne vient pas uniquement « consommer », mais discuter, contester, prolonger la projection.

Ce qui traverse ses réponses, c’est une conviction: la salle est un outil civique. Marin Karmitz parle de thèmes de société abordés « en permanence » dans ses espaces, et d’une envie de faire sortir le spectateur avec des questions en tête. Il résume sa boussole avec une formule qui sonne comme un synopsis de l’idée mk2: le cinéma « dans la société », « dans la cité ».

« Dans mes salles, ce que j’ai souhaité faire, c’est faire des salles où on puisse aussi réfléchir… sortir en ayant des combats à mener, assumer certaines responsabilités. »
Marin Karmitz, La Radio du Cinéma, Rencontres 7e Art Lausanne 2026

Cette ligne se lit aussi dans la trajectoire du cinéaste. La filmographie de Marin Karmitz comme réalisateur passe par des films tournés après Mai 68, dont Coup pour coup (1972). Cannes, en 2018, revient sur ce film comme un moment clé de son parcours.

Quand la conversation glisse vers la production, Marin Karmitz résume une méthode: chercher « les films que personne ne veut produire ». En quarante ans, Marin Karmitz a produit 108 films et en a distribué en salles plus de 350. (bio mk2pro)

Au-delà des totaux, la liste des compagnonnages raconte l’essentiel: Krzysztof Kieślowski, Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, Alain Resnais, Louis Malle, Abbas Kiarostami, Wim Wenders. (mk2pro) À Lausanne, le festival rappelle la même idée: une carrière de passeur, tournée vers la création et la transmission. (Rencontres 7e Art Lausanne)

Exemple concret, facile à saisir pour qui aime relier les films aux conditions qui les rendent possibles: Au revoir les enfants (sortie France: 7 octobre 1987) porte, dans sa production, la mention MK2 Productions – Marin Karmitz.

À Lausanne, Marin Karmitz relie son émotion au nom de Chaplin. Il parle d’un compagnonnage long, et l’alignement des dates est documenté: mk2 indique qu’en 2001, la famille Chaplin confie à mk2 la représentation de ses titres. (mk2pro, “Notre histoire”)

Aujourd’hui, mk2 présente une collection Chaplin accessible sur son site, qui rappelle l’ampleur de ce catalogue. (mk2 films, collection Chaplin)

En fin d’entretien, Marin Karmitz cite un titre comme repère personnel: Pickpocket de Robert Bresson. Il explique avoir mis de longues années à en obtenir les droits, et le décrit comme une œuvre majeure. 

Envie d’aller plus loin ?

• Le programme et les rencontres: Rencontres 7e Art Lausanne (5–15 mars 2026).
• Le récapitulatif pratique (lieux, tarifs, temps forts): notre page agenda.
• Pour situer le parcours dans une lecture au long cours: extraits et références autour du livre d’Antoine de Baecque (Flammarion, 25 septembre 2024).

Rencontres 7e Art Lausanne 2026: du 5 au 15 mars 2026 (Lausanne). Détails, trophées Chaplin, horaires et billetterie via La Radio du Cinéma et le site officiel rencontres7art.ch.

mk2 (repères historiques): création des salles mk2 à partir de 1974, contexte et développement: mk2pro (“Notre histoire”), MoMA (PDF, 1989).

Entretien La Radio du Cinéma: citations issues d’un échange enregistré pendant les Rencontres 7e Art Lausanne 2026, au micro de David Marmier.

Photographie: David Marmier

Publié le 13 mars 2026

Un festival né d’un retour aux origines

Face à David Marmier, Vincent Perez rembobine : Lausanne, le canton de Vaud, « le pays de mon enfance ». Il raconte une passion née ici, nourrie par la photographie, les salles obscures et l’envie de « vivre des aventures ». Né à Lausanne, l’acteur et réalisateur rappelle qu’il a grandi dans le canton avant de partir découvrir le monde.

Vincent Perez : « C’est ici qu’a éclos ma passion pour le cinéma… et cette nécessité de vivre des aventures et des histoires importantes. »

Cette énergie irrigue les Rencontres : un festival pensé comme une grande séance partagée, sans esprit de concours. Vincent Perez cite volontiers la filiation avec le Festival Lumière de Lyon et l’inspiration d’un événement qui « célèbre le cinéma » en redonnant leur place aux classiques sur grand écran.

Parmi les partenaires, le Cinéma Capitole est un personnage à part entière : inauguré en 1928, restauré, devenu la « Maison du cinéma » pilotée par la Cinémathèque suisse. 

Le lien est intime pour Vincent Perez, qui raconte avoir grandi non loin de Penthaz, où se trouvent les archives de la Cinémathèque suisse. Il évoque les films conservés, les affiches, les photographies, ce travail patient qui maintient la mémoire à température de projection. Et c’est aussi cela, l’esprit des Rencontres : transmettre, faire circuler, remettre les œuvres en mouvement.

Cette année, la programmation se lit au fil d’un thème : HOPE. La Cinémathèque suisse décrit cette édition comme une invitation à revisiter des œuvres où l’espoir devient moteur narratif, au sein de onze jours rythmés par projections, discussions et masterclass.

Notre article sur les rencontres 7e art de Lausanne avec l'interview de la directrice générale Alexandrine Kol

Dans l’entretien, Vincent Perez annonce aussi un moment de scène avec Irène Jacob autour de Michelangelo Antonioni, cinéaste avec lequel ils ont travaillé. Il raconte un tournage où le metteur en scène, diminué physiquement, continuait à diriger avec une précision sidérante : Vincent Perez dit avoir pris la décision de devenir « sa voix », « son corps », « son mouvement ».

En marge du festival, une lecture en hommage à Antonioni réunit Irène Jacob et Vincent Perez, suivie d’un extrait de Beyond the Clouds (Par-delà les nuages) et d’un échange avec Enrica Antonioni.

Les Rencontres ne se limitent pas aux projections : ateliers, transmissions de métiers, rendez-vous publics. Exemple concret : un atelier de doublage accessible dès dix ans, proposé comme une expérience ludique pour comprendre bruitage, bande rythmo et jeu à la voix.

Le festival met aussi en avant un axe « inclusivité », avec des séances Relax et une rencontre autour du documentaire Invincible été, en présence d’Olivier Goy, atteint de sclérose latérale amyotrophique (maladie de Charcot).

Vincent Perez le dit sans détour : ce festival lui sert « d’école », un lieu où l’on réapprend en regardant les parcours des invité·es, en écoutant leurs visions, en revenant aux œuvres. Il parle de sa curiosité intacte et de son désir de rester ouvert au débat, au travail, à la marge plutôt qu’au confort.

Côté actualité, il évoque son travail d’acteur, notamment la série B.R.I. (Canal+), et annonce préparer un prochain film en tant que réalisateur, avec un tournage envisagé en septembre (information donnée dans l’entretien).

• Dates : du 5 au 15 mars 2026
• Thématique : HOPE
• Lieu phare : Cinéma Capitole – Cinémathèque suisse, Avenue du Théâtre 6, 1005 Lausanne
• Programme & billetterie : rencontres7art.ch
• Pour revoir des masterclass : la chaîne YouTube des Rencontres (playlist et archives vidéo)

Notre page agenda « Rencontres 7e Art Lausanne 2026 » sur radioducinema.com

Article rédigé à partir d’un entretien de Vincent Perez mené par David Marmier pour La Radio du Cinéma, et des informations publiques de programmation.

Photographie: David Marmier

David Marmier (La Radio du Cinéma) tend le micro à Alexandrine Kol, directrice générale des Rencontres 7e Art Lausanne. Sa phrase résume tout un métier : « Je passe derrière les affiches sans les décoller », glisse-t-elle, sourire en coin. Derrière cette formule, une conviction : la magie d’un festival se fabrique souvent hors champ.

Mis en ligne le 10 mars 2026 • Entretien réalisé le 8 mars 2026 au Beau-Rivage Palace (Lausanne) • Propos recueillis par David Marmier

Les Rencontres 7e Art Lausanne se tiennent du 5 au 15 mars 2026, sous la thématique HOPE, dans plusieurs lieux de la ville, avec un cœur battant au Capitole – Cinémathèque suisse. Tout est là : des projections sur grand écran, des conversations publiques, des hommages, et l’envie assumée de faire du cinéma un langage commun.

Dans ce festival où les artistes croisent le public, Alexandrine Kol revendique l’arrière-scène. Elle le dit sans détour :

Alexandrine Kol : « Je déteste la lumière… j’aime surtout être dans l’ombre pour faire qu’un événement puisse être mis en lumière. »

Cette posture n’a rien d’une coquetterie : c’est une méthode. Celle d’une femme qui s’est construite dans l’art concret de la logistique, là où un détail oublié peut faire dérailler tout un calendrier. Et qui préfère, de loin, la précision d’une feuille de route au vertige des projecteurs.

Alexandrine Kol raconte un départ inattendu : « très étrangement », dit-elle, elle n’était pas cinéphile « . Son entrée dans le cinéma tient à une occasion saisie au bon moment, puis à une évidence : organiser, anticiper, tenir le rythme.

Alexandrine Kol : « Ma vie n’est faite que de rencontres et d’opportunités que j’ai su prendre au vol. »

Elle débute en 1993 comme stagiaire à la régie, puis gravit les échelons jusqu’en 2005, de régisseuse adjointe à régisseuse générale. « Les petites mains », dit-elle, celles sans qui « on ne peut rien faire ». Un apprentissage où l’on apprend à faire circuler les équipes, les idées, les solutions, sans bruit inutile.

Le festival est fondé par Vincent Perez . La page “Festival” des Rencontres situe clairement le cadre : une manifestation « loin d’un festival à compétition », axée sur les œuvres des invité·es et les chefs-d’œuvre du patrimoine.

Dans l’entretien, Alexandrine Kol remonte plus loin : elle dit avoir rencontré Vincent Perez sur le tournage de son premier long métrage, Peau d’ange. 

Plus tard, lorsque Vincent Perez lance la première édition des rencontres en 2018, Alexandrine Kol arrive « en assistante », d’abord pour gérer l’agenda. En 2019, elle prend l’opérationnel et la logistique. Puis vient 2020, et ce baptême que beaucoup auraient préféré éviter :

Alexandrine Kol : « J’ai pris la direction générale en 2020, l’année du COVID… pour une première expérience, c’était un joli baptême. »

Dans la bouche de David Marmier, une image revient : la ville affichée, scénographiée, habitée par la thématique HOPE. Le festival revendique d’ailleurs ce fil rouge : la Cinémathèque suisse présente l’édition 2026 comme une invitation à revisiter des œuvres où l’espoir devient moteur narratif. (Source Cinémathèque suisse)

Chaplin’s World, musée dédié à Charlie Chaplin, se situe à Corsier-sur-Vevey, sur l’axe Lausanne–Montreux . Accès Chaplin’s World. Et le Beau-Rivage Palace rappelle que Charlie Chaplin et Oona Chaplin y ont passé leur première nuit en Suisse en 1952. 

Pour donner un visage à HOPE, les Rencontres ont aussi communiqué sur un choix d’affiche lié à Les Temps modernes de Chaplin, image devenue symbole d’une marche en avant malgré l’époque. Rencontres 7e Art Lausanne (LinkedIn).

Clin d’œil assumé : Chaplin a laissé une chanson comme un mantra, cinq mots qui tiennent dans une poche de manteau — « Smile, though your heart is aching » — et qui collent assez bien à l’esprit HOPE.

C’est l’un des points les plus clairs de l’interview, et il est cohérent avec le positionnement officiel : les Rencontres se présentent comme un rendez-vous sans compétition, tourné vers la passion, l’émotion et l’échange, ouvert à toutes et tous. Présentation officielle du festival.

Alexandrine Kol insiste sur la dynamique humaine : des invité·es qui viennent non pas chercher un palmarès, mais un public ; des équipes qui travaillent sur l’année ; et, parfois, des collaborations qui naissent à Lausanne parce que des artistes se rencontrent enfin, au bon endroit, au bon moment.

Elle cite aussi celles qui font le lien, concrètement, avec les artistes : Olivia Weemaes et Alexandra De Jongh. Équipe des Rencontres.

Côté hommages, Wes Anderson et Laurence Fishburne reçoivent le Trophée Chaplin lors de cette neuvième édition. Pour les filmographies : IMDb Wes Anderson • IMDb Laurence Fishburne.

Le festival met également à l’honneur Marin Karmitz (producteur, distributeur, fondateur de MK2) : invité d’honneur et Prix d’Honneur. Page programme : Marin Karmitz, invité d’honneur • IMDb Marin Karmitz.

Pour explorer l’ensemble des horaires, lieux et événements : Programme complet des Rencontres 2026.

Et parce que le cinéma passe aussi par la musique, Bruno Coulais figure au programme des rencontres professionnelles. Le compositeur aux trois César . Académie des César : Bruno Coulais.

Pour une synthèse pratique (programme, tarifs, accès) côté La Radio du Cinéma : notre page agenda dédiée.

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• HOPE
• Alexandrine Kol
• Vincent Perez
• Trophée Chaplin
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• Laurence Fishburne
• Marin Karmitz
• Chaplin’s World
• Cinémathèque suisse

À retenir : dans cet entretien, Alexandrine Kol défend une idée simple — un festival peut être un lieu de transmission avant d’être une vitrine. Un générique vivant, où l’on vient pour écouter, questionner, et repartir avec une envie de cinéma sous le bras.

Après la sortie de Dites-lui que je l’aime, Romane Bohringer est venue parler, sans fard, de la fabrique du film au micro de Patrice Caillet. Dès les premières minutes, elle résume le choc de l’après : « Je suis à peine remise. » Derrière cette phrase, une histoire intime assumée, une adaptation délicate, et une question qui dépasse largement l’écran : que fait-on des blessures de l’enfance quand on devient adulte, parent, artiste ?

Dites-lui que je l’aime (sorti en salles en France le 3 décembre 2025) suit Romane, réalisatrice, qui décide d’adapter le livre de Clémentine Autain consacré à sa mère, l’actrice Dominique Laffin. Ce projet la renvoie à sa propre histoire familiale, marquée par l’absence d’une mère. Le film (durée : 1h32) associe documentaire, fiction et matière autobiographique.

Dans l’entretien, Romane Bohringer raconte un point de départ presque paradoxal : prendre « une histoire infiniment personnelle », et croire, qu’elle peut toucher « l’enfance de chacun ». Elle ne décrit pas une certitude tranquille, plutôt une conviction travaillée au corps, remise sur l’établi pendant l’écriture et au montage.

« J’ai eu très peur… à m’en faire mal, à me dire : où est-ce que je vais exactement ? » — Romane Bohringer

Le mot qui revient, c’est la transmission. Pas celle qu’on encadre au cordeau, celle qui arrive avec ce qu’on a reçu, ce qui manque, et ce qu’on essaie de réparer. Le film devient alors une manière de regarder en face la filiation, l’héritage, et la façon dont on se construit « avec ce qu’on nous a donné ».

Adapter un récit autobiographique suppose une responsabilité particulière, insiste Romane Bohringer. Elle dit avoir été portée par la confiance de Clémentine Autain, tout en se sentant tenue par une exigence de loyauté : ne pas trahir, ne pas enjoliver, ne pas appuyer.

« Je me suis servie du livre de Clémentine… comme un éclaireur dans la nuit. » — Romane Bohringer

La formule raconte une méthode : avancer derrière les questions de l’autrice, s’appuyer sur ses souvenirs pour interroger les siens, bâtir un film en miroir. Le résultat assume une forme hybride, où le processus de création devient une partie de l’histoire.

Repère utile : le livre Dites-lui que je l’aime de Clémentine Autain est paru le 6 mars 2019 (Éditions Grasset). Le récit y évoque sa mère, l’actrice Dominique Laffin (3 juin 1952 – 12 juin 1985).

Un moment de cinéma pur, raconté comme un fait de vie : la rencontre avec Eva Yelmani, qui incarne Dominique Laffin à l’écran. Romane Bohringer explique l’avoir croisée dans la rue, « envoyée comme un miracle ». Et ce hasard vient déplacer la mise en scène : l’actrice ressemble fortement à la mère de la réalisatrice, alors même que celle-ci ne projetait pas de la faire apparaître frontalement.

Beaucoup de spectateurs ont ressenti comme nous un effet de superposition : deux mères qui finissent par n’en former qu’une dans la perception. Ce n’était pas une intention théorique au départ, plutôt une conséquence organique du casting et du tournage. Dans ce genre de film, insiste-t-elle, tout ne se décide pas sur le papier : certaines évidences s’imposent.

L’entretien s’arrête longuement sur une séquence que Romane Bohringer qualifie de centrale : « la scène du bar ». Elle y concentre le rapport d’un enfant à l’alcool d’un parent, avec ce que cela implique de honte, d’insécurité, de peur.

La difficulté, raconte-t-elle, tient aussi au fait qu’elle dirige, pour la première fois, une enfant sur une scène chargée. Elle insiste sur la préparation, la concertation, le souci d’une sécurité affective sur le plateau, pour que le cinéma ne devienne jamais un dommage collatéral.

« On était bien préparés… pour avoir ce dont on avait besoin sans que personne ne souffre. » — Romane Bohringer

Interrogée par Patrice Caillet sur l’idée d’enquête et de puzzle dans le film, Romane Bohringer répond par une nuance importante : le film procure un sentiment d’accomplissement « sur ce sujet-là », sans effacer les fragilités. Elle parle d’un « objet de filiation » laissé à ses enfants, une trace qui raconte d’où ils viennent.

Elle évoque aussi la joie de « l’emmener partout » : faire exister sa mère dans un geste de cinéma, donner une place à un appétit de création repéré dans des cahiers, et rappeler que la littérature et le cinéma possèdent cette puissance rare : rendre visibles des vies que l’histoire a tendance à réduire.

La fin de l’échange ouvre une porte sur la suite. Après L’Amour flou (2018) et Dites-lui que je l’aime, deux films nourris par l’expérience personnelle, Romane Bohringer dit vouloir se confronter à la fiction. Pas par rejet de l’intime, mais par désir d’élargir son terrain de jeu et d’accepter une légitimité : raconter une histoire qu’elle n’a pas vécue.

« Il faut que j’apprenne… que j’ai le droit de raconter l’histoire de quelqu’un d’autre. » — Romane Bohringer

• Titre : Dites-lui que je l’aime
• Sortie en salles (France) : 3 décembre 2025
• Durée : 1h32 (92 minutes)
• Réalisation : Romane Bohringer
• Distribution France : ARP Sélection
• Production : Escazal Films
• Source littéraire : Dites-lui que je l’aime, Clémentine Autain, Éditions Grasset, 6 mars 2019

Pour aller plus loin

Le titre Dites-lui que je l’aime résonne aussi avec un autre film, celui de Claude Miller (1977) avec.. Dominique Laffin , adaptation du roman Ce mal étrange de Patricia Highsmith. 

• Fiche film (distributeur) — ARP Sélection
• Fiche officielle — Festival de Cannes (Séances spéciales)
• Fiche film — Unifrance
• Fiche livre — Éditions Grasset (Clémentine Autain)
• Dominique Laffin — IMDb
• Dites-lui que je l’aime (1977) — Cinémathèque française

© La Radio du Cinéma — Article basé sur l’entretien diffusé sur notre antenne avec Romane Bohringer, mené par Patrice Caillet.

Dans l’interview, Anthony Marciano décrit une fabrication “par paliers” : écrire sans accès direct aux personnes réelles, convaincre des acteurs, puis seulement réussir à rencontrer les intéressés. Le cinéaste parle d’un parcours étape par étape, où le scénario circule, se transmet, se défend.

Sur le papier, l’histoire a tout d’un récit à obstacles : deux Français partent de très loin, apprennent les codes, essuient des refus, et finissent par se faire une place dans un univers réputé imprenable. La presse sportive rappelle d’ailleurs le caractère hors-norme de cette ascension, devenue matière à cinéma via un article de la FFBB (11 février 2026) et un grand récit de L’Équipe (12 février 2026).

Le passage le plus révélateur de l’échange tient en une décision d’écriture : Anthony Marciano explique avoir refusé d’ajouter une scène de dispute, pourtant fréquente dans les “buddy movies”. Motif : elle ne correspondait ni à ce qu’il percevait dans les archives vidéo, ni à ce que lui ont confirmé les vrais Bouna Ndiaye et Jérémy Medjana lors de leur rencontre.

Il évoque même, dans l’interview, des trahisons et des sommes dues de 1.000.000 de dollars sans poursuites, comme signe d’un état d’esprit tourné vers “le suivant”, jamais vers le règlement de comptes. À l’écouter, le cœur du film tient dans la fidélité à l’élan commun — “tout est vrai” dit-il au micro de La Radio du Cinéma.

Interrogé par Patrice Caillet sur la place des proches, Raphaël Quenard insiste sur une dimension chorale : les compagnes, les enfants, les mères. Il parle d’un “soutien inconditionnel” et d’une énergie qui circule, se partage, se relaye, quand l’un doute et que l’autre tient la barre.

C’est aussi une façon d’offrir une clé de lecture simple : Le rêve américain raconte la persévérance, oui, mais pas en solitaire. Le film rappelle que les trajectoires spectaculaires ont souvent des coulisses : des coups de fil, des concessions, des soirs de désespoir… et des gens qui continuent d’y croire même quand la journée, le mois, les années ont été rudes.

Dans l’interview, Raphaël Quenard revient sur une idée de mise en scène : reproduire à l’écran la rencontre sur un terrain de basket à Menton, telle qu’elle est racontée. Il insiste sur la nécessité de créer “cinématographiquement une alchimie”, une sensation de première fois, comme si le film captait l’instant où une amitié prend forme.

Le défi, raconte Anthony Marciano, se concentre sur cette scène de rencontre, car Raphaël Quenard et Jean-Pascal Zadi partagent déjà une complicité visible. Ensuite, le film bascule dans une fraternité installée depuis le film Coupez! de Michel Hazanavicius en 2022.

Quand l’équipe évoque le tournage, Raphaël Quenard décrit Anthony Marciano comme très pointilleux, avec une précision d’horloger, et une méthode qui canalise les envies d’improvisation. Le réalisateur répond en revendiquant une priorité : l’histoire, travaillée, lue, retouchée, répétée.

Résultat annoncé : des interprétations moins démonstratives, plus contenues, “au service du personnage”. Anthony Marciano dit vouloir éviter que les comédiens “sortent du personnage”, tout en gardant la porte ouverte aux trouvailles utiles, intégrées au texte quand elles renforcent le récit.

Dans les dernières minutes, l’échange bascule vers le “après la séance”. Raphaël Quenard souhaite un déclic : s’autoriser à rêver, malgré les voix qui réduisent, découragent, ou déforment les désirs. Il insiste sur la sincérité : elle finit par dépasser la maladresse.

Anthony Marciano complète avec une idée très concrète : “avoir un plan et travailler”. Il cite une routine de travail montrée dans le film : se lever à 05h00 pendant 10 ans pour “gagner 2 h” sur les autres. Et pour le cinéma, son conseil se résume à une injonction simple : écrire des histoires, ne pas attendre qu’elles arrivent “d’ailleurs”.

• Titre : Le rêve américain
• Réalisation / scénario : Anthony Marciano (fiche Gaumont)
• Avec : Raphaël Quenard, Jean-Pascal Zadi (fiche Gaumont ;IMDb)
• Sortie en France : 18 février 2026
• Durée : 122 minutes
• Contexte : film inspiré de l’histoire de Bouna Ndiaye et Jérémy Medjana, racontée aussi par la presse sportive (FFBB, L’Équipe)

Photographies: Amandine Bacconnier

Anthony Marciano , Raphaël Quenard , Patrice Caillet

 Le rêve américain, Anthony Marciano, Raphaël Quenard, Jean-Pascal Zadi, Bouna Ndiaye, Jérémy Medjana, comédie biographique, basket, NBA, agents sportifs, Gaumont, Quad Films

Fraîchement interviewée par de jeunes passionnés présents au festival, elle confie combien cet engagement de la nouvelle génération donne du sens à son travail :
« On travaille pour quelqu’un. Voir des jeunes s’investir avec autant de passion, ça justifie pleinement ce que l’on fait. »

À Viva Cinéma, Béatrice de Pastre présente Le Manoir de la peur, un film muet vieux de plus d’un siècle, accompagné en ciné-concert par deux jeunes musiciens électro. Une rencontre artistique qui illustre parfaitement la vitalité du cinéma de patrimoine.

« Ce dialogue entre de jeunes musiciens et de vieilles images renouvelle complètement le regard. Ils insufflent un nouveau souffle à ces films. »
Habituée à collaborer avec ces artistes, elle se réjouit de découvrir leur création en direct : une relecture sensible et contemporaine d’images centenaires.

Si la musique live redonne une nouvelle vie aux films muets, la restauration sonore des films parlants relève d’un autre défi. Béatrice de Pastre rappelle que ce travail, mené en partenariat avec des laboratoires spécialisés, nécessite des équipements et un savoir-faire très spécifiques afin de restituer le son au plus près de son état d’origine.

L’actualité de la restauration est riche. Parmi les chantiers en cours : un film de Sarah Maldoror, Un déjeuner pour Constance, bientôt prêt à être redécouvert. Autre projet marquant : la restauration de Espoir, unique film réalisé par André Malraux, à l’occasion des 80 ans du CNC et du centenaire de l’écrivain et homme de culture.

Pour Béatrice de Pastre, ces œuvres anciennes ne sont pas des reliques :
« Les films du passé nous parlent encore. Ils racontent d’où l’on vient, mais aussi le monde d’aujourd’hui. »

Une conviction qui résonne particulièrement avec la projection de La Jetée de Chris Marker, présentée dans la foulée : un voyage entre passé, présent et futur, preuve éclatante que le cinéma traverse le temps sans jamais cesser de dialoguer avec lui.

À Viva Cinéma, le patrimoine n’est pas figé : il respire, il se transforme, et surtout… il continue de nous émouvoir.

 « On peut lire le livre par la tranche. » Dans l’exposition Œuvres complètes, présentée à la galerie Huberty & Breyne (Paris, avenue Matignon), Ilan Manouach pousse le manga dans ses retranchements matériels : des milliers de pages condensées en un seul volume, comme une bobine devenue bloc. Une expérience de lecture qui, au fil de l'entretien avec David Marmier, résonne avec une question très cinéma : que devient une œuvre quand on la pense en corpus, en montage, en circulation, plus qu’en récit linéaire ?

L’entretien se déroule dans la galerie Huberty & Breyne, spécialisée dans le 9e art, à Paris. Ilan Manouach s’y présente sans posture : Grec d’origine, il explique que ce décalage l’a aidé à regarder la bande dessinée comme un objet technique, un support manipulable, accumulable, reconfigurable. Cette approche irrigue Œuvres complètes, exposition du vendredi 20 février au samedi 21 mars 2026.

Le point de départ est limpide : traiter une série manga comme une masse de fichiers, puis faire subir à cette matière des opérations que l’on associe d’ordinaire à l’informatique — compilation, concaténation, compression. Dans le communiqué de la galerie, l’exposition est décrite comme une interrogation de la bande dessinée conçue comme « corpus quantifiable », susceptible d’être agrégé et réorganisé selon des logiques non narratives. 

Concrètement, Œuvres complètes présente cinq œuvres monumentales : DragonBall, Naruto, Bleach, Detective Conan et Berserk. Chacune est un volume unique protégé par un étui conçu sur mesure.

Les chiffres donnent l’échelle :

• DragonBall : 7.800 pages, 24,5 kg (168 mm × 252 mm × 739 mm)
• Naruto : 13.852 pages, 24,9 kg (154 mm × 256 mm × 806 mm)
• Berserk : 9.046 pages, 28,5 kg (171 mm × 247 mm × 855 mm)
• Bleach : 14.428 pages, 25,6 kg (154 mm × 256 mm × 839 mm)
• Detective Conan : 18.344 pages, 28,2 kg (154 mm × 246 mm × 927 mm)

Chaque pièce existe en 50 exemplaires (1 Gold, 4 Silver, 45 Bronze), numérotés.

Dans l’interview, Ilan Manouach raconte une scène qui dit tout : sur un précédent projet autour de One Piece (réalisé en 2022), un lecteur a repéré un détail… sans ouvrir le livre. Il regarde la tranche, remarque des zones noires — un code graphique utilisé dans la bande dessinée pour signaler un rêve — et conclut : « il manque un rêve ». Autrement dit, la lecture devient archéologie : on suit des strates, des époques, des motifs, comme on repère des couches sur une coupe géologique.

Cette anecdote fait basculer la série manga du côté du cinéma expérimental : le récit n’est plus seulement une suite de scènes, il devient une surface, un matériau, un bloc de temps. Comme une pellicule qu’on ne déroulerait plus, mais qu’on observerait à la coupe. Un « dataset physique » rendu illisible par sa propre exhaustivité — une archive qui s’ensevelit sous son poids. 

La passerelle avec le cinéma arrive naturellement quand David Marmier interroge l’artiste sur les pratiques de diffusion parallèles. Ilan Manouach décrit le rôle des communautés de fans dans le manga : achat d’éditions originales, démontage, scan, nettoyage, traduction, remplacement des textes, mise en ligne rapide — ce qu’on appelle « scanlation » (ou « scantrad » en français, dit-il). Selon lui, cette économie souterraine a un poids décisif dans la démocratisation des séries longues, dont l’achat complet représente un coût considérable pour un foyer.

Et le cinéma ? Ilan Manouach répond en citant une communauté peer-to-peer consacrée aux films rares, Karagarga, un tracker privé centré sur des films rares . Le principe qu’il décrit est très proche de la scantrad : partage, archivage, et aussi sous-titrage collaboratif (40.000 membres).

Là encore, son exposition prend une saveur cinéphile : ces volumes-sculptures ressemblent à une mise en scène de ce que font nos pratiques contemporaines — accumuler, indexer, relier, reclasser. C’est une question de montage au sens large : comment une œuvre se recompose quand elle circule en fragments (chapitres, scans, fichiers vidéo, sous-titres), et quand des communautés lui inventent des chemins de lecture.

L’entretien évoque aussi un autre axe de travail : la réappropriation éditoriale. La galerie rappelle plusieurs projets antérieurs, dont Katz (2011), une réappropriation de Maus de Art Spiegelman, et Tintin Akei Kongo (2014), une traduction en lingala de Tintin au Congo. 

Sur Katz, il raconte avoir demandé l’autorisation à Art Spiegelman, avoir essuyé un refus, puis avoir tout de même mené le projet — jusqu’à une injonction de destruction. Cet épisode est corroboré par une page de l’éditeur La Cinquième Couche  qui mentionne la destruction du tirage à Bruxelles le 15 mars 2012.

Sur Tintin Akei Kongo, l’artiste explique vouloir combler une lacune politique : pourquoi une œuvre si diffusée n’existe-t-elle pas dans la langue des publics directement concernés ? Son site décrit le livre comme une version traduite en lingala et conçue en fac-similé, suivant les standards industriels de la bande dessinée.

Pour le lecteur, la clé est là : ces gestes ne se posent pas comme des jugements définitifs, mais comme des instruments de lecture. Ils déplacent un paramètre (langue, code visuel, format) afin de rendre visibles des enjeux que l’objet culturel a tendance à naturaliser. D’une certaine manière, c’est le cousinage d’un recut au cinéma : on ne change pas la matière par caprice, on la remonte pour faire apparaître ce que la version dominante laisse hors champ.

Œuvres complètes est présenté à la galerie Huberty & Breyne, 36 avenue Matignon, 75008 Paris, du vendredi 20 février au samedi 21 mars 2026. Horaires : mercredi à samedi, 11 h – 19 h. 

Page de l’exposition sur le site de Huberty & Breyne.

• Fiche projet Tintin Akei Kongo sur le site d’Ilan Manouach. 
• Page éditeur Katz (La Cinquième Couche), avec mention de la destruction du tirage. 

L’interview de David Marmier avec Ilan Manouach met en perspective l’exposition par la voix même de l’artiste : son rapport à l’objet-livre, aux communautés de fans, et à ces façons alternatives de faire circuler les œuvres — des questions qui, au fond, concernent autant la bande dessinée que le cinéma.

Publié le 17 février 2026 • Lecture: 6 à 8 minutes

Avant d’entrer dans le vif, un repère factuel: Tommy Redolfi est “illustrateur, réalisateur et auteur de bande dessinées” et crédité de 12 albums. Ses ouvrages incluent Holy Wood – Portrait fantasmé de Marilyn Monroe et Empire Falls Building, tandis que Les Météores, Histoires de ceux qui ne font que passer figure au palmarès “Prix spécial du jury” du Festival International de la Bande Dessinée d'Angoulême2025.

La première image que Tommy Redolfi propose, c’est celle d’un agenda sans “journée type”. Côté bande dessinée, il insiste sur une pratique en tête-à-tête: “penser des histoires, scénariser, découper, dessiner, coloriser”. Un travail d’atelier, silencieux, parfois traversé par une seule exception: l’arrivée d’un ou d’une scénariste, quand l’échange “introduit une deuxième personne” dans le laboratoire.

À l’opposé, le cinéma impose une organisation collective. Tommy Redolfi évoque la relation constante avec les chefs de poste, cite le chef opérateur et l’assistant réalisateur, et résume son rôle de réalisateur d’un mot simple: coordonner. Le film, à ses yeux, naît de cette circulation d’informations, de ce dialogue permanent qui ajuste la mise en scène au réel du plateau.

Tommy Redolfi: “Moi, ce que j’aime avant tout, c’est raconter des histoires et ensuite découvrir des moyens de les raconter, soit par le biais du crayon, de la tablette numérique ou par le biais du film.”

Les vocations tiennent parfois à un moment précis, presque à une apparition. Tommy Redolfi raconte une rencontre d’enfance: la visite de Pef, auteur jeunesse, dans son école primaire. L’effet n’est pas seulement l’admiration, c’est la matérialité: l’idée qu’il existe “des vraies personnes” qui fabriquent des livres, que la création n’est pas une abstraction réservée à un ailleurs inaccessible.

À partir de là, il place la narration avant le dessin: d’abord le besoin de raconter, puis la recherche du médium. Et la bande dessinée s’impose comme une porte d’entrée évidente: une feuille, un crayon, la possibilité de s’isoler et d’avancer à son rythme, même avec des dessins “pas forcément excellents au début”.

Quand Manuel Houssais l’emmène sur le terrain des “étapes” de création d'une BD, Tommy Redolfi décrit une chaîne qui ressemble, par endroits, à une grammaire de plateau. Tout commence par un scénario “relativement proche du scénario filmique”, avec une différence de format: la pensée “par planche” et “par découpage”.

Vient ensuite l’étape qu’il met au sommet: le storyboard. Là, il parle cadrage, plans, mise en scène: plan rapproché, plan d’ensemble, contre-plongée… un vocabulaire qui fait immédiatement écho à la réalisation. Puis le crayonné (précision du brouillon), l’encrage (le trait définitif), et enfin la mise en couleur, parfois confiée à un coloriste, pour poser l’ambiance d’une scène.

Tommy Redolfi: “L’étape que je préfère par-dessus tout, c’est vraiment là, on est sur de la mise en scène.”

Le passage au cinéma, il ne le raconte pas comme un simple “upgrade”. Il insiste plutôt sur le choc: le comédien dans un cadre, la parole, la musique, le son, et tout ce qui peut exister en dehors de l’image. Il évoque la voix off, les bruits hors champ, la suggestion du hors champ, les mouvements de caméra. Pour lui, ces outils ouvrent une extension émotionnelle: la même histoire, mais traversée par d’autres forces.

Le mot qu’il lâche est parlant: “challenge”. Gérer, puis apprivoiser la caméra, trouver un mouvement “approprié”, faire naître un rythme. Il ne présente pas cela comme une théorie, plutôt comme une pratique du quotidien.

Sur l’adaptation, Tommy Redolfi pose une idée qui a le mérite d’être claire: il ne croit pas à un consensus sur “la bonne adaptation”. Sa préférence va à la transformation assumée: réinterpréter, “dénaturer”, “en faire autre chose”. Dans sa logique, l’album a déjà “tout mis” — énergie du dessin, dialogues, cadrages — et il faut donc trouver une autre justification au passage à l’écran.

Tommy Redolfi: “Si cette œuvre est adaptée, alors je pense qu’il faut prendre le plus de liberté possible.” , apporter “en plus” quelque chose de différent, même si cela dévie des intentions initiales.

Dans l’entretien, l’exemple du Marsupilami sert de terrain d’entraînement: comment une œuvre très identifiée peut être reprise, déplacée, réécrite. Tommy Redolfi dit avoir apprécié le film parce qu’il y reconnaît “l’esprit” du réalisateur Philippe Lacheau et l’appropriation d’un univers.

Il nuance aussitôt, avec une observation de scénariste: dans cette mécanique, le Marsupilami peut fonctionner comme un objet de quête — ce que Manuel Houssais rapproche de la notion de MacGuffin popularisée par Alfred Hitchcock. En clair: un moteur narratif qui met l’histoire en mouvement, même si l’objet pourrait, en théorie, être remplacé.

Le moment le plus savoureux de l’échange arrive quand Tommy Redolfi décrit son aller-retour mental. En bande dessinée, il compose comme un cinéaste: mouvement de caméra, arrêt, rythme, nombre de cases nécessaires pour rendre un déplacement. Il parle de “découpage” comme on parlerait d’un plan de travail.

Et pourtant, une fois sur un tournage, renversement: il se dit “incapable” de penser en “plan cinéma”, impressionné par la grammaire. Pour retrouver de la sérénité, il revient à son autre outil: la bande dessinée. Il se place comme dessinateur et se demande comment il “habillerait ces cases”, puis il transpose ensuite vers la caméra.

Tommy Redolfi: “Quand je suis en film, j’ai besoin de me rassurer avec la bande dessinée.”

Pour décrire son univers, Tommy Redolfi convoque trois cinéastes comme des phares: Jim Jarmusch, Quentin Dupieux et David Lynch. Le point commun qu’il souligne n’a rien d’un effet de mode: c’est l’idée d’un quotidien reconnaissable, mais “décalé”, avec “un pas de côté”. Une réalité où un grain de sable enraye la machine, et où l’on observe ensuite comment le récit avance malgré tout.

Si vous cherchez une clé de lecture bienveillante, elle est là: ce décalage n’est pas un mur, c’est une porte. Il autorise l’imaginaire, il déplace l’émotion, il ouvre un “ailleurs” sans renier le concret.

Question classique, réponse moins attendue: si une de ses créations devait passer au cinéma, Tommy Redolfi n’imagine pas forcément être aux commandes. Il évoque l’idée de choisir un réalisateur “raccord” avec l’univers, puis de lui donner “carte blanche”. La création comme relais, pas comme contrôle.

Et s’il devait adapter lui-même, il fixerait une condition: le temps. Laisser passer des années, obtenir une distance, puis revenir à l’album avec un regard neuf, pour créer une “nouvelle œuvre originale” plutôt qu’un simple décalque.

Pour finir, Tommy Redolfi ne vend pas une recette miracle. Il donne un impératif d’atelier: produire, tester, se tromper, recommencer. Prendre un crayon, saisir une caméra, écrire court, poser un univers, développer. Sortir du fantasme du métier pour rejoindre le concret.

Tommy Redolfi: “N’ayez pas peur de vous tromper, expérimentez des choses, mais surtout réalisez et soyez dans le concret.”

Ouvrages et distinctions cités (sources officielles et éditeurs):

• Holy Wood – Portrait fantasmé de Marilyn Monroe (fiche éditeur La Boîte à Bulles: date indiquée au 15 juin 2016).
• Empire Falls Building (Éditions Soleil: “Paru le 1 décembre 2021”, scénario Jean-Christophe Deveney, dessin Tommy Redolfi). 
• Les Météores, Histoires de ceux qui ne font que passer (site du FIBD: “Prix Spécial du Jury”, parution indiquée au 16 octobre 2024). 

Repère cinéma cité dans l’entretien:

• Marsupilami (IMDb: crédit réalisateur Philippe Lacheau et casting principal)

Vous avez aimé cet échange? Retrouvez la rediffusion et d’autres entretiens sur radioducinema.com.

Sur un plateau, il y a les cadres, les perches, les rails… et ce moment où tout le monde se retrouve enfin au même endroit : la cantine, le catering. Dans notre interview, Corentin Ponthus, cofondateur du Chat Toqué, résume son métier avec une image simple : « On monte un restaurant tous les jours, peu importe le décor, peu importe le lieu. »

Responsable de cantine, chef, logisticien, parfois mécano improvisé… le catering de tournage fait partie de ces métiers invisibles qui tiennent une journée (et une équipe) debout. Avec le chat toqué, basé à Marseille, on passe derrière le rideau : comment on pense un menu pour une centaine de techniciens, comment on gère les imprévus, pourquoi la déco compte, et ce que change la nouvelle donne des tournages plus responsables ?

« Il faut être cuisinier, cinéphile et un petit peu fou », sourit Corentin Ponthus au micro de Patrice Caillet. L’image n’est pas une coquetterie : le catering, c’est installer une salle, un flux, une cuisine, une cadence, puis tout démonter… et recommencer le lendemain, qu’il pleuve, qu’il vente, que le décor soit une ruelle, un parking, une colline ou un studio.

Sur son site, le Chat Toqué revendique une « vraie pause repas » et une cantine « agréablement décorée », pensée comme un sas où l’équipe peut souffler après des heures intenses, avec une restauration faite sur place (entrées, plat chaud, desserts maison). Le service s’appuie sur une brigade identifiée : Corentin Ponthus (chef pâtissier) et Sébastien (chef cuisinier), avec Baptiste en régie et accueil.

Sur un plateau, tout le monde n’a pas la même dépense d’énergie ni les mêmes contraintes. « Les électro machino, eux, ont faim », raconte Corentin Ponthus. À l’inverse, la production demande souvent plus léger, plus digeste. Résultat : un seul déjeuner doit proposer plusieurs “scénarios” en parallèle.

La règle d’or selon Corentin Ponthus

Prévoir du copieux, du plus léger, du végétarien, et si possible du végan, pour que « tout le monde mange ». Le but n’est pas de faire “un menu unique”, mais une partition complète, qui laisse chaque poste choisir son rythme.

Premier tournage, premières sueurs. Corentin Ponthus se souvient d’une publicité de « trois ou quatre jours de tournage » où il était encore néophyte : stress, pression, détails qui comptent. Puis, tournage après tournage, « ça roule ».

La liste des surprises ressemble à un scénario à rebondissements : accès impossible, camion coincé, météo capricieuse, branchement qui lâche. « Il faut être prêt à faire de la mécanique, de la plomberie, de l’électricité… », explique-t-il, avant de poser l’essentiel : rester calme, garder le sourire, parce que la cantine est un moment de détente collectif.

« Une publicité, on sent que c’est pour trois jours », observe Corentin Ponthus : moins de temps pour tisser des liens. Sur les tournages longs, la cantine devient un repère. On prend des habitudes avec les régimes, les petits rituels.

Et puis, il y a la règle non écrite, que Corentin Ponthus formule comme une maxime : la cantine entend tout… et ne répète rien. Une “safe space” : on recharge les batteries, on décompresse, puis on repart au clap suivant.

Le Chat Toqué se présente comme une cantine de tournage capable d’accueillir jusqu’à 100 personnes en autonomie (et davantage si l’équipe est prévenue), avec une base logistique à Marseille et une autre à Paris. La promesse : une cuisine préparée devant l’équipe, et un menu qui change pour éviter la lassitude sur les tournages longs.

Dans l’interview, Corentin Ponthus cite notamment des projets diffusés sur France 3, comme Tom et Lola et La Stagiaire, ainsi que le long-métrage Les Condés. Sur son site, le Chat Toqué met aussi en avant des références de diffuseurs (Canal+, Netflix, France TV) et affiche ces titres dans ses “derniers tournages”.

Dans l’interview, Corentin Ponthus raconte un virage concret : fin des canettes, bascule vers le verre, boissons réalisées via une machine de gazéification, incitation à venir avec sa propre tasse, tri des déchets. Sur son site, le Chat Toqué affirme aller plus loin : cantine autonome en eau et énergie, récupération des eaux usées, tri sélectif, et aucun usage de bouteilles ni de canettes.

Cette évolution n’est pas isolée : depuis le 1er janvier 2024, le CNC impose aux bénéficiaires d’aides à la production la remise d’un bilan carbone provisoire et définitif, via des outils homologués. L’alimentation, la gestion des déchets et les achats responsables font partie des axes explicitement cités dans les ressources de référence sur les tournages éco-responsables.

Il fut un temps où les acteurs apportaient leur déjeuner dans un sac en papier. Puis, les studios ont développé des solutions plus structurées : à Universal, une tournée matinale de café et donuts aurait même fonctionné “à la pièce”, chacun déposant une petite monnaie.

À l’âge d’or des grands studios, les commissaries jouaient aussi un rôle de “garde-fou” : le producteur Marvin Worth explique que les restaurants de studio servaient notamment à garder les acteurs sur place à l’heure du déjeuner, pour éviter des sorties qui faisaient perdre du temps (et, historiquement, limiter les dérives de la pause).

Côté “catering-star-system”, l’exemple le plus documenté reste la soirée la plus scrutée d’Hollywood : en 1995, le chef Wolfgang Puck est invité à prendre en charge le Governors Ball, l’after officiel des Oscars. La presse anglo-saxonne a raconté des demandes très précises de célébrités au fil des années, et un menu devenu un rituel (dont la fameuse chicken pot pie).

Et en France ?

L’histoire du “traiteur” se raconte aussi sur la longue durée : la maison Potel et Chabot revendique une création en 1820. En 1900, l’un de ses grands faits d’armes fut le Banquet des maires de France, célèbre autant pour l’ampleur de l’événement que pour la qualité des prestations. Pas un catering de plateau au sens moderne, mais une démonstration historique de logistique culinaire à grande échelle, ça vaudrait un film.

Quand Patrice Caillet lui demande un rêve “un peu fou”, Corentin Ponthus ne cite pas une montagne à gravir ni un gadget de plateau. Il parle d’ambiance : « une bonne comédie française », avec des “légendes”, et il lance un nom : Jean Dujardin (votre table est dressée).

Au fond, c’est peut-être ça, la meilleure définition du métier : nourrir un collectif, soutenir le rythme, et rendre la pause assez chaleureuse pour que l'ambiance du film vienne aussi de l’assiette.

• Le Chat Toqué (catering / cantine cinéma) : lechattoque.fr
• Instagram : @lechattoque13
• Téléphone : 06 86 20 94 21
• Email : lechattoque13@gmail.com
• Base logistique : Marseille et Paris.
• Le Chat Toqué propose un devis directement via son site

Liens utiles cités dans l’article : Les Condés (Unifrance) · Les Condés (Apollo Films) · La Stagiaire saison 10 (France TV & Vous) · Tom et Lola saison 2 (France TV & Vous) · Tournage éco-responsable (Film France / CNC) · Plan Action ! (CNC) · Catering vs craft service (HowStuffWorks) · How Hollywood Gets Fed (NPR / WBUR) · Studio commissaries (Los Angeles Times, 1993) · Governors Ball & Wolfgang Puck (Inc., 2019) · Wolfgang Puck, 1995 (WTOP, 2024) · Potel et Chabot (site officiel) · Potel et Chabot, 1820 et Banquet 1900 (Le Monde, 2003)

Et il résume sa méthode d’une phrase, simple comme un motif au piano :

« Ce que j’ai en moi, c’est peu de notes finalement, essayer de bien les placer dans le temps et dans l’espace », confie Guillaume Poncelet au micro de Patrice Caillet pour La Radio du Cinéma.

Film : À demain sur la Lune (documentaire) — réalisation : Thomas Balmès — musique : Guillaume Poncelet

Sortie cinéma : 4 février 2026 — durée : 80 minutes

Dans l’unité de soins palliatifs de l’hôpital de Calais, le documentaire de Thomas Balmès suit Amandine pendant un an, jusqu’à ses derniers jours : son combat, ses doutes, son courage, et cette volonté de laisser une trace à ses jeunes enfants, en revisitant sa vie et son histoire familiale.
Et tandis que Peyo vient apaiser les patients les plus fragiles, accompagné de Hassen Bouchakour, le film éclaire ce fil mystérieux entre l’animal et l’humain, quand la vie se retire inexorablement.

Quand un documentaire s’appuie sur des regards, des souffles, des silences qui « en disent long », la musique ne peut pas faire la maligne. C’est précisément le défi que raconte Guillaume Poncelet : écrire une bande originale capable de soutenir la circulation du film, sans jamais prendre le dessus sur la réalité filmée.

La particularité de cette histoire, c’est qu’elle commence avant le montage, et même avant le tournage. Guillaume Poncelet explique avoir contacté Hassen Bouchakour dès 2020, après avoir découvert Peyo et ses « capacités d’empathie très fortes ». De cette relation naît une évidence : quand Thomas Balmès lance le projet, le compositeur ne part pas de zéro.

Le « thème de Peyo » existait déjà, dit-il, et il trouve naturellement sa place au cinéma : un motif qui revient notamment lors de la scène où le cheval apparaît dans l’hôpital, sortant de l’ascenseur, image presque irréelle pour qui ne s’attend pas à croiser un cheval dans un service de soins.

Pour situer le film : fiche film sur IMDb

Dans l’interview, Guillaume Poncelet insiste sur une vigilance : ne pas « surhabiller » des scènes qui n’ont besoin de rien. Il parle d’un danger, celui d’appuyer trop fort, de fabriquer du sentiment au lieu d’accompagner ce qui se passe déjà à l’image.

« Il y a toujours ce danger de faire dans le pathos, de trop en faire et d’être dans le sensationnel, alors que le but c’est justement de rester humain et juste », explique Guillaume Poncelet.

Sa solution tient à une écriture minimaliste et à une utilisation de la musique comme respiration, souvent placée sur des transitions, au fil des étapes de la maladie. Le documentaire comporte des plages de silence assumées : la musique n’arrive pas pour commenter, elle arrive pour laisser passer le temps.

La première scène sur laquelle Guillaume Poncelet travaille est décrite comme un montage de souvenirs d’Amandine que suit le film. Images à la caméra « d’époque », séquences au smartphone : un matériau intime, fragile, déjà chargé d’émotion.

Le compositeur dit avoir écrit une musique « plutôt mélancolique », parce que, lorsque l’on regarde en arrière dans les derniers instants, la nostalgie s’impose. Cette mélancolie n’annule pas la lumière.

La musique de À demain sur la Lune se construit par retours, par traces, par reprises : Guillaume Poncelet assume une écriture au leitmotiv. Il décrit un « thème de Peyo » récurrent, et un « thème d’Amandine » d’abord suggéré, puis précisé au fur et à mesure que le film permet de la connaître.

Pour un spectateur, c’est une clé d’écoute simple : repérer ces motifs, comprendre qu’ils agissent comme des balises. Pas des panneaux publicitaires. Des repères discrets, presque des points de couture sur un récit dont la matière première reste la vie quotidienne d’un service.

Autre détail de fabrication livré à l’antenne : Guillaume Poncelet raconte avoir composé la musique en un mois, ce qu’il qualifie de rapide. Il souligne aussi un cadre de travail rare : la liberté laissée par Thomas Balmès, et une présence quotidienne du réalisateur au studio.

« Thomas Balmès m’a laissé totale liberté… il venait tous les jours au studio. C’était très agréable », dit Guillaume Poncelet.

Dans un documentaire, cette confiance change tout : elle autorise une musique qui ne cherche pas l’effet, une musique qui accepte la retenue, qui préfère la justesse à la démonstration.

Quand Patrice Caillet évoque Philip Glass, Guillaume Poncelet répond au quart de tour : « un de mes héros ». Il rattache son propre geste musical à une idée de temporalité, de durée, d’occupation de l’espace sonore avec peu de matière.

Pour rester sur des faits vérifiables : Philip Glass a bien composé la musique du film The Hours, et son univers minimaliste a marqué durablement la musique de cinéma. Dans l’interview, Guillaume Poncelet se sert de ce nom comme d’un phare : une invitation à l’économie, au choix des notes, à la place laissée à l’image.

Pour aller plus loin : filmographies sur AlloCiné (Guillaume Poncelet) • AlloCiné (Thomas Balmès) • IMDb (Thomas Balmès)

• L’arrivée
• Thème de Peyo
• Amandine dans ses pensées
• Heure Bleue
• Check-up
• Peyo & Hassen
• La vie d’avant
• Générique de fin

Dans la dernière partie de l’entretien, Guillaume Poncelet évoque une envie très concrète : aller à Calais, rencontrer enfin Peyo, et organiser une projection sur place. Il imagine même un geste de musicien, simple et direct : jouer du piano avant la séance, voire accompagner certains moments.

Ce n’est pas un gadget. Dans un film qui accorde tant de place au silence, entendre quelques notes jouées en amont peut devenir une manière d’ouvrir l’écoute, de préparer le regard, comme on entrouvre une porte sans la claquer.

À demain sur la Lune, un documentaire réalisé par Thomas Balmès, sort au cinéma le 4 février 2026. Durée annoncée : 80 minutes. Le film se déroule dans l’unité de soins palliatifs de l’hôpital de Calais, avec la présence de Peyo et de Hassen Bouchakour.

La bande originale signée Guillaume Poncelet est annoncée en sortie digitale le 4 février 2026, avec huit titres.

Guillaume Poncelet  - credit Pierre-Yves Calvat

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À Saint-Égrève, La Vence Scène s’offre une semaine “tout cinéma” du 6 au 11 février 2026 avec la dixième édition d’À vous de voir. Au micro de La Radio du Cinéma, Julie Broucquesault résume l’esprit maison en une phrase:

« L’envie, c’était de faire connaître le cinéma dans tous ses états : pour tous les publics, tous les films, organiser des rencontres. »

— Julie Broucquesault, responsable de l’Avant-Scène (Saint-Égrève), interview La Radio du Cinéma

Pour cette édition anniversaire, le principe ne change pas : un concentré de cinéma dans une salle municipale qui revendique la proximité. Julie Broucquesault le dit sans détour : le quotidien d’une salle “spectacle + cinéma” impose parfois des arbitrages, alors le festival sert de parenthèse, avec une programmation qui assume les contrastes… sans chercher le thème unique à tout prix.

Côté sélection, pas de mot d’ordre rigide : le festival pioche dans les films qui ont marqué l’équipe sur l’année écoulée, garde des propositions familiales très repérées (Julie Broucquesault cite Marsupilami), puis ouvre des chemins plus inattendus, notamment sur le jeune public, dans l’esprit d’un cinéma labellisé art et essai jeune public.

La promesse, elle, est limpide : permettre au spectateur de passer d’une salle pleine de rires à une séance qui déclenche un échange, comme on changeait de bobine — avec la curiosité pour seul billet d’entrée.

Chaque année, certaines dates reviennent comme des rendez-vous de cinéphiles. La soirée montagne fait partie des incontournables : Saint-Égrève vit au rythme d’un territoire alpin, et la demande est forte, explique Julie Broucquesault, qui parle de courts, moyens et longs métrages, avec des équipes invitées à venir raconter leurs images.

Autre pilier : la soirée italienne, construite avec l’association locale Dipinto Nel Blu et le soutien de Dolce Cinema. Cette année, l’équipe annonce un clin d’œil particulier autour du film Il Maestro en hommage à Pietro Maestri, président de Dolce Cinema, décédé peu avant leur festival.

Dans l’interview, Julie Broucquesault insiste sur un point : les moments les plus précieux ne se téléchargent pas. Les échanges en salle, les questions du public, la parole d’un réalisateur au pied de l’écran… voilà ce qui donne au festival sa couleur de “service public vivant”.

Parmi les rendez-vous cités à l’antenne : La Femme cachée samedi 7 février, Une fille en or mardi 10 février, avec le réalisateur et l’acteur Arthur Dupont, et La Danse des renards mardi 10 février, avec le réalisateur Valéry Carnoy.

Et puis il y a ces idées qui font sourire parce qu’elles ressemblent à un “bonus caché” : le dimanche 8 février, le documentaire Mondovino est annoncé comme un rendez-vous suivi d’une dégustation de vin, clin d’œil assumé à une projection accueillie vingt ans plus tôt par Julie Broucquesault

Le Retour du projectionniste (Orkhan Aghazadeh)

La Danse des renards (Valéry Carnoy)

Une fille en or (Jean-Luc Gaget)

La Femme cachée (Bachir Bensaddek)

Mondovino (Jonathan Nossiter)

Il Maestro (Andrea Di Stefano)

Dans la bouche de Julie Broucquesault, on entend une conviction de terrain : la salle n’est pas qu’un écran. À vous de voir se construit avec les associations culturelles de Saint-Égrève, qui animent des “levers de rideau” et font vivre les espaces communs. Traduction très concrète : une crêpe, un café, une discussion après la séance, et la sensation que le festival a aussi été pensé pour créer du lien.

Julie Broucquesault rappelle que La Vence Scène est un cinéma municipal, avec une politique tarifaire voulue accessible. Elle évoque aussi l’envers du décor : une équipe réduite, un équipement ouvert tôt le matin et tard le soir, et la difficulté à faire venir des équipes quand le calendrier se resserre après le Festival de l’Alpe d’Huez puis à l’approche des César.

Pour les prochaines éditions, elle imagine un repositionnement : viser une semaine de cinéma plus lisible, éviter le chevauchement avec les vacances scolaires, et reprendre à froid la question d’un fil conducteur. Un chantier annoncé pour le printemps, avec l’équipe et les élus

Festival À vous de voir : du 6 au 11 février 2026, à La Vence Scène (Saint-Égrève, Isère).

Adresse : La Vence Scène, 1 avenue du Général De Gaulle, 38120 Saint-Égrève.

Téléphone : 04 76 56 53 18 • Site : lavencescene.saint-egreve.fr

Équipement (infos salle) : deux salles, boucle magnétique, 3D, accès aux personnes à mobilité réduite (selon le programme cinéma transmis).

Tarifs habituels (hors festival) : tarif normal 7 €, tarif réduit 6 €, tarif moins de 14 ans 4 € (selon le programme cinéma transmis). Les conditions tarifaires spécifiques au festival n’étaient pas indiquées dans les documents fournis.

Un film qui ne verra jamais le grand écran, puis une renaissance inattendue sur papier aquarellé : l’historien Jean-Antoine Gili et l’éditeur Salvatore Biddau racontent comment Un dragon en forme de nuage prolonge le souvenir d’Ettore Scola. Avec cette phrase, intime et limpide, comme un clap d’ouverture : « Scola racontait l’histoire de ma famille », confie Salvatore Biddau.

Un dragon en forme de nuage est « le film d’Ettore Scola que vous n’aurez malheureusement jamais l’occasion de voir sur les écrans ». Le réalisateur, disparu le 19 janvier 2016 à Rome, a laissé derrière lui une filmographie qui a longtemps fait dialoguer récit populaire et regard social.

Dans l’entretien, Jean-Antoine Gili insiste sur une constante : l’engagement politique de Scola irrigue ses films, sans posture de façade. Regarder Scola, c’est accepter qu’un récit s’écrive aussi avec une conscience, une époque, des débats qui traversent la société italienne.

C’est là que Salvatore Biddau entre en scène, avec une émotion qui ne cherche pas l’effet : Scola et De Sica font partie de ses « réalisateurs phares ».

L’album, lui, se déroule à Paris, sur l’Île de la Cité, dans une librairie. Salvatore Biddau raconte l’enthousiasme immédiat pour une mise en couleur à l’aquarelle, puis la décision de porter le projet en France avec Fordis Éditions. Et surtout, ce passage décisif : Ivo Milazzo a adapté le traitement du film remis par Ettore Scola, sans scénariste additionnel, en réécrivant pour la grammaire de la bande dessinée.

Planches ci-dessous

Le père, Pierre, tient une librairie sur l’Île de la Cité. Veuf, il consacre son quotidien à sa fille en situation de handicap, après un accident survenu dans l’enfance. La mécanique du récit se met en marche le jour où une jeune femme surgit dans la librairie, « une furie », dit Salvatore Biddau, et fait bouger l’axe d’une routine installée depuis des décennies.

Ce qui compte, ici, tient en une promesse de cinéma transposée : Jean-Antoine Gili affirme voir, dans ces pages, le film potentiel que Scola aurait pu réaliser. Une façon simple de donner envie : lire l’album comme on regarderait un storyboard luxueux, avec le grain de l’aquarelle à la place de la pellicule.

l’histoire a trouvé un autre écran : celui de la page.

Au fil de la conversation, Jean-Antoine Gili déroule une mémoire de tournage. Il raconte une journée passée sur le tournage de Splendor (1989), avec Marcello Mastroianni et Massimo Troisi, jusqu’à devenir figurant à la demande de Scola. Le film a aussi une histoire cannoise : la page officielle du Festival de Cannes mentionne Splendor en compétition (1989), ainsi que La Famille (1987).

Cannes revient d’ailleurs par un autre biais : Ettore Scola a présidé le Jury en 1988. Source Cannes.

Et puis il y a Paris, version librairie, version aquarelle : Un dragon en forme de nuage devient une façon de faire circuler Scola en France autrement que par une rétrospective. Une coproduction artistique, au sens large, qui répond à ce que Jean-Antoine Gili rappelle dans l’émission : Scola a compté parmi les artisans du cinéma italien qui ont beaucoup travaillé avec la France.

Exclu: Un projet de livre, “un peu panoramique” voit le jour pendant l'interview !

La révélation tombe presque comme un “petit cadeau”, glissé par Salvatore Biddau lors de l'entretien.
David Marmier comprend et reformule : “Ah donc ça serait une synthèse du cinéma italien ?”
Jean-Antoine Gili confirme : “Oui, un peu. Un panoramique.”
Le projet : “des textes sur des cinéastes, des comédiens, des scénaristes”, avec “beaucoup” d’illustrations si possible.
Salvatore Biddau avance une date comme un pari public : “Avril 2027.”
Jean-Antoine Gili s’engage : “Je ne suis pas certain de pouvoir tenir. Mais si… mo ci provo.”
Et David Marmier scelle la promesse : “attention, il y a des témoins… tous les auditeurs.”

• Titre : Un dragon en forme de nuage
• Crédits : texte attribué à Ettore Scola, adaptation et aquarelles par Ivo Milazzo, préface par Jean-Antoine Gili 
• Éditeur : Fordis Éditions
• Date de parution : 29 octobre 2025
• Pagination : 128 pages couleurs
• Format : 205 × 270
• ISBN : 9791095720614
• Commander : page éditeur (lien ci-dessus) ou librairie

Photographie: David Marmier

• Fordis Éditions : fiche album (parution, format, pages, ISBN)
• Le Monde : décès d’Ettore Scola (20 janvier 2016)
• RTS : décès d’Ettore Scola (20 janvier 2016)
• Festival de Cannes : page Ettore Scola (sélections, films)
• Cannes.com : Scola, président du Jury 1988
• SensCritique : fiche Une journée particulière
• Fininvest : histoire du groupe (mention de Medusa Film)
• Medusa : site officiel
• Rotten Tomatoes : fiche The Assassination of Jesse James… (2007)
• Spotify : album crédité Nick Cave & Warren Ellis

Elle souligne aussi la curiosité du public d’aujourd’hui et l’importance de l’expérience collective en salle, complémentaire aux plateformes soutenues par le CNC, qui jouent un rôle clé dans la diffusion et la valorisation du cinéma de patrimoine.

Et l’actualité continue : dès la fin du festival, la Scène nationale enchaîne avec la violoncelliste Sonia Wieder-Atherton, un projet mémoire mené avec des scolaires, de nouvelles projections de cinéma égyptien et un spectacle chorégraphique original autour de la radio. Preuve que le dialogue entre images, sons et publics se poursuit bien au-delà de Viva Cinéma.

Restaurer, transmettre, créer des passerelles entre les œuvres et les spectateurs : une mission essentielle pour que les films d’hier éclairent toujours notre présent.

Pour lui, Chahine occupe une place singulière dans l’histoire du cinéma : « À partir de Gare centrale, à la fin des années 50, il a montré que l’Occident n’avait pas le monopole du cinéma. Avec Kurosawa ou Satyajit Ray, Chahine a fait émerger des cinémas qui étaient ignorés jusqu’alors. » Selon le critique, le cinéma de Chahine est à la fois profondément égyptien et résolument personnel, marqué par une créativité et une vitalité constantes jusqu’au début des années 2000.

Le réalisateur était aussi un découvreur de talents : Omar Sharif n’était pas encore la star que l’on connaît lorsqu’il a été révélé par Chahine. Jean-Michel Frodon souligne la manière dont le réalisateur transformait la présence et la sensualité des acteurs à l’écran en art cinématographique, créant un cinéma à la fois spectaculaire et politique.

L’héritage de Chahine continue de résonner aujourd’hui. « Beaucoup de jeunes spectateurs découvrent ses films grâce aux festivals et aux salles comme le Lux », explique t iil. « Son cinéma, comique, burlesque, musical et coloré, reste profondément engagé et trouve des échos avec le monde actuel, notamment au Moyen-Orient. » Le centenaire de sa naissance est célébré dans plusieurs villes, de Montpellier à Paris, en passant par Valence, Marseille et Bordeaux.

Pour Jean Michel, la France joue un rôle unique dans l’ouverture aux cinémas du monde : « Il n’existe aucun pays où le public ait accès à une telle diversité de films internationaux. Des réalisateurs norvégiens, thaïlandais, philippins ou africains trouvent en France un public qui les découvre avant même qu’ils ne soient connus chez eux. Cette richesse nourrit l’ensemble du cinéma mondial. »

Malgré la mondialisation et la domination des plateformes de streaming, Frodon reste optimiste : « Il faut aller voir partout : à Hollywood comme à Bangkok, où l’on fait des films avec un téléphone. La salle de cinéma n’est pas en perte de vitesse ; il y a plus de salles ouvertes qu’il y a 20 ans et plus de films vus par le public que jamais. »

Quant au rôle de la critique, il demeure essentiel : « La critique propose une alternative au marché et aux algorithmes qui décident à notre place. Elle permet de réfléchir, comprendre et questionner les films, au-delà des simples « j’aime/j’aime pas » du bouche-à-oreille numérique. »

Jean-Michel Frodon célèbre la diversité et l’émotion du cinéma mondial, en rappelant l’importance des festivals et des salles pour permettre au public de découvrir des films qui, parfois, n’auraient jamais franchi les frontières de leur pays d’origine.

Le principe du ciné-concert est simple : la musique devient un personnage à part entière, synchronisée avec les images, pour renforcer l’émotion, le rythme et le comique du film. Nathanaël Bergès explique : « Il faut accompagner le mouvement constant de Keaton, tout en donnant des couleurs aux moments plus sentimentaux ou romantiques. » L’objectif est de trouver un équilibre entre rythme physique du burlesque et modernité musicale, sans créer de décalage avec l’image.

Le duo a choisi de composer des leitmotivs pour chaque personnage : Keaton, la jeune femme, le rival et même le singe, permettant au public de suivre l’action et de reconnaître chaque protagoniste. Nathanaël précise : « On ne synchronise pas chaque geste, ce serait lourd. On choisit des actions significatives pour être au rendez-vous. » Lucas Mège ajoute que la performance exige une concentration extrême, avec un œil sur le piano, un sur la partition et un sur son partenaire, pour que tout s’enchaîne parfaitement.

Pour les deux musiciens, l’expérience est autant un travail technique qu’une source de plaisir et d’émotion : « Faire revivre ces personnages centenaires, c’est à la fois nostalgique et très actuel grâce à la musique », confie Nathanaël. Le public, des plus jeunes aux plus âgés, a réagi avec enthousiasme, ponctuant les scènes de rires et d’applaudissements, preuve que la magie du muet n’a pas pris une ride.

Au-delà de l’aspect musical, le ciné-concert est aussi une transmission du patrimoine : il permet aux spectateurs de renouer avec le cinéma des générations passées, tout en donnant une nouvelle vie à des films qui continuent de fasciner près d’un siècle après leur création.

On a beau parler de bande dessinée, la discussion revient toujours au cinéma. Julien Magnani se définit d’abord comme un homme du livre. Il raconte avoir appris la fabrication et la mécanique éditoriale à l’École Estienne, en passant par la case imprimerie, avant de construire sa double casquette : dessinateur d’un côté, éditeur indépendant de l’autre.

La cinéphilie, chez lui, ne naît pas dans une cinémathèque mais dans le salon familial. Julien Magnani remonte aux années 80, à l’arrivée du magnétoscope, aux chaînes hertziennes et à cette sensation de tomber, presque malgré soi, sur du cinéma à la télévision. Il cite Patrick Brion et Eddy Mitchell, comme des repères de cette époque.

Ses parents ne se présentent pas comme cinéphiles, précise-t-il, mais ils avaient des films-fétiches, revus à l’infini : sa mère remettrait souvent Pas de printemps pour Marnie, son père Indiana Jones. Une manière d’apprendre le cinéma par la répétition, comme on apprend une chanson : la scène revient, le plan s’imprime, et le souvenir devient un matériau.

Julien Magnani raconte ensuite une bascule : ses années aux éditions Cornelius, où il travaille comme maquettiste, puis la fréquentation de l’atelier La Piscine, où il est accueilli, dit-il, dans un environnement où le cinéma circule en continu. Pour lui, la cinéphilie fonctionne comme une langue partagée dans le monde de la bande dessinée : on se reconnaît à une référence, on se comprend à un nom de cinéaste, on débat d’un plan comme on débat d’une phrase.

Dans cet écosystème, il cite aussi Étienne Robial comme mentor, et évoque Jean-Baptiste Thoret, dont il parle comme d’une influence importante (auteur de la préface de « Manhattan Driver »). 

Au cœur de l’entretien : la méthode. Julien Magnani ne décrit pas une écriture qui déroule un scénario de A à Z. Il parle d’images qui reviennent, de visions à assembler, comme un puzzle. Il compare volontiers ce chemin à celui des polars : un enquêteur avance sur une affaire, puis découvre qu’elle le concerne intimement. Les films deviennent alors des balises, des exemples de plans, de postures, d’ellipses, utiles pour retrouver la scène qu’il a en tête.

Je ne crée pas l’histoire, je dois me souvenir de l’histoire que je dois raconter, insiste-t-il. Quand il cherche un plan précis — quelqu’un qui tombe, une silhouette qui se fige, une tension dans un couloir — il va puiser dans sa mémoire de spectateur. Le résultat, explique-t-il, finit par brouiller les pistes : on ne sait plus si l’on est face à un souvenir de film, ou face à une image devenue personnelle.

David Marmier évoque une sensation de « storyboard amélioré » en feuilletant « Manhattan Driver ». Julien Magnani répond que le terme de storyboard a été, selon lui, souvent employé de façon péjorative dans la bande dessinée, comme si la BD devait prouver qu’elle n’est pas un art auxiliaire du cinéma.

Lui choisit de le revendiquer, notamment pour l’énergie et l’immédiateté. Il cite des livres de cinéma, des pages où l’on voit des extraits de scripts, des storyboards, des documents de travail. Il raconte aussi avoir acheté des storyboards des studios Ghibli à la librairie Junku, qui nourrissent sa mise en page. Sa nuance, importante : contrairement à l’animation, il laisse de grandes ellipses entre les images, et confie une part du mouvement au regard des lectrices et lecteurs.

La technique, chez lui, n’est pas un décor : c’est une condition d’accès au dessin. Julien Magnani explique travailler avec des crayons de couleur et des pastels à l’huile, faire peu de crayonnés et chercher une action directe, sans repentir. Il dit avoir besoin de vitesse et d’énergie pour produire, et se sentir freiné par le perfectionnisme.

Il évoque une attaque forte de l’outil, au point que plume ou stylo ne tiendraient pas longtemps.

Sur la façon de regarder les films, Julien Magnani revendique une filiation avec Henri Langlois et cite une formule attribuée à Jean-Baptiste Thoret : Il n’y a pas de délit de provenance pour un cinéphile. Comprendre : pas de mur entre « grand cinéma » et films populaires, pas de mépris automatique pour le divertissement.

Il prend l’exemple de James Cameron, souvent rangé, dit-il, dans la catégorie « entertainer », et insiste sur la densité des références quand on regarde attentivement ce cinéma. L’idée sert surtout de clé de lecture pour « Manhattan Driver », un objet qui circule librement dans la mémoire du cinéma.

L’actualité concrète passe aussi par une adresse. David Marmier et Julien Magnani citent le cinéma Le Brady dans le dixième arrondissement de Paris 44 boulevard de Strasbourg. Ce cinéma a appartenu à Jean-Pierre Mocky

Julien Magnani précise qu’une exposition de ses planches est installée en bas des escaliers du Brady et qu’elle court jusqu’au 28 février. Il remercie Fabien Houi, exploitant du cinéma, et cite Laurent Sylvestre comme complice et cofondateur du ciné-club. Le ciné-club s’appelle « La Nouvelle Séance » et propose un film par mois au Brady depuis trois ans.

À la question de David Marmier sur l’intelligence artificielle générative, Julien Magnani répond sans posture de rejet. Il cite David Hockney et son intérêt pour les technologies, puis s’amuse des figures d’IA vues au cinéma : Skynet, l’agent Smith, R2-D2, C-3PO, Mother, HAL 9000… Une galerie qui lui permet de poser une idée simple : la question n’est pas seulement la machine, c’est ce qu’elle oblige à reposer sur l’humain et sur la création.

Sa formule résume son pragmatisme : L’important c’est le résultat final, whatever works. Julien Magnani se tient sur une ligne utilitaire, sans effacer les enjeux.

En fin d’entretien, David Marmier propose un jeu en trois marches : meilleur film, meilleure musique de film, plus belle réplique. Julien Magnani choisit d’abord « La Prisonnière du désert » (The Searchers) de John Ford. Il le décrit comme la quintessence du cinéma de Ford, un tournant majeur, et un film qui l’aide, en ce moment, à trouver la piste de sa prochaine histoire.

Côté musique, il cite Trevor Jones pour « Le Dernier des Mohicans » de Michael Mann, une partition qu’il écoute beaucoup, qu’il qualifie de solennelle, héroïque, ample, marquée par une couleur années 90.

Enfin, il partage une réplique venue de « L’Homme des vallées perdues » (Shane) de George Stevens, film qu’il a montré à ses fils deux soirs avant l’entretien : never is a long time,  Jamais, c’est trop long. Une phrase simple, presque au couteau, qui colle à l’esprit de cette conversation : le cinéma comme mémoire, et la mémoire comme moteur.

Si l’on devait garder une clé de lecture, la voici : Julien Magnani fabrique ses histoires avec le cinéma comme boîte à outils, bibliothèque intime et langue partagée. « Manhattan Driver » se présente dans l’entretien comme une bande dessinée qui assume les ellipses, les souvenirs et l’énergie du geste. On peut aimer cette idée sans chercher une « bonne » manière de lire : l’auteur le dit lui-même, il veut laisser une part active aux lectrices et lecteurs.

• Bande dessinée : « Manhattan Driver », présentée par Julien Magnani au micro de David Marmier (date de sortie  16 janvier 2026).
• Exposition : planches visibles au cinéma Le Brady jusqu’au 28 février 
• Adresse : 44 boulevard de Strasbourg, Paris.
• Ciné-club : « La Nouvelle Séance », un film par mois au Brady, animé par Julien Magnani et Laurent Sylvestre .
• Réseaux : @lanouvelleseance 

Pour prolonger : les films cités dans l’entretien peuvent servir de points d’appui (sans hiérarchie imposée). Liens de recherche fiables : IMDb (recherche) – The Searchers, IMDb (recherche) – The Last of the Mohicans

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Photographies: David Marmier

Dans l’interview, Aïssa Maïga insiste sur la nature “très chorale” du film : Marie a un rôle pivot parce qu’elle “organise la solidarité”. Marie est arrivée “dans des circonstances tout à fait légales”, puis sa situation se précarise ; elle tient pourtant “à bout de bras” une communauté qui vit sans perspective claire de régularisation. Le film observe ce que cela change, concrètement : travailler beaucoup sans gagner assez, aider les autres quand on manque soi-même, et vivre dans une ville qui devient un espace de tension.

L’arrivée de Kenza recompose l’intimité du trio. Dans l’entretien, il est rappelé que Kenza signifie “trésor” en arabe, et cette idée traverse le film : que fait-on d’un trésor trouvé au milieu du chaos ? Le récit avance alors comme une famille de circonstance, tendre, inquiète, et toujours sur le fil.

Promis le ciel prolonge une méthode que la réalisatrice revendique au micro : elle vient du documentaire et cherche une vérité de plateau. Exemple donné dans l’interview : la “scène de la trottinette” n’était pas écrite, elle est née d’une improvisation, puis d’un détail réel (un gâteau offert le jour de l’anniversaire de la réalisatrice), transformé en idée de scène.

La rencontre racontée à l’antenne nourrit aussi la lecture du film : Erige Sehiri explique avoir mené des castings dans la communauté ivoirienne et dans des églises à Tunis. Debora Lobe Naney raconte sa méfiance initiale et le moment où la confiance s’installe. Cette histoire rejoint le cœur du film : la peur, l’instinct de survie, et la nécessité de s’accrocher à des personnes fiables.

« Quand j’ai commencé à avoir confiance en elle, j’ai commencé à prendre la chose au sérieux. » — Debora Lobe Naney

Le film a été distingué au Festival du Film Francophone d’Angoulême 2025 (Valois de la mise en scène ; Valois de la meilleure actrice pour Debora Lobe Naney ; Valois du scénario) et au Festival international du film de Marrakech 2025 (Étoile d’or / Grand prix ; prix d’interprétation féminine pour Debora Lobe Naney). Source Angoulême (Première, 31 août 2025) · Source Marrakech (palmarès officiel)

De quoi parle Promis le ciel ? À Tunis, trois femmes ivoiriennes se soutiennent dans une maison-refuge ; leur quotidien change quand elles recueillent Kenza, enfant rescapée d’un naufrage.

Qui joue Marie, la pasteure ? Aïssa Maïga incarne Marie, ex-journaliste devenue pasteure et figure pivot d’une solidarité organisée.

Quelle est la date de sortie en France ? Le film sort le 28 janvier 2026 (Jour2Fête).

Photographies: David Marmier   Erige Sehiri (Réalisatrice), Aïssa Maïga (Actrice) et Debora Lobe Naney (Actrice)

Erige Sehiri

Aïssa Maïga 

Debora Lobe Naney

Le hasard — ou la providence — a voulu que, la même semaine, La Radio du Cinéma croise plusieurs visages de la relève cinéphile : des jeunes de l'assemblée des spectateurs, des étudiants en L3 Arts du spectacle Lettres Moderneset une équipe qui cumule casquettes de critiques, de programmateurs et de cinéastes. Leur point commun ? Une conviction contagieuse : le cinéma a de l’avenir dès lors qu’on le fait circuler, qu’on le raconte, qu’on le partage. À ce jeu-là, l’association Éclats d’écran avance à visage découvert.

Il existe des aventures cinéphiles qui démarrent comme un plan-séquence : un élan, une idée, puis le mouvement ne s’interrompt plus. Éclats d’écran s’inscrit dans cette énergie. Au départ, Martin Cadot raconte qu’ils étaient trois, avec le désir d’écrire des critiques et d’assumer un regard de jeunes sur le cinéma d’aujourd’hui, sans oublier celui d’hier. Le projet a grandi : « On est aujourd’hui 26 à écrire des critiques », explique Martin Cadot président de l'association éclats d'écran.

Ce qui nous rend optimistes, ce n’est pas seulement le nombre, ni l’enthousiasme. C’est la méthode : écrire, argumenter, douter, puis inviter le public à prolonger la séance par la parole. Quand une génération se met à fabriquer des rendez-vous concrets, le cinéma cesse d’être une nostalgie ; il redevient une pratique.

Chez Éclats d’écran, certaines plumes vont loin dans l’analyse, d’autres choisissent la forme courte, celle qui déclenche l’envie d’aller en salle, tout simplement. Dans les deux cas, l’objectif reste clair : faire émerger un point de vue, le défendre, et offrir au lecteur une boussole — jamais un verdict.

« L’idée, c’est vraiment que chacun expose son idée et son envie et ce qu’il a pensé du film », précise Martin Cadot, à propos des échanges après projection.

Le slogan, « Le cinéma par les jeunes, pour tous », n’est pas une posture. Il annonce une porte d’entrée. Et c’est peut-être là que l’optimisme prend racine : quand la critique redevient une invitation au dialogue, elle nourrit le désir de cinéma au lieu de le refroidir.

L’autre bascule, c’est la diffusion. Martin Cadot décrit une logique de tournée : se déplacer dans des communes rurales comme dans des villes, avec du matériel de projection, pour rendre les courts métrages accessibles à des publics qui n’ont pas toujours une salle à proximité. Le principe est simple et précieux : une sélection, une séance, puis une conversation qui met tout le monde à hauteur d’écran.

Sur la page officielle du festival itinérant 2026, Éclats d’écran annonce une première édition structurée autour de thèmes qui leur tiennent à cœur : la jeunesse, les femmes et la nature. 

Retrouvez l’ensemble des actions et événements sur la page HelloAsso de l’association : LES ÉCLATS D’ÉCRAN.

Ce type d’initiative dit quelque chose de concret sur l’avenir du cinéma : il y a des films, mais il faut aussi des lieux, des moments, des passeurs. Éclats d’écran construit, étape après étape, une circulation. Et c’est précisément ce travail patient qui donne de l’espoir.

Troisième axe, moins visible mais décisif : l’accompagnement de projets. Martin Cadot raconte un appel à projets avec la sélection d’un court métrage, puis la constitution d’une équipe d’environ dix personnes. Ensuite viennent les réalités du métier : recherche de financements, constitution d’une équipe technique, décors, puis diffusion une fois le montage terminé.

Martin Cadot reste tournée vers l’action : ouvrir des espaces où des scénaristes peuvent présenter leurs textes, en parler à un public, croiser des regards professionnels. Pas de promesse miraculeuse, plutôt une logique d’occasions créées. Là encore, notre optimisme tient à une chose : quand des jeunes cinéphiles fabriquent des scènes de rencontre, les projets finissent par trouver des relais.

À la question de l’avenir, Martin Cadot répond sans prophétie, avec des repères concrets. Il rappelle la croissance du collectif : « On est 38 alors que nous étions 10 au début ». Stagiaires, interviews, projet de magazine : les idées s’accumulent, avec une ambition stable — promouvoir le cinéma, de la création à la diffusion.

Le point le plus rassurant est peut-être là : la communauté. Des spectateurs qui deviennent discutants, des discutants qui prennent goût à la programmation, et des programmateurs qui donnent envie à d’autres de franchir la porte d’une salle, d’une médiathèque, d’une salle des fêtes. Le film continue après le générique, dans la conversation — celle qui fait revenir.

• Site officiel : leseclatsdecran.fr.
• Festival itinérant 2026 (présentation) : Éclats d’écran — festival itinérant 2026.
• Billetterie Lormes (21 février 2026) : HelloAsso — Festival de courts métrages Lormes.
• Billetterie Lyon (22 février 2026) : HelloAsso — Festival de courts métrages Lyon.

Si vous aimez les échanges qui prolongent la séance, suivez l’actualité d’Éclats d’écran et nos rendez-vous sur La Radio du Cinéma. L’avenir du cinéma se lit aussi là : dans des initiatives jeunes, tenaces, et joyeusement collectives.

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Avant même de voir des films d’horreur, Pierre Jailloux les a d’abord rêvés. Enfant, il feuilletait des magazines, découvrait des photos, lisait des résumés… mais n’avait pas encore accès aux œuvres elles-mêmes. Privé d’images, il les inventait. Il fantasmait ces créatures, ces atmosphères, ces récits inquiétants. Une initiation par l’imaginaire, presque plus puissante que la projection elle-même.

Depuis, le fantastique ne l’a plus quitté. Au point de devenir sujet de recherche : sa thèse portait sur la figure du fantôme, notamment dans le cinéma des années 40. Autant dire que certains spectres ne se contentent pas de hanter les films — ils accompagnent aussi les parcours universitaires.

Invité à présenter La Féline de Jacques Tourneur, il revient sur l’importance capitale de ce film dans l’histoire du fantastique. On parle souvent d’un “avant” et d’un “après”. Avant, le cinéma montrait : monstres visibles, transformations explicites, malédictions assumées. Le surnaturel était là, frontal, souvent relégué dans une Europe fantasmée, loin d’une Amérique rationnelle.

Avec La Féline, tout change. L’action se déroule à New York. Le danger s’invite au cœur du monde moderne. Et surtout, le fantastique devient incertain. Irena se transforme-t-elle réellement en panthère ? Ou sommes-nous face à une projection, un trouble psychologique, une peur diffuse ? Jacques Tourneur ne montre pas : il suggère. Il fait exister l’invisible par l’ombre, le son, le hors-champ.

Ce basculement vers le doute, vers l’ambiguïté, ouvre un champ immense au cinéma fantastique moderne. Le monstre n’est plus seulement une créature : il devient une possibilité.

Ce qui fascine Pierre Jailloux dans le fantastique, ce n’est pas seulement le frisson, mais la mécanique du regard. Ces films sont, pour lui, des laboratoires idéaux pour analyser la mise en scène : le rapport entre le champ et le hors-champ, la profondeur de champ, les raccords, tout ce qui construit une présence… ou une absence.

Dans La Féline, chaque ombre, chaque bruit hors cadre devient un événement. Le spectateur est invité à combler les vides, à douter, à projeter ses propres peurs. C’est un cinéma de la suggestion, subtil et raffiné, qui se prête merveilleusement à l’analyse — et à l’enseignement.

Face à un jeune public, présenter un film aussi riche est un exercice d’équilibriste. On ne sait jamais exactement ce que les spectateurs connaissent déjà, ni jusqu’où entrer dans l’analyse. Alors Pierre Jailloux choisit d’ouvrir des portes : replacer le film dans son contexte, expliquer qui est Jacques Tourneur, comment fonctionnaient les studios hollywoodiens, quelles contraintes pesaient sur les productions.

Il évoque aussi la postérité du film : son influence, la manière dont il a marqué les critiques et inspiré d’autres cinéastes. L’idée n’est pas de livrer un mode d’emploi, mais de donner des clés pour que chacun puisse ensuite faire son propre chemin dans l’ombre du film.

S’il devait animer une conférence avec un réalisateur, vivant ou mort, Pierre Jailloux choisirait John Carpenter. Un cinéaste qu’il admire pour la précision de sa mise en scène, son sens de l’espace, son art de la tension — héritier, à sa manière, de Tourneur.

Le paradoxe est délicieux : Carpenter n’aime pas trop intellectualiser ses films. Il se voit comme un artisan, pas comme un théoricien. Le dialogue serait donc à la fois passionnant… et un peu sportif. Mais parler mise en scène, rythme, musique (inoubliable chez Carpenter) avec un tel cinéaste resterait un rêve de cinéphile — et d’enseignant.

Côté coups de cœur, Pierre Jailloux cite It Follows de David Robert Mitchell, pour son atmosphère lancinante et sa menace diffuse, très “carpentérienne” dans l’esprit. Un fantastique qui avance lentement, inexorablement, comme une idée fixe.

Et puis il y a Lake Mungo, film australien plus discret, faux documentaire hanté par la disparition d’une adolescente. Entre images prétendument “authentiques” et présence spectrale, le film joue sur l’ambiguïté du vrai et du faux — et touche à quelque chose de plus profond encore : le deuil, l’absence, l’impossibilité de tourner la page. Un film qui fait peur, oui, mais qui bouleverse surtout.

Pierre Jailloux nous rappelle que le fantastique n’est pas un simple territoire de monstres. C’est un espace de trouble, de poésie sombre, d’émotions à fleur d’ombre. Un lieu où le cinéma, plus que jamais, nous apprend à regarder ce qui n’est pas tout à fait là… et qui pourtant nous hante longtemps après la projection.

Quand Carlotta Films voit le jour en 1998, le terrain du cinéma de patrimoine n’est pas vierge. D’autres distributeurs font déjà vivre les classiques, entretiennent la mémoire des grands âges d’or. Alors non, explique Vincent Paul Boncourt, il ne s’agissait pas de combler un manque béant. L’élan était ailleurs : proposer un autre angle, déplacer légèrement le projecteur.

Le pari de départ ? Défendre un patrimoine plus contemporain. À la fin des années 90, remettre en circulation des films des années 70 ou 80 n’allait pas de soi. Trop récents pour être considérés comme des “classiques”, pas assez neufs pour entrer dans la case de la nouveauté. Carlotta a choisi cet entre-deux, ce territoire flou mais passionnant, peuplé de cinéastes parfois oubliés, de courants comme le Nouvel Hollywood, et d’œuvres qui avaient marqué toute une génération de spectateurs… sans encore être officiellement consacrées.

Derrière cette ligne éditoriale, il y a surtout un moteur simple et magnifique : la cinéphilie. Celle du spectateur émerveillé, devenu passeur. Distribuer des films, pour Boncourt, c’est avant tout transmettre ce qu’on aime, partager des découvertes, offrir des retrouvailles.

À l’ère des plateformes et du flux permanent d’images, on pourrait croire que le cinéma de patrimoine lutte pour sa survie. La réalité, plus nuancée, est presque rassurante : selon Boncourt, les défis d’aujourd’hui ressemblent beaucoup à ceux d’hier.

Le vrai enjeu, hier comme aujourd’hui, reste la rencontre. Choisir un film, décider de le remettre en lumière, c’est un acte fort — mais tant qu’il n’a pas trouvé son public, l’histoire n’est pas complète. Entre l’acquisition des droits et la salle obscure, il faut convaincre les exploitants, séduire les programmateurs, embarquer les festivals, attirer la presse… Tout un écosystème à mettre en mouvement pour qu’un film ancien redevienne un événement.

Et il y a toujours cette part de mystère délicieuse : on ne sait jamais vraiment comment un film sera accueilli. Même un chef-d’œuvre peut réserver des surprises. Cette incertitude, loin d’être décourageante, nourrit l’excitation du métier.

S’il y a bien un “coup de jeune” essentiel pour attirer de nouveaux spectateurs, c’est la restauration. Pas comme un simple lifting, mais comme un véritable travail de résurrection. Aujourd’hui, grâce aux restaurations numériques menées partout dans le monde — par des institutions, des fondations, des ayants droit ou des acteurs indépendants — le cinéma de patrimoine bénéficie d’une actualité permanente.

Festivals, rétrospectives, événements spéciaux : les films restaurés reviennent en circulation comme des nouveautés. Carlotta s’inscrit pleinement dans ce mouvement, parfois en accompagnant des restaurations existantes, parfois en en initiant certaines. L’enjeu est double : préserver les œuvres pour l’avenir et les rendre à nouveau visibles, désirables, vibrantes sur grand écran.

Car voir un film restauré en salle, ce n’est pas seulement regarder le passé : c’est vivre une expérience profondément présente.

Côté programmation, le début d’année s’annonce déjà palpitant. Carlotta met à l’honneur un nom encore trop discret pour le grand public : Seijun Suzuki. Ce cinéaste japonais, actif dès les années 50, a longtemps été cantonné à une image de réalisateur de “série B”, artisan de films de genre — polar, action, comédie — au sein de l’industrie.

Mais derrière cette étiquette se cache un styliste audacieux, joueur avec les codes, capable de mêler musique, violence, sensualité et expérimentation visuelle. Un auteur libre, en marge des figures tutélaires comme Kurosawa ou Ozu, mais essentiel pour comprendre la richesse du cinéma japonais.

Carlotta lance une vaste rétrospective, avec notamment Carmen de Kawachi, inédit en France, qui sortira en salles avant d’être suivi de plusieurs autres films. L’idée n’est pas seulement de combler une lacune historique, mais d’offrir une vraie découverte, presque au sens premier du terme : permettre au public français de rencontrer pour la première fois des œuvres qui n’avaient jamais franchi nos écrans.

Ce qui frappe le plus dans les mots de Vincent Paul Boncourt, c’est le caractère profondément personnel de chaque choix. Carlotta films ne pioche pas dans un catalogue préexistant : chaque film est acquis, défendu, accompagné avec une implication forte, à la fois artistique et économique.

Et la vie d’un film ne s’arrête pas à la salle. Éditions vidéo, VOD, télévision : tous les supports deviennent des prolongements naturels de cette mission de transmission. L’objectif reste le même, toujours : toucher le plus large public possible, des cinéphiles chevronnés aux spectateurs les plus jeunes, qui découvriront peut-être là leur tout premier “vieux” film — et ne regarderont plus jamais le mot “patrimoine” de la même façon.

Au fond, chez Carlotta, le passé n’est jamais figé. Il circule, se transforme, dialogue avec le présent. Et grâce à des passeurs passionnés comme Vincent Paul Boncourt et son équipe, le cinéma d’hier continue d’avoir de très beaux lendemains. 

Distributrice, éditrice, passeuse de copies restaurées et d’auteurs trop vite rangés au grenier, Anne-Laure Brénéol défend une idée simple : redonner de la visibilité à des films qu’on ne trouvait plus, ou qu’on n’avait parfois jamais vus en France. Au festival Viva Cinéma 2026, elle l’a formulé avec une phrase qui résume tout le programme de Malavida : « C'est très important d'avoir un regard sur le monde qui vienne de l'ensemble du monde et aussi de l'ensemble des temps. »

Le métier d’Anne-Laure Brénéol, c’est faire voyager des œuvres, des copies, des droits, des sous-titres, puis des spectateurs. Elle codirige Malavida Films, société française d’édition et de distribution.

Anne-Laure Brénéol étudie le cinéma dès le lycée, puis à l’université à la Sorbonne, tout en réalisant et produisant plusieurs films : le court métrage La Ballade d’un condamné (1993, avec Rufus), des documentaires comme La Madone et les Gitans (1996) et École qui roule (1998), puis le long métrage En Plein Caubère (2005). (Institut Lumière)

Le Festival Lumière, qui lui décerne le Prix Fabienne-Vonier, rappelle son travail documentaire sur les gens du voyage, avant la sortie en salle d’En Plein Caubère en 2005.

Anne-Laure Brénéol cofonde Malavida (chanson du groupe Mano Negra) en 2004 avec Lionel Ithurralde, après plusieurs expériences dans la distribution. L’ADN de Malavida tient dans une formule : ressortir des films aimés, devenus difficiles à voir, et remettre en lumière des cinéastes que l’histoire officielle a parfois laissés sur le bas-côté.  Jiří Menzel, Věra Chytilová, Wojciech Jerzy Has, Bo Widerberg, avec des collections d’Europe centrale et du Nord constamment enrichies.

Anne-Laure Brénéol : « Il faudrait faire un truc sur Vis ma vie de distributeur »

Derrière l’humour, il y a un mode d’emploi très concret de la distribution de répertoire : créer des sous-titres, restaurer, reconstituer des chaînes de droits, obtenir des visas CNC, convaincre des ayants droit qui ne lisent pas toujours le marché français de la même façon.

Anne-Laure Brénéol : « sous titrer, restaurer, c'est un travail énorme, »

Quand la conversation arrive sur la mécanique française qui rend possible cette diversité en salles, Anne-Laure Brénéol cite explicitement le CNC, sans jargon, avec une conviction de terrain :

Anne-Laure Brénéol : « le CNC est une Merveille culturelle française qu'il faut absolument défendre »

Le Festival Viva Cinéma, consacré au patrimoine restauré, revendique justement ce geste : faire exister des œuvres au présent, par la restauration et la (re)découverte en salle.

Catherine Rossi-Batôt  directrice de LUX, scène nationale à Valence a programmé deux projections distribuées par Malavida dans le cadre de Viva Cinéma 2026 : Wives (Norvège, 1975, 1h24) et Un Jeu sérieux (Norvège, 1977, 1h40).

La ressortie “version restaurée” de Wives est indiquée “au cinéma le 1er avril 2026”, et celle d’Un Jeu sérieux “le 6 mai 2026”. (ADRC)

Dans l’interview, Anne-Laure Brénéol parle d’un public qui ne veut pas se limiter à un seul horizon, et qui demande des propositions venues d’autres pays et d’autres époques. Ce n’est pas une posture : c’est une pratique de programmation, de distribution, et de transmission.

Son exemple dans l’échange : le travail déjà mené autour de Bo Widerberg, cinéaste suédois, ressorti en salles et remis en circulation par Malavida au fil d’un chantier au long cours.

Dans l’interview, Anne-Laure Brénéol rappelle qu’Anja Breien a dû passer un examen “inventé pour elle” afin d’accéder à l’enseignement de la réalisation, et qu’elle aurait été la première femme à entrer dans cette formation. Anja Breien a intégré l’IDHEC à Paris au début des années 1960, et situent ce passage dans sa trajectoire. (Fema La Rochelle) (Festival Lumière)

L'IDHEC a été intégré à La Fémis en 1988.

Viva Cinéma (12e édition) : du 20 au 27 janvier 2026, à Valence (LUX Scène nationale). (LUX Valence) (CNC, 11 décembre 2025)

Ressorties indiquées (version restaurée, distributeur Malavida) : Wives (1er avril 2026) et Un Jeu sérieux (6 mai 2026). (ADRC)

Envie d’aller plus loin ? Des fiches utiles pour se repérer existent déjà, notamment sur IMDb (Hustruer / Wives) et sur les pages de festivals qui contextualisent l’œuvre et ses suites (1985 et 1996). (Fema La Rochelle, texte 2003)

Et puisque cette histoire se termine comme un générique qui ouvre sur d’autres séances : Viva Cinéma 2026 marque aussi le retour en pleine lumière d’Anja Breien, cinéaste norvégienne née en 1940, passée par l’IDHEC, dont Wives (1975, 1h24) a souvent été présenté comme un écho féminin à Husbands de John Cassavetes.

Sources (consultées et/ou citées) :

• Institut Lumière : notice “Anne-Laure Brénéol”
• Malavida Films (site officiel) et page contact
• Festival Lumière : Prix Fabienne-Vonier (publication datée)
• Le Film Français, 18 octobre 2023 (Prix Fabienne-Vonier)
• ADRC : programme Viva Cinéma 2026 (mentions des ressorties)
• LUX Valence : page Viva Cinéma
• CNC, 11 décembre 2025 : annonce Viva Cinéma
• Fema La Rochelle : fiche cinéaste Anja Breien et fiche film Wives
• Institut Lumière : “Permanent history of women filmmakers” (Anja Breien)
• Courrier d’Europe centrale, 1er décembre 2019 (portrait de Malavida)
• IMDb : Hustruer (Wives)

PHOTO : Catherine Rossi-Batôt directrice de LUX scène nationale à Valence  et Anne-Laure Brénéol Malavida Films,

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Qu’est-ce qu’une cinémathèque aujourd’hui ? Pour Franck Loiret, la réponse est claire :

« Une cinémathèque a deux missions indissociables : la conservation du patrimoine cinématographique et sa diffusion. »

Ni simple salle de cinéma, ni simple centre d’archives, la Cinémathèque est un lieu hybride où se croisent projections, expositions, festivals, bibliothèque spécialisée et collections exceptionnelles. À Toulouse, la deuxième cinémathèque de France conserve notamment 100 000 affiches, 60 000 copies de films, près de 500 000 photographies, mais aussi des appareils, costumes et documents rares retraçant toute l’histoire du cinéma.

Conserver un film ne se limite pas à stocker des bobines. Pellicules, affiches, photos, documents papier : chaque objet nécessite des conditions spécifiques de conservation. Température, hygrométrie, espace de stockage… les contraintes sont nombreuses.

L’un des enjeux majeurs reste l’urgence de sauver les films encore mal conservés, parfois oubliés dans des caves ou des greniers.

« Si les films ne sont pas en bon état, on ne peut rien faire. La conservation est la base de tout. »

Le numérique, lui, apparaît comme une chance essentielle pour la diffusion, même s’il ne remplace pas la pellicule pour la conservation à long terme.

Présenté à Viva Cinéma, Le Chat Noir (1934) est pour Franck Loiret le film signature d’Edgar G. Ulmer. Premier long métrage hollywoodien du réalisateur pour la Universal, le film réunit deux monstres sacrés du cinéma fantastique et explore des thèmes d’une audace étonnante pour l’époque : mort, vengeance, satanisme, nécrophilie, sexualité ambiguë…

« C’est un véritable coup de génie. Un film d’une modernité saisissante, aussi bien dans ses thèmes que dans son langage cinématographique. »

Influencé par l’expressionnisme allemand, le film impressionne encore aujourd’hui par sa photographie, son montage et sa mise en scène. Une œuvre capable de surprendre toutes les générations.

Au-delà des salles, la Cinémathèque de Toulouse développe depuis plus de vingt ans un cinéma en plein air, véritable rendez-vous populaire de l’été, réunissant jusqu’à 20 000 spectateurs chaque saison. Une programmation accessible, pensée comme une porte d’entrée vers le cinéma de patrimoine.

La Cinémathèque est aussi à l’origine de nombreux festivals :

• Synchro, consacré aux ciné-concerts

• Extrême Cinéma Festival, dédié au cinéma de genre

• sans oublier l’accueil de festivals comme Cinélatino ou Cinespaña

« La cinémathèque n’est pas un temple réservé aux initiés. Elle est faite pour tout le monde. »

Préserver le cinéma, c’est préserver une part de la mémoire de l’humanité. Un travail de longue haleine, mené par des équipes aux parcours variés : documentalistes, archivistes, techniciens, passionnés formés sur le terrain.

« On essaie aussi de raconter une autre histoire du cinéma, de mettre en lumière des films restés dans l’ombre. »

Un engagement qui prend tout son sens dans des festivals comme Viva Cinéma, où le patrimoine dialogue avec le public d’aujourd’hui.

????️ Une rencontre essentielle, à l’image de la mission que défend Franck Loiret : faire vivre le cinéma, hier, aujourd’hui et demain.

La promesse de Martin Jauvat tient en une phrase : « c’est quelque chose d’assez instinctif pour moi la comédie ». Instinct, oui, mais pas improvisation. Dans l’entretien, il détaille un travail d’équilibriste : faire rire, sans étouffer ce que la situation raconte de notre époque, de ses paradoxes et de ses petits pièges.

Le point de départ a des airs de carnet de bord. Martin Jauvat explique qu’il écrit l’histoire au moment où il la traverse, ou juste après, le temps de trouver « ce qu’il peut y avoir de rigolo ». Il évoque son retour au pavillon familial à Chelles (Seine-et-Marne), à vingt-trois, vingt-quatre ans, après une déception amoureuse et des galères d’études et de travail. Le film transforme ce moment suspendu en moteur narratif : une “to do list” d’adulte (permis, boulot, amour, indépendance) dont aucune case ne se coche facilement.

Et Martin Jauvat résume sa bascule avec un humour très franc :

« On m’a dit que ça allait faire un super film et on m’a donné plein d’argent pour le faire, alors je l’ai fait. »

Baise-en-ville, c’est un intitulé qui peut faire sursauter. Justement : Martin Jauvat insiste sur le contrepied. Pour lui, c’est « un titre anti programmatique », un titre qui mène le spectateur sur une fausse piste.

Dans l’interview, il rappelle que l’expression existait avant lui, et qu’elle charrie une vision datée de la séduction : un imaginaire masculin très démonstratif, parfois même teinté de prédation. Lui s’intéresse à une masculinité qui ne coche pas ces cases-là, et à un rapport aux rencontres sentimentales qui refuse les automatismes.

Autre couche, très matérielle : le “baise-en-ville” désigne aussi un objet (un sac), et le film s’amuse de ce que cet accessoire raconte des déplacements, de l’éloignement, et des retours impossibles quand les derniers trains sont passés.

Il y a, dans l’entretien, une tendresse inattendue pour ce que beaucoup classent dans la catégorie “temps perdu”. Les arrêts de bus au milieu de nulle part, les lignes annulées, les correspondances ratées : Martin Jauvat dit avoir vécu tout ça longtemps, et vouloir “racheter” ces heures volées par le quotidien.

« Je trouve ça très poétique, moi, les banlieues désertes, la nuit. »

Dans Baise-en-ville, cette poésie devient décor, rythme et matière de cinéma. Et c’est aussi une manière de filmer une grande banlieue rarement montrée ainsi, en mode terrain d’aventure nocturne plutôt que simple arrière-plan.

Parmi les idées les plus savoureuses racontées au micro : l’invention d’une start-up de nettoyage de soirées à domicile, Allô Nettoyo. Le personnage travaille la nuit chez des gens riches, au milieu de fêtes qui battent leur plein. Situation cocasse garantie, mais Martin Jauvat précise l’intention : illustrer une époque où tout peut se “serviciser”, se marchandiser, se rendre “applicable”.

« C’est pas non plus une critique sociale hyper plombante, mais derrière les blagues et la fantaisie, c’est vrai que j’essaie de raconter quelque chose à la société qui est un poil malade. »

Sa méthode : écrire large, puis resserrer. Il explique avoir retiré des blagues au montage, par souci de dosage : trop d’effets, et l’effet se fatigue.

Martin Jauvat se met lui-même en jeu à l’écran, et il raconte un tournage qui lui a demandé une vraie préparation : cascades au harnais, séquences d’action, chorégraphies de combat. Il revendique une envie de plans qui durent, avec une lisibilité du mouvement.

Ses références, il les assume comme des boussoles d’énergie :

« Je pensais beaucoup à Jackie Chan, à Tom Cruise. »

Et il glisse un clin d’œil à Pierre Richard, “athlète” de la maladresse, ce corps comique capable de courir, chuter, rebondir, sans tricher sur l’effort.

Porter la double casquette, Martin Jauvat connaît. Il décrit une méthode très préparée : storyboard, répétitions avec le chef opérateur, cadre verrouillé, puis confiance au plateau. 

« C’est pas un rôle de composition donc c’est assez fluide. »

Quand on lui parle d’esthétique, Martin Jauvat se dit surpris qu’on la juge “particulière”. Lui visait quelque chose de doux, très coloré, très composé, presque “case de BD”. Ses inspirations citent des cinéastes (Wes Anderson, Paul Thomas Anderson, Bong Joon-ho), mais aussi une culture BD jeunesse (Tintin, Spirou) et l’animation (Pixar) : une manière de penser le cadre, la couleur, le rythme du gag visuel.

Moment de vérité dans l’interview : Martin Jauvat parle sans détour de son rapport au cinéma français, qu’il dit regarder assez peu, et il revendique son besoin de mise en scène en comédie. Il cite des réalisateurs qu’il apprécie (Benoît Forgeard, Antonin Peretjatko), et pointe ce qui l’ennuie quand la réalisation se contente d’un confort télévisuel.

« Moi j’aime pas le cinéma français en général. C’est vrai que ça me fait quand même chier. »

À La Radio du Cinéma, on retient surtout une boussole : raconter par la forme. Dans son récit, la comédie n’est pas “juste une bonne blague” : c’est du cadre, du rythme, un monde cohérent, et des corps qui jouent.

Martin Jauvat revient aussi sur la distribution. Il raconte avoir proposé un rôle de père à Michel Hazanavicius, qu’il connaissait depuis l’écriture, après que le cinéaste a apprécié Grand Paris. Et il évoque l’arrivée de Emmanuelle Bercot comme une évidence, nourrie par une suggestion de son amie et partenaire de jeu Anaïde Rozam . Ce qui l’a convaincu : l’énergie, la confiance, et la construction du personnage à deux, jusqu’à trouver “le bon ton”.

Martin Jauvat ne parle pas de “grand message”, mais d’un sentiment à faire circuler : le soulagement qu’on éprouve quand on exprime enfin ce qu’on a sur le cœur. Il insiste sur la difficulté, particulièrement chez les garçons, à verbaliser sans animosité. Dans sa bouche, la comédie devient un espace sûr pour approcher ça : on rit, puis on se reconnaît, parfois au moment où le personnage trouve les mots.

• Titre : Baise-en-ville
• Réalisation : Martin Jauvat
• Durée : 1h34
• Sortie en salles (France) : 28 janvier 2026
• Distribution : Le Pacte
• Festival : Semaine de la Critique (Cannes 2025), séance spéciale
• Soutien : Prix à la Création 2024 – Fondation Gan pour le Cinéma

Martin Jauvat, Baise-en-ville, Chelles, Seine-et-Marne, transports nocturnes, permis de conduire, Emmanuelle Bercot, Michel Hazanavicius, Semaine de la Critique, Fondation Gan.

Dès les origines du cinéma, le frisson est au cœur de l’expérience. On raconte que les premiers spectateurs de L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat ont sursauté, croyant la locomotive prête à jaillir de l’écran. Mythe ou réalité, peu importe : cette anecdote dit tout de la puissance primitive du cinéma, capable de jouer avec nos peurs les plus immédiates. Tourneur s’inscrit pleinement dans cette tradition, mais en la raffinant à l’extrême.

Avec La Féline, Rendez-vous avec la peur ou encore Vaudou, Jacques Tourneur invente un cinéma du presque rien. Il ne montre pas, il suggère. Il ne hurle pas, il murmure. Là où d’autres cinéastes satureront l’écran de monstres, de sang ou de violence démonstrative, Jacques Tourneur choisit l’évitement. Le hors-champ devient son territoire favori. L’angoisse naît moins de ce que l’on voit que de ce que l’on devine.

Cette grammaire si particulière repose sur un savant mélange : le rythme, les ellipses, le son, la musique, mais aussi le silence. Pris séparément, ces éléments n’auraient pas le même pouvoir. Ensemble, ils composent une architecture invisible qui installe le malaise. Une musique sans image fait peu de choses. Une image sans musique peut perdre de sa force. Jacques Tourneur, lui, orchestre l’ensemble avec une précision d’orfèvre.

C’est ainsi qu’il devient le maître d’un art que l’on pourrait qualifier de cinéma de l’illusion. À l’image d’Hitchcock et de son célèbre MacGuffin, Jacques Tourneur joue avec les attentes du spectateur. L’« effet bus », théorisé à partir de La Féline, en est l’exemple parfait : pendant que l’angoisse monte, que l’on redoute une menace tapie dans l’ombre, la peur surgit soudain d’ailleurs — brutale, inattendue, presque ironique. Le spectateur est pris à son propre piège, et il adore ça.

Car il y a, au fond, un immense plaisir à se faire avoir. Le cinéma est né dans les foires, chez les illusionnistes, et il n’a jamais cessé d’en porter l’héritage. Jacques Tourneur appartient à cette lignée de magiciens discrets, qui préfèrent la suggestion au spectaculaire, la finesse à l’esbroufe.

Preuve de la modernité de son œuvre : elle n’a cessé d’être revisitée. La Féline connaîtra un remake dans les années 1980, accompagné d’une musique de Giorgio Moroder et d’une chanson de David Bowie. D’autres films de Jacques Tourneur inspireront encore le cinéma noir ou fantastique, parfois plus de quarante ans après leur création. Et pourtant, ces relectures peinent souvent à égaler l’original. Comme si l’essentiel — cette science du non-dit — restait insaisissable.

Le cinéma, de toute façon, est un art de la répétition. Les histoires se répondent, se transforment, se réécrivent. On raconte depuis l’Antiquité les mêmes grandes situations dramatiques. Ce qui compte, ce n’est pas de faire du neuf à tout prix, mais de raconter autrement, avec une voix singulière. Jacques Tourneur, fils de Maurice Tourneur, s’inscrit lui-même dans cette filiation : Rendez-vous avec la peur dialogue ouvertement avec La Main du Diable, réalisé par son père. Le cinéma comme héritage, comme conversation à travers le temps.

Si La Féline figure aujourd’hui au programme du baccalauréat option cinéma, ce n’est pas un hasard. Le film pose une question universelle et toujours actuelle : quelle est la part d’animalité en chacun de nous ? Une interrogation qui dépasse largement le cadre du fantastique pour toucher à l’intime.

Et pour parler de tout cela, quel meilleur médium que la radio ? Média de l’imaginaire par excellence, elle prolonge le cinéma de Jacques Tourneur : elle suggère plus qu’elle ne montre, elle fait naître des images dans la tête de l’auditeur. La radio, comme le cinéma, est un art de l’invisible.

Un art du frisson discret. Un art du presque rien.

Pour François Morel, le festival est une occasion rare de se découvrir  des films anciens, certains ayant plus d’un siècle :

« J’aime beaucoup le cinéma, donc c’est formidable de découvrir… moi je suis là seulement depuis vingt minutes, mais je découvre des images de films que je n’avais pas vues. »

Le comédien évoque notamment sa surprise face à la virtuosité dansante de Youssef Chahine et ses rencontres avec Dalida :

« Je ne savais pas que Chahine était un tel danseur, et sa rencontre avec Dalida m’avait impressionné à l’époque. »

Entre images hollywoodiennes et cinéma arabe, François Morel souligne la beauté et l’inventivité de ces scènes :

« Parler de Chahine, c’est aussi parler d’un cinéma qui nous vient d’Égypte, qui est un grand cinéaste, et que j’aimerais vraiment découvrir davantage. »

Actuellement pris entre ses projets radiophoniques et la scène — il joue Art de Yasmina Reza aux côtés d’Olivier Broche et Olivier Saladin — François Morel insiste sur l’importance de la radio dans son rapport au public :

« C’est le média de l’intimité. Je suis derrière un micro et je parle à quelqu’un qui est dans sa voiture ou dans sa cuisine, devant son café… et ça fait des années que j’ai cette relation avec des centaines, peut-être des milliers de gens. »

Pour lui, la radio offre un espace d’écoute et de spontanéité, un prolongement naturel de sa sensibilité d’acteur et d’humoriste, qui joue avec les mots autant qu’avec le silence.

Bien sûr, le passé de François Morel avec les Deschiens reste un souvenir marquant, mais il insiste sur sa joie actuelle de partager la scène avec ses partenaires actuels :

« On joue une pièce qui déclenche beaucoup de rires et beaucoup d’émotions, c’est un plaisir de retrouver mes deux copains. »

À travers ses souvenirs, c’est une continuité dans l’art de faire rire et émouvoir qu’il met en lumière, entre télévision, théâtre et cinéma.

Entre découvertes cinématographiques et réflexions sur sa pratique artistique, François Morel incarne parfaitement l’esprit de Viva Cinéma : un festival qui donne vie aux images anciennes, invite à la curiosité et crée du lien entre les générations.

« Découvrir ces films restaurés, c’est une chance, c’est comme ouvrir une porte sur des mondes oubliés, et c’est exactement ce que fait Viva Cinéma. »

Né en 1877 à Liège, Alfred Machin est l’un des pionniers les plus singuliers du cinéma européen. Il commence sa carrière comme opérateur et reporter de guerre avant de devenir réalisateur pour Pathé. Passionné par la faune et les paysages exotiques, il se distingue dès les années 1910 par des films tournés en Afrique, notamment lors de deux séjours au Congo et en Algérie. Son style est marqué par un goût prononcé pour le réalisme animalier, mais aussi par un sens aigu de la mise en scène dramatique.

Avec Le Manoir de la Peur, Machin bascule dans le registre fantastique, une rareté dans la production française de l’époque. Il y mêle drame romantique et atmosphères étranges, dans une esthétique proche du Cabinet du docteur Caligari. Ce tournant artistique, sans précédent dans sa filmographie, fut peu compris à sa sortie, d’où sa diffusion tardive. Aujourd’hui, son œuvre est redécouverte et réévaluée, notamment grâce au travail d’auteurs comme Maryline Desbiolles, qui lui consacre un roman, et au CNC qui valorise ses films restaurés.

Réalisé en 1924, Le Manoir de la Peur est le premier film fantastique d'Alfred Machin. Ce pionnier du cinéma, connu pour son attachement au monde animal et aux expérimentations visuelles, y explore les codes de l’étrange dans un décor naturel : le village de Gattières, près de Nice. Façades austères, ruelles sinueuses, et jeux d’ombres confèrent à ce film une atmosphère envoûtante qui évoque les prémices du cinéma expressionniste allemand.

Mal compris à sa sortie, le film n’a été distribué qu’en 1927 sous le titre Le Manoir de la Peur, grâce à la société américaine Universal. Il a fallu attendre la restauration en 4K, menée par le Centre national du cinéma (CNC) sous la direction de Béatrice de Pastre, pour redécouvrir toute la richesse visuelle et narrative de cette œuvre singulière.

Pour Maxime Dangles et Tommy Rizzitelli, cette collaboration a démarré sur un écran géant, chez Tommy, lors d’un visionnage presque cérémoniel. « On s’est tout de suite laissé happer par les images. On a noté des regards, des nuances de lumière, des instants clés », se souvient Maxime. Cette première immersion a jeté les bases d’un dialogue intime entre la musique et le film.

Le duo, habitué à travailler ensemble, a construit une partition entièrement originale, nourrie par leur univers respectif : la scène électronique pour Maxime, le rythme et le son organique pour Tommy. Leur complicité donne naissance à une création immersive où chaque son répond à une intention visuelle.

Refusant la facilité des banques de sons, ils ont fabriqué leurs propres textures à partir d’objets chinés dans une ressourcerie ! « On avait besoin de bruits uniques, alors on a scié, frotté, enregistré. C’était presque une résidence sonore autour du film », explique Maxime. À ces sons bruts s’ajoutent des nappes électroniques, des séquences composées sur Ableton Live, et des percussions générées par la technologie Sensory Percussion.

Ce mélange d’ingrédients crée un paysage sonore mouvant, taillé sur mesure pour accompagner les ambiances contrastées du film. Pas question ici de surligner l’action, mais d’en révéler les silences, les tensions, les élans romantiques.

Contrairement à une commande classique, la musique n’a pas été pensée pour un public défini. « Je composais pour les acteurs du film. Je pensais à ce qu’ils vivaient, à ce qu’ils ressentaient », confie Tommy. Cette approche sincère donne à la performance une dimension presque intime. Elle invite le spectateur à ressentir plutôt qu’à consommer.

Le duo n’en est pas à son premier coup d’essai. Déjà complices sur l’album CHΛNFLƎURY, Maxime et Tommy avaient exploré la narration sonore. Leur envie de revenir à la scène avec un projet visuel les a poussés à rejoindre le Lux, qui leur a ouvert ses portes pour cette nouvelle aventure.

La projection sera précédée d’une présentation de Béatrice de Pastre, qui racontera les coulisses de la restauration, et de l’autrice Maryline Desbiolles, qui a consacré un roman entier à Alfred Machin, sobrement intitulé Machin. Cette introduction permettra au public de contextualiser le film, mais aussi de mesurer la portée historique et artistique de ce projet.

Date : Mardi 27 janvier
Heure : 20h
Lieu : Lux Scène nationale, Valence
Durée : Environ 1h15
Billetterie : lux-valence.com/spectacles

Une soirée où le passé et le présent se répondent sans nostalgie, portée par deux musiciens qui ont choisi de réinventer le silence du muet en un poème sonore moderne.

Pour Lilou Parente, le choix de ressortir In The Soup en 2026 s’est imposé naturellement. Longtemps invisible après sa sortie initiale, ce long‑métrage incarne, selon elle, « des joyaux du cinéma indépendant américain » qui ont profondément marqué les années 90 et inspiré des générations de cinéastes. Restauré en 4K grâce à une mobilisation de fans et de cinéphiles, le film retrouve une visibilité méritée, loin des circuits commerciaux traditionnels.

Le film explore des sujets comme la précarité artistique ou la quête de reconnaissance. Pour Lilou Parente, ces thèmes « résonnent particulièrement avec notre époque », notamment dans un contexte où les métiers de la culture, bien que essentiels, restent fragiles et peu reconnus socialement. Elle souligne que même si le financement public de la culture existe en France, l’incertitude plane toujours sur la pérennité de ces métiers.

In The Soup puise largement dans l’expérience personnelle d’Alexandre Rockwell. Le film raconte l’histoire d’un jeune cinéaste new‑yorkais sans ressources, financé de façon improbable par un habitué des petites combines rencontré dans la rue. Lilou Parente raconte comment il a obtenu le morceau « Heroes » de David Bowie pour une poignée de cents, illustrant l’esprit de débrouille qui caractérise toute la démarche.

Interrogée sur son métier, Lilou Parente compare volontiers le distributeur à un éditeur : « On travaille sur des films qui nous ont profondément touchés et qu’on ne veut surtout pas laisser disparaître. » Pour elle, la distribution est un acte de partage, une façon de remettre ces œuvres en circulation et de favoriser des échanges vivants entre les films et leur public en salles.

Depuis moins d’un an, Contre‑Jour a déjà fait découvrir au public d’autres œuvres singulières : Oro (film tchèque des années 60 censuré lors de sa sortie), des films thaïlandais ou encore le documentaire iranien My Sullon Phanet de Faranah Sharifi. Tous partagent une qualité artistique forte et une volonté de décloisonner le cinéma mondial.

Pour William Robin, directeur de Sceni Qua Non, le travail du programmateur est essentiel. Il rappelle que le distributeur est ce lien vivant entre les salles et les films, faisant le tri dans la multitude d’œuvres disponibles pour proposer « ceux qu’on veut vraiment montrer ». Il défend avec passion le cinéma de répertoire dans les programmations, y compris en milieu rural, en établissant des relations étroites avec des salles art et essai.

Dans la Nièvre et le Morvan, la ressortie de In The Soup s’inscrit dans une rétrospective plus large dédiée à l’œuvre d’Alexandre Rockwell. Le jeudi 15 janvier à 20h30, le Crystal Palace de La Charité‑sur‑Loire accueillera une projection en présence du réalisateur, suivie d’échanges avec le public. Des projections supplémentaires sont prévues dans plusieurs salles du Morvan, offrant ainsi une occasion rare de redécouvrir ce cinéma audacieux et pionnier.

William Robin ne tarit pas d’enthousiasme : « C’est un des films les plus drôles et réjouissants que j’ai vu depuis longtemps. La copie restaurée est magnifique. Peu importe votre niveau de cinéphilie, vous trouverez ce film drôle et touchant. » Avec une durée d’1h36, il promet un moment accessible, convivial et riche en émotions.

En filigrane, cet entretien avec Lilou Parente et William Robin rappelle que le cinéma indépendant est un art vivant, porté par des passionnés qui travaillent sans relâche pour que des œuvres singulières continuent d’exister, de circuler, de parler à nos vies.

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« Un beau cimetière, une tombe chargée d'émotion, c'est un but de promenade comme un autre », écrit Thierry Luthers. Et si cette promenade devient un véritable voyage dans le temps ? De Johnny Hallyday à Barbara, en passant par Dalida, Luis Mariano ou Jacques Brel, chaque tombe révèle une histoire, une trajectoire, une émotion.

Historien de formation, Thierry Luthers confie avoir abordé sa recherche comme une quête ludique : « Rechercher une tombe s'apparente souvent à un jeu de piste. Quand on retrouve celle d'une star oubliée, c'est presque jouissif ». Une manière originale de réconcilier le passé avec le présent, la mémoire avec la curiosité.

Dans ce guide de 250 pages, l’auteur a réuni 300 personnalités : des incontournables comme Louis de Funès, mais aussi des artistes oubliés ou les "sans tombe" comme Jean Gabin, des seconds rôles, des starlettes éphémères et des réalisateurs de "navets" qu'il défend avec tendresse. « Le navet a ses lettres de noblesse ! » affirme-t-il, citant Jean-François Davy ou Philippe Clair.

Thierry Luthers ponctue son guide de récits incroyables : le cercueil de Charlie Chaplin kidnappé en 1978, l'histoire d'amour tragique de Christine Kaufmann et Tony Curtis, la tombe à l'érection polie de Victor Noir, ou encore la ferveur intacte autour de Claude François et Daniel Balavoine.

Il déplore aussi l'oubli de certains : la tombe à l'abandon de l'acteur et chanteur Henri Garat, l'absence de reconnaissance pour Annie Cordy ou la modestie de celle de Yves Montand et Simone Signoret. Et s'interroge sur le manque d'entretien de tombes emblématiques, même pour des prix Nobel comme Anatole France.

Chaque chapitre du livre incarne un véritable pèlerinage culturel. On y sent le souffle du cinéma français, l'écho des chansons d'antan, les silences lourds des cimetières et la passion intacte de Thierry Luthers. Il va jusqu'à chanter Pardon de Johnny devant la tombe de Philippe Labro. 

Le livre n'oublie pas les étoiles internationales : Marilyn Monroe, Frank Sinatra, Bob Marley, tous deviennent les héros d'un atlas funéraire pas comme les autres. Le guide inclut même les interdits d'accès comme Michael Jackson, Humphrey Bogart ou Alain Delon, enterrés dans des parcelles privées.

Ce guide s'adresse à tous les cinéphiles, les taphophiles (passionnés de tombes) et les amoureux d'histoires humaines. Il revendique une démarche mêlant mémoire, transmission et poésie. Thierry Luthers travaille déjà sur une version extended qui recensera 3.000 tombes, pour une cartographie quasi exhaustive de la mémoire artistique européenne.

Stars pour toujours. Sur les tombes de 300 légendes du cinéma et de la chanson, de Thierry Luthers, est paru le 16 octobre 2025 aux éditions Chronica. Prix : 25 euros. Disponible en librairie, sur Amazon et sur le site de l'éditeur chronica.be. 

Une version étendue de Stars pour toujours recense 3.000 tombes de personnalités du cinéma et de la chanson, célèbres ou oubliées, en France, Belgique, Suisse, Luxembourg… et au-delà.

Pensé comme un véritable guide de voyage culturel, ce répertoire unique mêle mémoire, anecdotes et découvertes, de Claude François à Jane Birkin, en passant par Paul Prébois ou Grégory Lemarchal.

Disponible uniquement en ligne.

Interview réalisée par Manuel Houssais pour La Radio du Cinéma.

Le personnage de Mehdi, incarné par Younès Boucif, vit sur un fil : il est chef dans un bistrot qu'il veut reprendre avec sa compagne Léa, mais cache son amour et sa passion pour la cuisine française à sa mère algérienne, Fatima. Pour retarder l'échéance, il engage une fausse mère, campée par Hiam Abbass, etvprovoque un enchaînement de quiproquos savoureux et émouvants.

Pour Amine Adjina, « la cuisine est un lieu de mémoire, un espace de transmission où se croisent l’héritage familial et le désir d’autonomie ». En choisissant Lyon, capitale de la gastronomie et ville importante de l’immigration algérienne, le réalisateur ancre son récit dans une réalité sociale forte, tout en lui insufflant un souffle méditerranéen assumé.

« Mehdi compartimente tout : sa cuisine, son amour, sa mère », confie le réalisateur. Cette cloison symbolique permet au film d’explorer le mensonge comme stratégie de survie affective. Mais dans La Petite Cuisine de Mehdi, chaque secret est une cocotte-minute. À mesure que le film avance, le rire devient poignard, et la comédie glisse doucement vers l’émotion.

Inspiré par la comédie italienne mai aussi le cinéma d’Almodóvar, Amine Adjina revendique des héroïnes fortes, comme celles incarnées ici par Malika Zerrouki et Hiam Abbass. Le résultat : une comédie où les mères volent la vedette, réconfortent et malmènent, toujours dans un joyeux vacarme d’assiettes et d’accents.

Le bistrot du film, Le Baratin, est plus qu'un décor : c’est un héros à part entière. Inspiré d’un lieu bien réel à Belleville, ce bistrot a été recréé avec soin, jusqu’au choix des assiettes. « J’avais envie que chaque plan donne envie de manger », confie Amine Adjina. Il y invente un plat signature, la "blanquette de veau à lauranaise", clin d’œil à ses racines et hommage à la fusion culinaire.

Pour camper Mehdi, Amine Adjina a choisi Younès Boucif, révélé dans la série Drôle (Netflix). « Il fallait un acteur capable d’inspirer l’empathie, de jouer la comédie sans jamais perdre de véracité », explique le réalisateur. Younès Boucif incarne cette dualité entre pudeur et explosion comique.

La Petite Cuisine de Mehdi a trouvé son public en salle. Ce qui plaît ? La chaleur humaine, la sincérité, et cette capacité rare à faire rire tout en posant des questions profondes. Identité, transmission, loyauté, adaptation... Le film ouvre des portes plutôt qu’il ne donne des leçons. Et dans l’atmosphère douce-amère qui l’enveloppe, chacun peut y retrouver un souvenir de famille, un parfum d’enfance, ou une recette jamais transmise.

La Petite Cuisine de Mehdi, un film d'Amine Adjina. Avec Younès Boucif, Hiam Abbass, Malika Zerrouki, Clara Bretheau. Sorti en salles le 10 décembre 2025. Durée : 1h42. Tourné à Lyon. Une production Elzévir Films, distribuée par Pyramide Distribution.

À l’écran, Patrick Timsit incarne un Père Noël de parc d’attractions, pris dans une rocambolesque affaire de réglement de compte à la sarbacane… et de recette de galette des rois. Mais ce qui a d’abord séduit l’acteur, c’est bien l’histoire : « Je commence toujours par le scénario », confie-t-il à Manuel Houssais pour La Radio du Cinéma. « J’ai lu, j’ai ri, j’ai été touché. Et puis j’ai rencontré James Huth. Je connaissais son travail, j’étais déjà allé voir son premier film au cinéma (Serial Lover) juste pour le plaisir. »

Au cœur du récit, Zoé, sept ans, subit les brimades d’un camarade de classe. Une situation tristement actuelle : « On ne dit jamais le mot harcèlement dans le film, mais on le voit », souligne Patrick Timsit. Et d’ajouter : « Le film arrive au bon moment, dans une société qui commence à ouvrir les yeux sur cette réalité. »

Quand la petite Zoé surprend ce Père Noël improvisé en train de jeter des cadeaux dans une cheminée, elle croit avoir affaire au vrai. S’ensuit une alliance inattendue pour jouer un mauvais tour à la famille du garçon qui la harcèle – celle-là même qui a volé la fameuse recette de galette du personnage incarné par Patrick Timsit. « Ce n’est pas une histoire de vengeance, précise-t-il, mais plutôt de soutien, d’encouragement à briller. Deux personnages que tout oppose, réunis par un même ennemi. »

Face à lui, la jeune Théa De Boeck impressionne. « Elle vit pour le jeu, et ça se sent », s’enthousiasme Patrick Timsit. « Elle n’est pas là pour un coup d’éclat, elle est actrice, profondément. Et quand les enfants sont bons, ils jouent vrai. C’est aussi simple que ça. » Un compliment sincère de la part d’un acteur chevronné, qui connaît bien le travail avec les plus jeunes – du Prince du Pacifique à Poly, en passant par Un Indien dans la ville.

« J’aime quand la comédie permet de parler de choses sérieuses sans être pesante », rappelle Patrick Timsit. Le film de James Huth ne se contente pas d’une succession de gags : il insuffle une forme d’espoir, d’imaginaire libérateur. « Ce qui compte, c’est l’histoire. Pas les effets. Pas le maquillage, ni le costume. C’est ce que le film raconte », insiste-t-il.

On retrouve la patte visuelle et narrative du réalisateur de Brice de Nice et Lucky Luke : une mise en scène pop et dynamique, des bulles de BD incrustées à l’image, des clins d’œil savoureux aux classiques du genre comme Maman, j’ai raté l’avion ou Le Petit Nicolas. Le film jongle habilement entre humour enfantin et sous-texte social.

Porté par un casting réjouissant – Isabelle Nanty en patronne odieuse, Antoine Gouy en fils à maman capricieux – À la poursuite du Père Noël ! s’affiche comme une belle surprise de fin d’année.

• Titre : À la poursuite du Père Noël !
• Réalisateur : James Huth
• Avec : Patrick Timsit, Isabelle Nanty, Théa De Boeck, Antoine Gouy
• Durée : 1h45
• Genre : Comédie familiale
• Sortie en salle : 10 décembre 2025
• Production : Pathé

Jérôme Wybon n’en est pas à son coup d’essai. Auteur de nombreux documentaires consacrés au cinéma et à ses figures marquantes, comme Jean-Paul Rappeneau ou la troupe du Splendid, il aime explorer les coulisses, les archives et les petites histoires derrière les grandes. Il dirige aussi une collection de blu-ray chez StudioCanal consacrée au cinéma français des années quatre-vingt. "On me dit souvent que je suis un archéologue du cinéma, et j’aime beaucoup cette idée", confie-t-il.

Pour inaugurer la collection Biopik, l’idée d’un album sur le film culte de Spielberg s’est imposée. Non seulement parce que Les Dents de la mer fête son cinquantenaire, mais surtout parce que son tournage, sur l’océan et sans effets spéciaux numériques, fut un vrai cauchemar. Requins défaillants, acteurs sur le départ, grèves menaçantes et budget explosé, Steven Spielberg aurait dû être renvoyé. Mais les rushs, brillants, l'ont sauvé. "Le tournage a changé Hollywood, mais Spielberg en garde un souvenir douloureux", révèle Jérôme Wybon.

"Ce qui m’a séduit, c’est qu’on pouvait faire vivre les scènes, les incarner", explique Jérôme Wybon. À la différence d’un documentaire où l’on recueille des souvenirs, la BD permet de raconter en direct. Scénarisée avec minutie, à partir de sources vérifiées, elle reconstitue des moments-clés comme la gifle réelle reçue par Roy Scheider sur le plateau. Le dessin de Tony Cittadini, en vert délavé et rouges stridents, crée une ambiance unique. "Il a nourri chaque case, avec des idées de mise en scène proches du cinéma", souligne Wybon.

Avec ses 192 pages, Les Mâchoires de la Peur se lit comme un making-of à grand spectacle. Certaines doubles pages ralentissent le rythme pour faire respirer l’intrigue et mieux savourer la tension. La dernière partie, très forte, donne la parole à un scientifique sur la représentation des requins. Une façon de réhabiliter ces animaux injustement diabolisés depuis le roman de Peter Benchley, qui consacra ensuite sa vie à leur défense.

La collection Biopik ne fait que commencer. En 2026, deux autres BD sont annoncées : l’une sur L’Exorciste, l’autre sur Terminator. Si Les Mâchoires de la Peur est signée par Jérôme Wybon, les prochaines seront confiées à d’autres auteurs, avec toujours le même souci du détail et de la transmission.

Les Mâchoires de la Peur
Collection Biopik - Éditions Huginn & Muninn
Scénario : Jérôme Wybon
Dessins : Tony Cittadini
Parution : décembre 2025
Pages : 192
Prix : 24,95 €

Photo: David Marmier

« Rien ne remplace une salle de cinéma », déclare Dominique Blanc sans détour. Face à une jeunesse nourrie aux algorithmes des plateformes, l’actrice revendique l’expérience collective du grand écran. Son cinéma coup de cœur ? Le Max Linder à Paris : « écran géant, son gigantesque, on sort bouleversé, frères et compagnes de ceux qui étaient dans la salle ».

Dominique Blanc a revu le chef-d’œuvre de Patrice Chéreau au festival de La Rochelle. « Ce film tient la route, c’est peu dire. C’est une œuvre contemporaine, un choc esthétique et historique. » Elle rend hommage à l’équipe de rêve : Philippe Rousselot à la photographie, Mojdele Bickel aux costumes, Danièle Thompson au scénario. Patrice Chéreau "m’a surtout transmis le goût de la liberté, la vraie, celle qui résiste. »

Radical, exigeant, inspiré. Que ce soit à Villeurbanne ou sur un plateau de cinéma, Patrice Chéreau demandait tout : « Au théâtre, on avait deux mois pour faire, défaire, refaire. Il adorait ça. » Dominique Blanc évoque leur lien : un compagnonnage d’égal à égal, sans concessions. Comme dans un bon Cassavetes, l’improvisation faisait partie du processus.

À la question de quels films pour transmettre l'amour du cinéma aux jeunes générations, elle répond par trois titres : "La Grande Illusion" de Jean Renoir, "Opening Night" de John Cassavetes, et bien sûr "La Reine Margot". Trois époques, trois visions du monde, trois leçons de cinéma. « Les jeunes ne connaissent pas Renoir, c’est à découvrir. Cassavetes, c’est l’anti-système hollywoodien. Et la reine Margot, c’est un polar historique.

Si elle est souvent identifiée aux rôles tragiques, Dominique Blanc n’a jamais boudé les comédies : « J’aurais adoré jouer dans La Rose pourpre du Caire. Mia Farrow y est sublime, et l’idée d’un personnage qui sort de l’écran, c’est magique. Son humour, on le retrouvait déjà dans Quelques jours avec moi de Claude Sautet, où elle campait une rigolote nommée Georgette.

Son actualité, c’est "Jupiter", un film de guerre contemporain signé Alexandre Smia. Aux côtés de Denis Ménochet, Céline Sallette, André Dussollier, elle incarne la ministre des Affaires étrangères : « Un rôle de pouvoir, j’espère bientôt être présidente ! »

À propos de ministre.. Dominique Blanc a rendu sa décoration d’officier de la Légion d’honneur, reçue en 2014. Dans une lettre manuscrite adressée à Emmanuel Macron, elle dénonce une crise morale : « Un corps politique qui n’est pas à la hauteur ». Le déclic ? La nomination de Rachida Dati malgré ses démêlés judiciaires. « Il faut de l’intégrité, de la dignité. Quand on fait une erreur, on se retire. » Un Basta lancé avec élégance.

• Fiche artiste Comédie-Française
• Filmographie sur AlloCiné
• Interview dans L'Humanité

Loïc Landrau n'a pas eu une carrière linéaire. Recalé des grandes écoles, humilié par des supérieurs, oublié des antennes, le CV de ses galères ferait rougir les plus pugnaces. Mais à chaque chute, il s'est relevé avec un film comme boussole. Sister Act, Le Cercle des poètes disparus, Kung Fu Panda... Dans ses moments de doute, les dialogues du cinéma lui ont servi de remontants. « Les scénaristes glissent souvent dans la bouche des personnages des mots que l'on attendait d'entendre depuis toujours », explique-t-il. Aujourd'hui, il poursuit une carrière de journaliste, présentateur télé et radio (pour Europe 1, KTO, et d'autres). il est également podcasteur, scénariste et formateur à la prise de parole.

Pas question ici de faire un best-of de citations Pinterest. Osez la lumière propose une véritable mise en situation. Loïc Landrau s'appuie sur des scènes fortes pour faire résonner les enjeux de l'existence : légitimité, confiance, détermination, expression. « Le cinéma est un art de la transformation », souligne-t-il. Et comme dans Le discours d'un roi, on comprend que prendre la parole peut être un acte de guérison.

Loin du théorique, l'ouvrage propose des exercices à la sauce Hollywood. Le plus marquant ? Une lettre écrite par le "vous" du futur à votre vous présent, inspirée de Retour vers le futur. Ce stratagème narratif, testé dans ses formations, permet d'envisager chaque ambition comme une scène à tourner. Et si votre "je" du futur savait exactement comment vous en sortir ?

Avant d'être un livre, Osez la lumière était une conférence-spectacle jouée sur scène. Avec voix off, extraits de films et slam, Loïc Landrau transforme les théories en émotion pure. « Je voulais que les gens réalisent qu'ils étaient déjà les héros de leur propre histoire », confie-t-il. Et dans la salle, les larmes coulent souvent quand retentit une réplique qui tape dans le mille

Point d'apologie du star-system ici. Pour Loïc Landrau, oser la lumière, c'est parfois simplement sourire à son voisin ou transmettre une idée. « Le charisme, c'est avant tout croire que ce qu'on a à dire a de la valeur ». Et comme dirait le professeur Keating, « il faut gravir sa propre montagne, pas celle des autres ».

Avec son style vivant et ses références pertinentes, Osez la lumière s'adresse à toutes celles et ceux qui veulent donner une réplique à leurs doutes. Une bible lumineuse pour qui pense que les films ne changent pas une vie... avant de se rendre compte qu'ils l'ont déjà fait.

Osez la lumière de Loïc Landrau est paru aux éditions Jouvence. Le livre est disponible en librairie et en ligne. Le conf-show est joué régulièrement à Paris et en tournée. Toutes les infos sont à retrouver sur www.loiclandrau.com.

"C'est une femme très romantique, très tendre, amoureuse de la littérature et de la bonne chaîre." Ainsi Audrey Laloy décrit-elle Monica, ce personnage doux et maternel qu'elle incarne dans le film. Pour une fois, elle qui est habituée aux rôles de femmes fortes, de policières ou de militaires, a pu laisser parler sa propre sensibilité : "Je me suis retrouvée dans cet amour des mots, dans cette façon de savourer la vie."

Une affinité rare, presque fusionnelle avec ce rôle où elle met en lumière les charmes de la gastronomie ardéchoise, les saveurs des terroirs, les plaisirs simples d'un verre de vin partagé. Un personnage qui lui ressemble et qui, dit-elle, l'a reconnectée à ce qui compte : l'humain.

"Délicieuses et Tragiques" est l'histoire d'une aventure humaine autant qu'artistique. Francis Lemoine, porteur du projet depuis 2019, a mis corps et âme dans ce récit où il réunit drame intime et célébration de la région où il vit. Audrey se remémore le casting à Paris, suivi d'un dîner organisé par le réalisateur pour rassembler les futurs comédiens : "Une idée qui a posé les bases d'une vraie cohésion."

Sur le plateau, entre les vallons ardéchois et les sentiers de la Drôme, l'ambiance était à la fois studieuse et chaleureuse : "C'était un bonheur de tourner dans ces décors naturels, entourée d'une équipe motivée, avec des comédiens issus de la télé, de la voix, du théâtre." Parmi eux : Charles Gebenholtz , Kevin Touta, Caroline Mour, Laurie Lemoine... "Monica ne pouvait pas exister sans eux."

Depuis ce rôle phare, Audrey Laloy continue d'explorer les possibles : un projet de docu-fiction est en cours, une série se prépare... mais chuuut, le rideau n'est pas encore levé. Elle garde la tête froide dans un métier qu'elle sait exigeant : "Les castings sont nombreux, les réponses longues à venir. Il faut de la patience, de la foi, et un peu de magie."

Elle n'est pas superstitieuse, mais avoue un rêve : celui d'endosser un jour un rôle dans un film historique. "Je monte à cheval, j'adore les costumes, et une fresque épique à la Monte Cristo me ferait vibrer !" Le message est passé, voici le contact de son agent: Marie CRETEY – mariecretey@agence-blooming.com

De son passé dans la restauration, Audrey Laloy a gardé le goût du partage. De son amour de la littérature, elle tire une poésie discrète qu'elle glisse dans ses jeux d'actrice. Et de ses rêves, elle fait des promesses : celle de rôles futurs à découvrir, d'émotions à vivre, de personnages à incarner.

Audrey Laloy est une de ces présences qu'on n'oublie pas. Une réplique de Before Sunset (2005 Richard Linklater) résume bien ce qu'elle nous a offert : "If there's any kind of magic in this world, it must be in the attempt of understanding someone, sharing something." "S'il existe une forme de magie dans ce monde, elle réside sans doute dans la tentative de comprendre quelqu’un, de partager quelque chose".

• Film : Délicieuses et Tragiques
• Réalisateur : Francis Lemoine
• Premier rôle : Audrey Laloy (Monica)
• Tournage : Drôme et Ardèche
• En attente de distribution (cinéma ou plateforme) contact 
• Photographie: Emily Merritt

Enfance tranquille, trop peut-être, rien ne laissait présager que le jeune André, fils unique, deviendrait un jour une figure tutélaire du cinéma français. Jusqu’au jour où un professeur de français l’emmène au théâtre : "j’avais dix ans, et là, j’ai découvert la vraie vie", raconte-t-il. Ce fut le coup de foudre. Un Molière vivant, un monde de mots à dire fort, de sentiments à vivre pleinement. "Je vivais une double vie : celle d’un étudiant studieux, et celle d’un comédien clandestin". Paris finira par l’adopter, mais toujours avec cette sincérité provinciale, cette passion intacte.

"La voix est un instrument", souffle-t-il. Et quel instrument ! Quand il joue Novecento de Baricco, il s’entoure d’un quartet de jazz. Il scande, il respire. Une musicalité innée, travaillée à la scène, peaufinée à la radio. "J’aime ce média, car à la radio, l’écran est plus large qu’au cinéma", cite-t-il Orson Welles. Dussolier transforme chaque silence en réplique, chaque mot en émotion. "À la radio, on est tout nu avec sa voix". Et il habille les ondes mieux que personne.

Dans "Chers parents", André Dussolier campe un père d’apparence bonhomme, marié à Miou-Miou. Ils convoquent leurs enfants dans un coin charmant des Alpilles pour une annonce qui devrait réjouir : ils ont gagné au loto ! Sauf qu’ils n’en donneront pas un sou à leur progéniture. La guerre est déclarée.

"J’aime la légèreté du propos, et en même temps la profondeur des réactions humaines", précise-t-il. Le film est signé Emmanuel Patron, coécrit avec Armelle Patron, d’après leur pièce à succès. "On y retrouve ce goût de la comédie italienne des années 70, où le rire frôle en permanence le drame", analyse-t-il. La famille, l’argent, les non-dits… tous les ingrédients sont là pour une recette qui pique autant qu’elle caresse.

"Mélo d’Alain Resnais a été un tournant pour moi", confie-t-il. Le rôle, les partenaires (Sabine Azéma, Pierre Arditi, Fanny Ardant), et surtout le maître Resnais : "Un autodidacte qui m’a toujours accompagné". Depuis, les mots l’accompagnent partout, de la scène à la page, de Victor Hugo à Raymond Devos.

Son amour de la poésie ? Un carburant quotidien. Il cite Rimbaud  "Relisez Le Dormeur du Val, c’est un travelling écrit avant le cinéma". Et voilà qu’il redonne voix aux vers, avec cette chaleur unique qui vous accroche l’âme.

• Film : Chers parents
• Réalisateur : Emmanuel Patron
• Scénario : Emmanuel et Armelle Patron
• Sortie cinéma : 25 février 2026
• Distribution : Miou-Miou, André Dussolier, Pauline Clément, Thomas Solivérès, Arnaud Ducret
• Lieu de tournage : Massif des Alpilles
• Production : Bonne Pioche Cinéma, SND, M6 Films, Umedia
• Bande-annonce : voir ici
• Festival : Interview réalisée au Festival International du Film de Comédie de Liège 2026

Claude Lelouch n'a jamais aimé répéter les plans séquences du passé. Pour ses 88 printemps, le cinéaste a soufflé ses bougies avec nostalgie et un grand angle sur l'avenir. C'est à Trouville, sur les quais mêmes où il avait tourné Un homme et une femme il y a soixante ans, qu'il a inauguré le 30 octobre 2025 un lieu hybride : un ciné-bistrot. Un espace où les grands films se regardent autant qu'ils se discutent, avec une assiette entre amis. "Une belle soirée, c'est un beau film suivi d'un bon repas pour en parler", dit Claude Lelouch. Et franchement, on signe tout de suite.

Installé dans les anciens locaux de la police municipale, le lieu a été entièrement repensé. Cuisine enterrée, salle de projection au rez-de-chaussée, bar convivial et fresque dédiée aux visages de celles et ceux qui ont peuplé son cinéma. Elsa Zylberstein et Jean Dujardin, parrains du lieu, étaient de la fête, entourés de cinéphiles, amis de toujours, et curieux venus féliciter ce monument vivant du 7e art.

Mais Claude Lelouch n'est pas homme à rester figé dans le passé. Il prépare à 88 ans son 52e long-métrage. Titre : Il était une fois... tout ça. Et pour ouvrir ce dernier tour de piste, il a choisi un outil aux possibilités vertigineuses : l'intelligence artificielle. Les premières minutes du film nous embarquent du Big Bang à Hiroshima, de la crucifixion du Christ à la révolution française. Une fresque vertigineuse de 7 minutes, entièrement créée grâce à l'IA générative, pour "raconter la grande histoire du monde et les petites histoires qui la traversent", confie le réalisateur.

Claude Lelouch n'en est pas à sa première révolution technique. Il a été parmi les premiers à tourner un film entier avec un smartphone, prouvant qu'un rêve de cinéaste ne tient pas à la taille d'une caméra. Aujourd'hui, il salue l'IA comme un "super pouvoir donné au metteur en scène", tout en rappelant que "sans imagination, pas d'émotion". L'outil est neuf, mais l'âme du conteur reste la même.

Une affaire de famille

La fille de Claude Lelouch, Sarah Lelouch ne regarde pas l’intelligence artificielle comme une menace, mais comme un nouvel outil à dompter. Productrice, réalisatrice et cofondatrice du World AI Film Festival, elle voit dans cette technologie un levier de création plutôt qu’un danger pour le cinéma.

Elle ne nie pas les inquiétudes, notamment dans le monde du doublage vocal, mais préfère parler d’opportunités. De nouveaux métiers émergent, comme celui de « directeur de voix », capable de donner des indications émotionnelles à une IA encore incapable de ressentir. Selon elle, le doublage assisté par IA ne remplace pas l’artiste, il le prolonge.

Pour Sarah Lelouch, refuser l’IA serait une bataille perdue d’avance. Elle plaide pour une adaptation intelligente, éthique, où l’humain reste au cœur de la création. Une vision pragmatique, qui prolonge l’esprit pionnier de son père… avec les codes du XXIe siècle.

Avec ses mots, Claude Lelouch résume son chemin : "Depuis l'âge de 17 ans, je suis en vacances". Vacances créatives où le travail ne pèse jamais, tant que le cinéma permet de rêver. Et s'il devait livrer un message ? "J'aime la vie avec ses contradictions. Et j'ai envie de la faire aimer au plus grand nombre".

• Ciné-bistrot Claude Lelouch – Quai Albert 1er, Trouville-sur-Mer (Calvados)
• Film en préparation : Il était une fois... tout ça, durée prévue : 3h
• Technologie : images créées en IA générative
• Sortie envisagée : courant 2027

Pour (re)découvrir Claude Lelouch, à l’âge où d’autres rangent leur caméra, lui invente un lieu, réinvente une forme et déclare une dernière fois sa flamme au cinéma. Comme disait Belmondo : "J'aime les films qui rendent heureux". On dirait que lui aussi.

Photographie David Marmier

Sa cinéphilie ? Elle commence sur les genoux de sa mère, dans les fauteuils d’un cinéma de quartier. Premier choc : Cabaret de Bob Fosse. « On allait voir des films parce qu’on n’avait que ça à faire à la fin des années 60. » À la manière des spectateurs de La Dernière Séance, Melki y prend goût au point de revoir certains films plusieurs fois : Les Dents de la mer, L’Exorciste, et bien sûr Cabaret. Le cinéma comme refuge, comme formation continue, comme fil rouge.

Chez Gilbert Melki, l’acteur et le cinéphile ne font qu’un. « Je vais souvent au cinéma, ça m’inspire, ça me maintient vivant. » Une habitude qu’il partage avec deux immenses actrices : Catherine Deneuve, qu’il retrouve dans Peau d’homme de Léa Domenach, et Isabelle Huppert. « On parle de cinéma tout le temps. » Une complicité de regard, nourrie de curiosité et d’audace. Il cite Licorice Pizza de Paul Thomas Anderson, mais aussi Nouvelle Vague, qu’il décrit comme un « film culotté » autour de Jean-Luc Godard. Gilbert Melki, aime les prises de risques, quand elles sont assumées, inspirées, libératrices.

Son panthéon ? Celui de la comédie italienne : Ettore Scola, Dino Risi, Mario Monicelli, Nino Manfredi... Il cite Affreux, sales et méchants (Brutti, sporchi e cattivi) comme un modèle de liberté artistique. « En France, un film comme ça déclencherait une polémique de folie. » Ce qui lui manque dans le paysage hexagonal ? Un cinéma décomplexé, libre, affranchi des idéologies. « On n’est pas politiciens, on est là pour bousculer, pas pour endoctriner. »

Pour Gilbert Melki, la comédie reste une arme redoutable pour parler du monde, sans pesanteur. Il cite Jia Zhangke, cinéaste chinois qui n’hésite pas à ausculter sa société avec férocité. « En France, on est trop complaisants. » Il trouve dans le cinéma italien ou belge une liberté de ton, un quotidien moins plombé, une parole plus directe. « Le peuple va bien, ce sont les politiciens qui vont mal. »

À Liège, Gilbert Melki respire. L’ambiance du festival, la générosité des échanges, l’absence de jugement immédiat : tout l’oppose à une certaine morosité parisienne. Et pour ce rôle de président du jury ? Il compte bien rester fidèle à ses valeurs : la liberté, la sincérité, l’audace. « On va voir un film tout à l’heure, peut-être qu’on va s’engueuler. » Mais toujours au nom du cinéma.

"Je suis un clown, je ne suis rien". Loin des projecteurs hollywoodiens, l’acteur a bâti sa trajectoire comme une quête philosophique. Né sur une base américaine en Allemagne, ayant grandi entre les États-Unis et la France, il quitte son passé militaire et catholique sous l'ère Reagan. "Quand Reagan a été élu, j’ai su que je devais partir". Sa destination ? L'Europe. Son inspiration ? Henry Miller, Jean-Luc Godard, et cette envie viscérale de liberté artistique.

Si le rôle de Jacques Mayol a fait de lui une icône, Jean-Marc Barr refuse le confort des étiquettes. "Le Grand Bleu m’a permis de continuer cette quête de cœur", confie-t-il. Peu reçu en Angleterre et aux États-Unis, le film trouve son public en France. Jean-Marc Barr y voit une chance : "Je pouvais le regarder autrement". Le succès devient tremplin. Il délaisse les sirènes de l’industrie pour des choix radicaux, rêves de cinéma comme espace de liberté. Une démarche à contre-courant d’une époque de plus en plus formatée.

Sa collaboration avec Lars von Trier est décisive. D’Europa à Breaking the Waves ou Dogville, Jean-Marc Barr partage une vision du cinéma comme laboratoire existentiel. "Fais des fautes, suis son cœur", se souvient-il du mot d’ordre de von Trier. Ce goût du risque le pousse à réaliser, avec Pascal Arnold, une trilogie libre : Lovers, Too Much Flesh et Being Light, tournés sur trois continents avec des moyens réduits. Des films engagés sur l’amour, la sexualité, la liberté. "Un jeune m’a dit : Too Much Flesh a changé ma vie".

Retrouver Jean Reno au Festival de Liège, c’est raviver la mémoire d’une alchimie rare. "On a appris l'apnée ensemble", raconte Barr. L’intensité du tournage du Grand Bleu, la fraternité forgée sous la mer, reste intacte. "On était jeunes, beaux, indomptables", glisse-t-il, non sans émotion. Aujourd'hui, chacun a suivi sa route : Jean Reno vers le succès international, Jean-Marc Barr vers un itinéraire d'auteur. "Il faut jamais se prendre au sérieux, je suis une illusion".

À 64 ans, Jean-Marc Barr poursuit sa quête, à contretemps. "Je prépare un Hamlet". Il cite "Le Genou d'Ahed" de Nadav Lapid (2021) comme un électrochoc : "Enfin un film qui respire". Le divertissement ne suffit plus. Il veut vibrer, sentir, transmettre à son fils de 10 ans une idée de la vérité. "Quand on n’est rien, on est tout", conclut-il en invoquant Shakespeare. Le cinéma, pour lui, reste un lieu de combat poétique et politique.

Jean-Marc Barr était l'invité surprise de la soirée d’ouverture du Festival International du Film de Comédie de Liège le mercredi 5 novembre 2025, au Forum de Liège. Il a rejoint sur scène Jean Reno, l'invité d'honneur, pour une séance riche en émotions et en souvenirs du Grand Bleu.

Avant de faire rayonner la comédie à l’international, Adrien François était un jeune réalisateur de courts métrages. "Je ne trouvais pas de festivals pour mes comédies", raconte-t-il. Avec ses comparses, surnommés les "quatre mousquetaires", il crée un événement unique en Belgique. En dix ans, le pari est réussi : le FIFCL est devenu un rendez-vous incontournable pour le cinéma d’humour dans toutes ses formes, rassemblant à la fois comédies populaires, films d’auteur et propositions engagées.

"On peut parler de tout par la comédie : racisme, obésité, exclusion... Et toujours avec bienveillance", souligne Adrien François. La 10ème édition met en avant cette puissance du rire pour aborder des sujets forts. C’est le cas du film L’épreuve du feu d’Aurélien Peyre, ou encore de La bonne étoile de Pascal Elbé, porté par Benoît Poelvoorde. "Rire, c’est se libérer. C’est partager sans juger".

Le FIFCL c’est aussi un modèle d’accessibilité rare dans les grands festivals. Les stars y viennent sans rémunération. "Jean Reno traverse l’Atlantique, mais c’est pour le plaisir, pas pour un chèque", s’amuse Adrien François. L’acteur reçoit cette année un Taureau d’or d’honneur. À ses côtés, Muriel Robin, Claudia Tagbo et de nombreux talents du rire mondial.

"Liège n’est pas Paris, mais elle a un cœur gros comme ça", assure le délégué général. Rues animées, terrasses bondées, public réactif : la "cité ardente" donne au FIFCL son ambiance unique. L’esprit bon enfant et la proximité sont essentiels. "Chez nous, le public peut croiser Jean Reno en achetant une gaufre", plaisante-t-il.

Avec 250 bénévoles mobilisés, le FIFCL fonctionne comme une fourmilière. Chacun a un rôle : chauffeurs, accompagnants, photographes, techniciens... Et au sommet, quatre amis de toujours : Nicolas Van de Kerkhoven, Samuel D’Anas, Julien Destrée et Adrien François. "On est comme un vieux couple : on s’engueule parfois, mais on avance".

Prochaine étape ? "Mon rêve, c’est un vrai marché du film de comédie, comme à Cannes mais à Liège", avoue-t-il. L'édition 2025 sème les graines : panels pro, coproductions, forums et une résidence d'écriture CineComedies Lab. "Ce festival, c’est une folie collective, mais aussi une mémoire vivante du rire".

• Date : du 5 au 9 novembre 2025
• Lieu : Liège, Belgique
• Invité d’honneur : Jean Reno
• Parrain de l’édition : Lambert Wilson
• Programmation complète et billets ici

Pour ceux qui aiment le cinéma comme on aime les gens : avec le cœur.

"Nous nous connaissons depuis quarante ans, mais nous n’avions jamais travaillé ensemble", confie Pierre Buraglio. L’occasion se présente enfin grâce à la complicité de la galerie 8+4, qui a su provoquer la rencontre artistique entre leurs univers. Une alchimie visuelle faite de lignes, de silences, et de résonances communes, sans jamais forcer le trait.

Tout part d’une photographie de l’île de Ponza prise par Bernard Plossu, vue par Pierre Buraglio lors d’une exposition chez Agnès B. Un dialogue s’amorce autour de souvenirs communs en Italie, notamment à Favignana, petite île sicilienne marquée par la pêche au thon et l’ombre de la mafia. Chacun puise dans ses carnets, ses tirages, ses rêves graphiques pour composer une narration en images, où l’île devient métaphore.

"Ce n’est pas une exposition théorisée, c’est une exposition ressentie", explique Bernard Plossu. C’est à travers leurs choix formels – le gris, la modération, le refus du spectaculaire – que les deux artistes se rejoignent. Pierre Buraglio parle de contrebasse acoustique pour définir leur art : discret mais précis, profond mais sans emphase. Bernard Plossu, lui, revendique la métaphysique du simple, à l’image d’une barque dessinée par Carlo Carrà : "la vie avec juste une barque et l’eau derrière".

"Je ne suis pas un photographe, je suis un poétographe", lâche Bernard Plossu, en résonance avec l’œil de cinéphile qui traverse ses clichés. Sa référence au Silence de Bergman ou à La nuit d’Antonioni en dit long sur l’influence visuelle du septième art sur son travail. De son côté, Pierre Buraglio cite Un condamné à mort s’est échappé de Robert Bresson et Shadows de John Cassavetes, insistant sur la musicalité des images et l’importance du son comme contrepoint narratif.

En parallèle de cette exposition, Bernard Plossu publie un nouveau livre d’images sur les îles bretonnes de Molène, Ouessant, Bréhat et Batz, qui mêle noir et blanc et tirages Fresson pastelisés. Pierre Buraglio présente quant à lui un coffret exceptionnel Chemin de croix édité à 30 exemplaires, composé de 15 planches et d’un dessin original, issu d’une commande pour la Trinité-des-Monts à Rome.

Exposition : Suivre Favignana
Artistes : Bernard Plossu & Pierre Buraglio
Lieu : Galerie 8+4, 13 rue d'Alexandrie, Paris 2e
Dates : Jusqu'au 20 décembre 2025
Entrée libre

Photographie: David Marmier pour la radio du cinéma

William Robin nous confie d’emblée son attachement au documentaire comme geste artistique à part entière : « On célèbre le documentaire tout au long de l’année, mais novembre devient une sorte de grand rattrapage émotionnel et politique. » Si le Mois du doc s’est historiquement enraciné dans les médiathèques, Sceni Qua Non fait le choix d’une programmation en salle payante, avec des exclusivités et surtout, des œuvres de création. « Il faut sortir le documentaire du carcan scolaire ou journalistique. Le documentaire, c’est du cinéma, exactement comme le reste. »

Thématique nationale de cette 26e édition, les métamorphoses irriguent la programmation : sociales, historiques, politiques… « On a voulu élargir au maximum. Nos films questionnent la société en mutation. C’est une matière vivante. » Dans la Nièvre, territoire rural et contrasté, les projections prennent un relief particulier. « Chaque salle a son identité, son public. On ne duplique pas la même soirée cinq fois. On invite les spectateurs à circuler, à créer leur propre itinéraire cinématographique. »

Premier choc annoncé : My Stolen Planet de Faranah Sharifi, précédé du court métrage Paris Téhéran de Daniel Barami. « Deux regards complémentaires sur l’Iran, à travers l’archive et l’intime. C’est bouleversant et poétique à la fois. » Autre film phare : We Blew It de Jean-Baptiste Thoret, présenté à La Charité-sur-Loire. « Ce film interroge la désillusion américaine, entre utopies mortes et retour de Trump. C’est d’une actualité brûlante. » Enfin, hommage à Richard Dindo avec Dani, Micci, Renato et Max : « Un documentaire rare sur les violences policières à Zurich dans les années 1980, projeté à Saint-Honoré-les-Bains. Une œuvre puissante, présentée par Clément Schneider. »

Le documentaire, pour William Robin, n’est pas qu’un vecteur de mémoire : « Il documente, oui, mais il questionne aussi. C’est un rempart contre l’oubli, mais surtout un outil pour penser autrement. » Des films comme Alliés et Saône-et-Loire, la ligne de démarcation interrogent l’Histoire avec rigueur et émotion. D’autres, comme Kanaky, Nouvelle-Calédonie, réactivent des luttes toujours vivaces. « La création est politique, et le documentaire le montre avec une acuité rare. »

Chez Sceni Qua Non, la projection est inséparable de la rencontre. « Inviter un réalisateur ou un spécialiste, c’est redonner de la chair au débat. C’est offrir aux spectateurs la possibilité d’un dialogue immédiat, incarné. » Un principe fondateur de l’association, que William résume ainsi : « La salle est un lieu de vie. C’est l’un des derniers espaces où l’on peut encore échanger librement. »

Face à l’infobésité et à la saturation des flux numériques, le documentaire opère en contrepoint : « Un documentaire de création prend du temps. Il porte un regard, pas une opinion. Il construit un récit. Là où les réseaux empilent les images, le documentaire les met en perspective. »

Après vingt ans d’existence, quel avenir pour le Mois du doc ? William Robin reste optimiste, mais vigilant : « Le public a compris que le documentaire, ce n’est pas du reportage. Reste à élargir encore. Amener le cinéma là où il ne va pas spontanément. On a planté des graines, maintenant il faut irriguer. »

En guise de synthèse, William Robin cite une image marquante : « Le documentaire transforme ce qui est juste une image en une image juste. » Tout est dit : dans la Nièvre comme ailleurs, le Mois du doc 2025 offre un prisme singulier pour lire le monde, à hauteur d’homme.

Du 1er au 30 novembre 2025 dans les salles participantes

Programme complet à retrouver sur moisdudoc.com

Initialement auto-produit, le film a été financé à plus de 50 % par un appel au don. Il a ensuite obtenu un partenariat avec Canal+, qui s’est engagé à soutenir financièrement le projet à hauteur de 350 000 €, débloqués après sa sortie en salle. Le budget total du film s’élève à 690 000 €.

Distribué à 228 copies sur le territoire français, Sacré Cœur s’inscrit dans une logique de diffusion semi-alternative. À titre de comparaison, le film « Regarde », sorti à la même période, a bénéficié de 609 copies.

Le choix de la date de sortie n’est pas anodin. L’idée de ce film est née à une période où les écrans et affiches de cinéma mettaient en avant des films d’épouvante aux thématiques sombres. « On était en octobre, avec tous ces films d’horreur sataniques, des croix inversées, des figures inquiétantes… On s’est dit : et si, dans tout ça, il y avait Jésus ? », explique Steven Gunnell.

Alors qu'une campagne de communication devait accompagner la sortie nationale, l’affiche du film a été refusée dans les gares SNCF et les stations de métro RATP. La régie publicitaire MediaTransports a motivé sa décision par écrit : « Une telle campagne revêt un caractère confessionnel et prosélyte incompatible avec le service de neutralité du service public qui lie nos opérateurs. »

Steven Gunnell, interrogé à ce sujet avait répondu : « Ce film s’adresse à tout le monde parce que c’est le patrimoine français, c’est l’Histoire de France, au même titre que Saint Louis, Jeanne d’Arc ou Grignion de Montfort. Nous avons voulu rendre amour pour amour. » en "contrepoids" de sorties comme The Black Phone 2, Les Intrus - Chapitre 2, Five Nights At Freddy's 2 ou le récent Conjuring..

Le film adopte une forme de docu-fiction : combinaison de reconstitutions avec comédiens, de scènes tournées dans des décors historiques, et d’interventions de témoins contemporains. Ce format, encore peu fréquent dans la production française, s’inspire des modèles anglo-saxons de type BBC.

Sacré Cœur revient sur les événements survenus à Paray-le-Monial en 1673, lorsqu’une religieuse, Marguerite-Marie Alacoque, a rapporté avoir eu des visions mystiques du Christ. Le film met en parallèle cette narration avec des témoignages modernes de personnes qui affirment avoir été marquées spirituellement par cette figure ou ce message.

Des séquences mettent en scène plusieurs profils issus de parcours variés : un ancien dealer, une ex-footballeuse professionnelle, un jeune atteint de maladie neuromusculaire ou encore un musicien. Tous relatent des expériences spirituelles personnelles. Le film ne cherche pas à valider scientifiquement ces récits mais à les exposer dans une logique de transmission.

Les réalisateurs, Steven et Sabrina Gunnell, viennent tous deux du monde du spectacle. Steven, ancien membre du groupe Alliage, a connu une période de notoriété dans les années 1990 avant de se reconvertir dans la production audiovisuelle. Sabrina a été comédienne de théâtre et a notamment collaboré avec Robert Hossein.

Depuis 2012, ils ont fondé la société de production KREA FILM-MAKERS, avec pour objectif de créer des œuvres inspirées par des parcours de vie, des figures historiques et des récits spirituels. Ils sont également à l’origine de plusieurs autres films documentaires dont Une seule chair, qui traite de la sexualité dans le cadre du mariage chrétien.

Depuis sa sortie, Sacré Cœur a suscité des réactions variées. Les spectateurs évoquent un film « émotionnellement fort », principalement pour ceux sensibles aux thématiques religieuses. Certaines projections ont donné lieu à des échanges avec les auteurs et les participants du film.

Le film s’adresse prioritairement à un public intéressé par les sujets spirituels et historiques liés au christianisme. Il adopte un ton explicite sur les thématiques de la foi, tout en intégrant des éléments de récit destinés à rendre le propos accessible au plus grand nombre. Il ne s’agit pas d’une enquête théologique ou historique au sens académique, mais d’un récit assumé comme subjectif, centré sur la transmission d’une expérience intérieure.

• Titre : Sacré Cœur : son règne n’a pas de fin
• Réalisateurs : Sabrina et Steven Gunnell
• Genre : Docu-fiction
• Durée : 1h52
• Production : KREA FILM-MAKERS
• Partenariat : Canal+, Europe 1
• Budget : 690 000 €
• Nombre de copies : 228
• Musique : Thierry Malet 
• Site officiel : sajedistribution.com/film/sacre-coeur

Pour fêter les 40 ans du film culte Retour vers le futur de Robert Zemeckis, un ciné-concert événement transportera les spectateurs dans l’univers de Marty McFly, le tout accompagné d’un orchestre symphonique dirigé par Nicolas Simon. Et pour la version française, un invité d'honneur s’impose : Luc Hamet, voix inoubliable de Michael J. Fox, qui partagera la scène pour trois soirées exceptionnelles.

À la question de savoir ce qu’il attend de cette nouvelle célébration, Luc Hamet répond sans détour : « Cette trilogie ne s’arrêtera jamais. Ce qui m’épate encore, ce sont les fans de 10 ans que je croise…» L’émotion est intacte, la surprise toujours vive devant cette œuvre devenue intergénérationnelle. Pour lui, l’univers de Doc Brown et Marty McFly touche à quelque chose de fondamental : « Ce sont des films exceptionnels, on ne pouvait pas imaginer à l’époque un tel engouement. »

À 22 ans, lorsqu’il double pour la première fois Marty McFly, Luc Hamet ignore tout du phénomène à venir. Mais il se souvient d’une époque bénie : « On avait une liberté totale. On pouvait adapter, proposer, improviser. On s’amusait. » Une époque où les voix françaises façonnaient les films, Francis Lax, Roger Carel, Richard Darbois… Un âge d’or où adaptation rimait avec création.

Quand on évoque l’IA capable de reproduire la voix d'un acteur dans n'importe quelle langue, Luc Hamet ne cache pas son inquiétude : « On déshumanise un métier qui repose sur le ressenti, les failles, l’émotion. L’IA fera peut-être du propre, mais où sera l’âme ? » Défenseur d’un doublage artisanal et incarné, il se dit heureux d’avoir arrêté sa carrière de doubleur à temps, avant que tout ne change : « Aujourd’hui, c’est une soupe… On colle à la VO à la virgule près. C’est triste. »

Au-delà de la DeLorean et du convecteur temporel, Retour vers le futur reste un film profondément humain : « Ce sont les valeurs qui comptent : la famille, les choix, l’identité. » Luc Hamet raconte comment, enfant, il aurait pu partir vivre aux Antilles, à cause d’un choix professionnel de son père : « Si mon père avait accepté, je serais devenu quelqu’un d’autre. C’est ce genre de questions que soulève le film. » Des thèmes universels qui résonnent encore aujourd’hui.

À 62 ans, Luc Hamet déborde d’énergie : « Je suis en mouvement permanent. Tant que je suis vivant, je fonce. » Comme son double de toujours, Michael J. Fox, dont il salue le courage face à la maladie. Il s’investit aujourd’hui dans d’autres projets, comme la création de son propre vin blanc en Charente-Maritime : « Ce sera modeste, mais qualitatif. Rendez-vous en 2027 pour la dégustation ! » 

Retour vers le futur – Ciné-Concert
???? Le Grand Rex, Paris
???? Du 22 au 24 octobre 2025
???? Musique jouée en live par le Yellow Socks Orchestra
???? Projection du film en version française, avec 20 minutes inédites d’Alan Silvestri
???? Présenté par Luc Hamet
???? Réservez vos places ici

Depuis la révélation de l’existence de Tilly Norwood, star virtuelle développée par Eline Van der Velden, la presse internationale s’emballe. The Guardian, The Hollywood Reporter, ou encore Le Monde décrivent un phénomène troublant : l’IA serait capable de générer une comédienne complète, avec voix, gestuelle et expressivité, inspirée de performances humaines… sans leur consentement.

« C’est la suite logique des avatars 3D développés dans la mode ou les réseaux sociaux. Mais là, c’est un franchissement de seuil », analyse Félix Balmonet. À la tête de Chat3D, une entreprise française spécialisée dans les outils IA pour la création 3D, il voit dans l’affaire Norwood un tournant préoccupant pour la création artistique.

« Aujourd’hui, il y a deux écoles », poursuit Félix Balmonet.. « Ceux qui veulent remplacer les humains, et ceux qui veulent les outiller. Nous, on est dans la seconde catégorie. 

Car contrairement aux studios à l’origine de Tilly Norwood, qui visent jusqu’à 90% de réduction de coûts en supprimant les cachets et les équipes, Chat3D intègre l’IA comme un compagnon créatif : « Nos outils s’intègrent dans les logiciels existants. C’est toujours l’artiste qui pilote. »

Le problème, selon lui, dépasse la question de l’emploi : « On ne sait même pas sur quoi l’IA de Tilly Norwood a été entraînée. Il y a une opacité totale. » Des soupçons pèsent sur l’utilisation non autorisée de vidéos d’acteurs réels pour nourrir les algorithmes. « Le respect du droit à l’image, du droit d’auteur, est mis à mal, notamment par certaines entreprises asiatiques très avancées sur le plan technologique. »

Le débat divise même les plus grands : George Miller voit l’IA comme une nouvelle Renaissance pour le cinéma, tandis que Emily Blunt s’inquiète publiquement de son usage excessif. Pour Félix Balmonet., la vérité est plus nuancée : « L’IA peut être un outil de liberté créative. Mais utilisée pour remplacer l’humain, elle devient problématique. »

Et de rappeler que des avancées similaires – comme la motion capture ou les VFX – avaient elles aussi suscité la crainte, avant de créer de nouveaux métiers. « Encore faut-il qu’on choisisse d’en faire un outil, pas une fin en soi. »

Lorsqu’on lui demande s’il accepterait de créer une nouvelle actrice IA pour une plateforme, la réponse est sans appel : « Ce n’est pas notre mission. On nous l’a déjà demandé, notamment en Asie, mais on a toujours refusé. » Une ligne rouge claire, mais jusqu'à quand ?

En contact régulier avec les écoles de création numérique, Félix Balmonet observe une inquiétude croissante chez les étudiants : « Beaucoup pensent que l’IA va les remplacer. Mais c’est faux. L’IA ne remplace pas un artiste : elle augmente un artiste qui sait l’utiliser. »

Un message qu’il martèle : l’avenir appartient à ceux qui embrassent la technologie avec discernement. Pourtant « Certains investisseurs refusent de financer des studios qui tournent le dos à l’IA. »

Alors que des outils comme Sora (développé par OpenAI) permettent déjà de générer des vidéos ultra-réalistes, la frontière entre réel et synthétique s’efface de plus en plus. Mais même les meilleures IA nécessitent encore du post-traitement : « Les productions les plus réussies passent toujours par des mains humaines pour finaliser les images. »

Un sursis ? Peut-être. Une opportunité ? Certainement, pour qui saura garder la main sur le récit.

Spécialisée dans l’intégration d’intelligence artificielle dans les pipelines de création 3D, Chat3D entreprise française, conçoit des solutions pensées pour accélérer la production tout en laissant la main aux créateurs. Destinée aux studios d’animation, aux développeurs de jeux vidéo ou aux professionnels des effets visuels, la plateforme propose des modules adaptables aux logiciels existants. Chat3D se distingue par une approche centrée sur l’utilisateur professionnel, avec des outils pensés pour optimiser les étapes répétitives sans automatiser le geste créatif. Plus d'infos : https://chat3d.ai

Un peu comme l'a fait David Serero avec David Marmier pour la radio du cinéma.

Tout commence avec un prix. David Serero, fondateur du Festival Napoléon, décide d’honorer Christian Clavier pour son rôle dans la série Napoléon (2002). L’acteur accepte, le contact est établi. « J’ai montré que j’étais là avec admiration et respect. Pas pour la blagounette » confie Serero. De ce premier échange naît une envie : filmer Clavier, vraiment.

C’est sur le tournage du film Jamais sans mon psy à Bruxelles que tout s’accélère. Le réalisateur prend son matériel, saute dans un avion, et rejoint l’équipe. « C’est très américain, j’y vais direct ! » Une confiance réciproque s’installe. L’acteur lève progressivement le voile sur ses méthodes, ses doutes, ses débuts.

Ce qui frappe d’emblée, c’est le ton. La Vis Comica n’est pas un portrait à l’ancienne avec archives figées et voix off sentencieuse. C’est un film vivant, rythmé, filmé comme une confession complice. Pour David Serero, « Ce documentaire est une masterclass à part entière. » Christian Clavier y dévoile les secrets de son jeu, l’importance du tempo comique, sa manie de connaître les répliques de ses partenaires, et cette obsession du rythme venue du théâtre.

Les anecdotes fusent, les interventions de proches comme Jean Reno, Didier Bourdon ou Philippe Lacheau enrichissent le récit. Une scène avec l’historien Jean Tulard sur FaceTime, complètement surréaliste, donne le ton : celui d’un film où l’on rit, s’étonne, apprend.

Mais La Vis Comica, c’est aussi des instants suspendus. Comme cette scène où Christian Clavier, pudique, parle les larmes aux yeux d’une figure féminine qui l’a marqué. Ou encore quand il rend hommage à son ami Michel Blanc. Ces moments, David Serero les capture avec délicatesse. Il ne force rien, il accompagne.

Le film est à l’image de son héros : vif, coloré, exigeant. Chaque plan pourrait être encadré, chaque séquence révèle une part méconnue d’un acteur que la France pensait pourtant bien connaître.

Chanteur lyrique, metteur en scène, acteur de théâtre, David Serero est un touche-à-tout habitué des plus grandes scènes internationales. Avec La Vis Comica, il affirme un peu plus encore sa patte cinématographique. « Je veux que mes documentaires ressemblent à des films. Et que mes pièces ressemblent à des documentaires. »

Il filme seul, monte, produit, écoute les retours du public, modifie en temps réel. Sa rigueur, son sens du cadre et son amour profond de ses sujets donnent à ses films une portée rare. Déjà salué pour ses travaux sur Christophe Rocancourt ou Hélène Grimaud, il continue de creuser ce sillon singulier, entre passion, technique et humanité.

Ce n’est pas un hasard si, lors de l’avant-première, plusieurs comédiens ont confié : « Ce film est une masterclass. » La Vis Comica est déjà appelé à devenir un support pédagogique, une référence dans les écoles de théâtre et de cinéma. Il transmet ce que peu d’acteurs ont pris le temps d’expliquer : l’art de faire rire avec précision, la rigueur derrière la légèreté.

La Vis Comica - Christian Clavier est actuellement en tournée dans les salles de cinéma indépendantes en France. Des projections avec présence de David Serero sont régulièrement organisées. Le film devrait ensuite être disponible sur plusieurs plateformes de streaming courant 2026. Suivez l’actualité du film sur le site officiel de David Serero.

Photographie de David Marmier pour La Radio du Cinéma

Rien ne prédestinait Cyril Morin à la musique de film. S’il débute jeune comme guitariste et touche à la chanson, c’est dans le creuset du studio qu’il se révèle : « J'ai réalisé que ce que j'aimais, c'était créer en permanence. » Formé au conservatoire mais influencé par la pop et le rock des seventies, il perfectionne son langage musical aux côtés du chef d’orchestre Sergueï Tchelibidak. C’est alors qu’il comprend que sa voie est ailleurs : raconter des histoires, avec la musique comme langage.

« Je suis un storyteller », affirme-t-il avec conviction. Chaque projet débute par une image mentale, « une sculpture musicale » qu’il façonne avant même de toucher à ses claviers. « Je n’ai aucune méthode. Chaque film est une page blanche », explique-t-il. De Samsara à Borgia, son inspiration puise dans les mots du réalisateur, le scénario et les premières images. Un triangle d’énergie qui le propulse dans un univers à inventer, à ressentir, à traduire en sons.

Son aventure le mène aux États-Unis où il compose pour le cinéma indépendant tout en multipliant les collaborations iconiques. De Mirwais (producteur de Madonna) à Kery James, des studios de U2 à des chanteuses indiennes ou israéliennes, Cyril Morin navigue entre cultures et styles, toujours avec la même curiosité insatiable. « J’ai besoin de me nourrir de ce que je ne connais pas encore. »

Polyglotte musical, il compose pour plus de 200 films dans une trentaine de pays. Pourtant, sa notoriété reste plus affirmée à l’international qu’en France. D’où la nécessité de cette compilation anniversaire, 25 Years of Soundtracks, comme un manifeste artistique. Un album qui réunit, raconte et projette à la fois. Car « chaque musique est une histoire, un fragment de vie », assure-t-il.

Face à l’émergence de l’intelligence artificielle, Cyril Morin reste serein : « L'IA travaille avec le passé, les artistes avec l'avenir ». Pour lui, ces outils sont des aides, jamais des remplaçants. « La part créative doit rester sous le contrôle du créateur. » Une vision pragmatique et poétique qui résonne comme un appel à la singularité.

Sortir un disque physique aujourd’hui, c’est presque un geste politique. Pour Cyril Morin, c’est une manière de « matérialiser le travail », mais aussi de résister à l’évaporation numérique. « Le MP3 a tué nos oreilles. Il faut revenir au son, au vrai, à la dynamique. » Dans sa collection personnelle : vinyles, Blu-Ray, DVD, CD. Comme autant de preuves sensibles et durables d’une vie de création.

Son film de chevet ? Le Parrain. Son premier choc musical ? Maurice Jarre. Son mantra ? Une citation de Jean Gabin : « Pour faire un bon film, il faut trois choses : une histoire, une histoire, une histoire. » Tout est dit.

La compilation 25 Years of Soundtracks de Cyril Morin est disponible sur toutes les plateformes de streaming ainsi qu'en CD et vinyle. 

Photographie: David Marmier pour la radio du cinéma

De cette rencontre artistique est née une exigence morale : « son intransigeance, sa rigueur, sa droiture m’ont accompagnée ». À l’époque du tournage, l’actrice s’était métamorphosée – jusqu’à plusieurs heures de maquillage par jour – pour approcher au plus près le visage, la voix, les gestes de la femme d’État. Un rôle-guidon qui continue d’irriguer ses choix.

Dans “C’était mieux demain”, le personnage d'Hélène qu'elle incarne débute « contrite, frustrée, peut‑être empêchée », enfermée dans les codes des années 50. Le film imagine alors une bascule temporelle vers 2025 : l’héroïne découvre un monde où l’émancipation est possible et où les droits, conquis de haute lutte, deviennent leviers. Elsa Zylberstein le résume ainsi :

À ses côtés, Didier Bourdon forme un duo de comédie terriblement contemporain, capable de faire surgir aussi bien la nostalgie que la curiosité pour notre siècle. On pense à ces fables qui s’autorisent le voyage temporel pour mieux éclairer le présent : un dispositif ludique, au service d’une vraie question : que signifie « devenir soi » ?

« Je lis, je regarde tout », explique-t‑elle à propos de sa méthode. Le discours trouve un écho dans sa préparation pour Simone : huit mois de recherche, gestes incorporés, souffle travaillé, et cette volonté « de ne pas garder mon visage ». Ce goût du détail nourrit aussi Hélène : l’écoute, la précision, l’humour au bord des lèvres. Résultat : un personnage dont l’arc émotionnel s’ouvre, scène après scène, comme une porte qu’on n’osait pas pousser.

Film : C’était mieux demain (France, 1h43).
Réalisation : Vinciane Millereau.
Avec : Elsa Zylberstein, Didier Bourdon.
Sortie nationale : 8 octobre 2025.

Interrogé par Patrice Caillet sur La Radio du Cinéma, Guillaume Evin ne cache pas son admiration : « Robert Redford, c’était le visage d’un idéal démocratique. Une Amérique humaniste, lucide, engagée. » Dans son livre publié chez Casa Éditions en 2023 toujours disponible, il déploie avec finesse un portrait à facettes : l’acteur, bien sûr, mais aussi le réalisateur, le producteur, l’activiste écologique et le fondateur du Festival de Sundance.

Robert Redford, c’est une époque dorée d’Hollywood. « Il aura toujours entre 30 et 40 ans pour nous », résume Guillaume Evin, citant une décennie mythique entre 1969 et 1976, de Butch Cassidy and the Sundance Kid à Les Hommes du président, en passant par L’Arnaque, Gatsby le Magnifique, Les Trois jours du Condor ou encore le western écologique Jeremiah Johnson.

Ce dernier est particulièrement évocateur : « Un film de survie, de solitude, où l’homme vit en harmonie avec la nature et les peuples autochtones… bien avant The Revenant de Leonardo DiCaprio. »

Comme Jane Fonda ou Marlon Brando, Robert Redford s’est engagé très tôt pour des causes sociétales : défense des Amérindiens, écologie, droits civiques. Il délaisse peu à peu le clinquant de Los Angeles pour vivre sept mois par an dans les montagnes de l’Utah. Là, il fonde Sundance, une utopie pour le cinéma indépendant.

« Il a permis à Quentin Tarantino, Steven Soderbergh, les frères Coen ou encore Jim Jarmusch de faire leurs premiers pas », rappelle Guillaume Evin. Une véritable pépinière de talents nourrie par un idéal : faire émerger des voix singulières, loin des logiques de studio.

Le livre, chronologique mais non conventionnel, dresse un panorama complet de la carrière de Robert Redford : près de 70 films entre les années 1960 et 2010, autant d’occasions de regarder l’Amérique en face. « Ce n’était pas qu’Out of Africa ou Et au milieu coule une rivière. Il fallait montrer l’ampleur du parcours », insiste l’auteur.

Robert Redford s’est éteint à l’âge de 89 ans dans sa maison de Sundance, loin de l’agitation hollywoodienne. « Il a vécu comme il a tourné : simplement, librement. » Cette liberté, mot-clé de sa vie et de son œuvre, résonne encore dans chaque page du livre de Guillaume Evin.

Un livre qui, comme ses films, donne envie de croire que le cinéma peut être plus qu’un divertissement : un engagement, une vision, une promesse d’avenir.

• Parution : 2023
• Prix : 36,95 €
• Disponible en librairie et sur les plateformes en ligne
• Plus d’infos : Page officielle du livre

Malgré les qualités que l'on peut aujourd’hui reconnaître aux années 50 — stabilité, soin du lien social, valorisation du travail bien fait — il serait dangereux d’en faire un « âge d’or ». Derriere cette harmonie apparente, une grande partie de la population vivait marginalisée, silencée ou enfermée dans des rôles rigides : les femmes cantonnées à la sphère domestique, les sexualités dissidentes réprimées, les identités minoritaires invisibilisées.

Ce regard critique est précisément ce que propose C’était mieux demain, en révélant les illusions du passé et les désillusions du présent. Il ne s’agit pas de trancher entre « hier » et « aujourd’hui », mais d’interroger notre rapport au temps, à la mémoire, à ce que nous voulons vraiment conserver ou transformer. Car peut-être que la meilleure époque, ce n’est ni celle d’hier ni celle de demain — mais celle que l’on choisit de construire collectivement, à partir d’un regard lucide sur les deux.

Hélène, Michel, deux enfants, une maison et l'insouciance d'une France d'avant la Vème République. Le quotidien d'un couple bien installé, jusqu'à ce que... "une machine à laver gagnée avec les points Bonux", ouvre une faille temporelle. Et voilà toute la famille projetée en 2025. Fini la ceinture paternelle, place à la carte bleue et aux maisons connectées.

Le couple atterrit dans un monde nouveau : Hélène est devenue patronne, Michel au chômage, et les enfants... méconnaissables. Didier Bourdon incarne avec subtilité ce "père fouettard dépassé par l'époque" qui se découvre vulnérable et attendrissant. À ses côtés, Elsa Zylberstein campe une Hélène en émancipation, qui passe de la robe cintrée à la veste-pantalon sans renier son passé.

"C'était mieux demain" est une comédie sur les illusions du passé et les désillusions du présent. Vinciane Millereau refuse les raccourcis : "Je ne voulais juger aucune époque. Ni idolâtrer les années 50, ni encenser 2025. C'est un film sur le couple et la transmission."

À travers leurs parcours croisés, Elsa Zylberstein et Didier Bourdon donnent à voir toute la complexité de l'évolution sociale. De la peur de la liberté à l'émancipation, de la perte de repères à la reconstruction, C'était mieux demain parle d'amour, de transmission, de renoncements et de réinventions. Et ce sans jamais tomber dans le didactisme ou le pathos.

La mise en scène, assumée comme une sorte de conte, permet une liberté de ton jubilatoire. "Je voulais que les années 2025 soient filmées comme un film d'horreur vu par ceux qui arrivent des années 50", s'amuse Vinciane Millereau. Ce décalage de regard, c'est tout le charme de cette comédie douce-amère.

• Titre : C'était mieux demain
• Réalisation : Vinciane Millereau
• Scénario : Vinciane Millereau & Julien Lambroschini
• Avec : Elsa Zylberstein, Didier Bourdon
• Genre : Comédie sociétale, voyage dans le temps
• Durée : 1h40
• Distribution : UGC Distribution
• Date de sortie : 8 octobre 2025
• Produit par : Mon Voisin Productions, Arena Films, UGC
• Format : Couleur, 1.85, 5.1
• Visa CNC : 158.465

Sortie en salle : 22 octobre 2025

« Il n’y a pas de méchant dans le film. Juste des êtres qu’il faut apprendre à connaître. » Antoine Lanciaux signe avec Le Secret des mésanges un conte d’animation poétique, entièrement réalisé en papier découpé. Un travail artisanal rare, porté par une équipe fidèle et passionnée, qui redonne au mot “film d’auteur” toute sa noblesse.

Lucie a neuf ans. Sa mère est archéologue. Et cet été-là, au cœur de la campagne où elle a grandi, la petite fille mène sa propre enquête, à la recherche d’un secret de famille enfoui. Voilà pour le point de départ du nouveau long-métrage d'Antoine Lanciaux, cinéaste à la sensibilité fine et au goût prononcé pour la transmission.

Dans cette quête intime, les silences parlent autant que les mots, et les mésanges — véritables messagères dans le film — accompagnent l’héroïne avec la délicatesse de fées bienveillantes.

« Je suis un artisan plus qu’un artiste. » Cette phrase d’Antoine Lanciaux résume l’essence même du projet. À mille lieues des blockbusters animés générés en 3D, Le Secret des mésanges est un hommage vibrant à l’animation en papier découpé, une technique patiemment travaillée au sein de l’atelier Folimage.

« Les personnages sont animés comme des pantins, comme ceux qu’on fabriquait enfants, sauf qu’ils ont été animés image par image, à raison d'une journée de travail pour 6 secondes de film. » Ce temps long, revendiqué, offre au film une texture rare, presque tactile. Chaque geste est chorégraphié, chaque plan habité.

Dès les premières secondes, le spectateur habitué aux images de synthèse est déstabilisé par l’esthétique singulière du découpage papier. Cette technique artisanale, rare à l’ère du tout-numérique, capte l’œil par sa précision et sa texture tangible. Mais très vite, l’attention bascule : l’animation cesse d’être perçue comme un procédé visuel, pour se fondre au service du récit, et finalement absorber le spectateur dans le déroulement narratif.

Parmi les nombreuses couches poétiques du film, une chanson : La mauvaise réputation de Georges Brassens. « J’ai appris la guitare avec Brassens », confie Antoine Lanciaux. Ce lien personnel infuse le film tout comme le décor inspiré par la Drôme où réside le réalisateur.

Comme dans la chanson, le film célèbre ceux qui marchent à contre-courant, les figures marginalisées. Et pose une question essentielle : comment vivre ensemble ?

Pas de figure maléfique ici. « Je m’impose de raconter des histoires sans méchant », explique Antoine Lanciaux. Une posture presque radicale à l’heure du manichéisme narratif omniprésent. Pour lui, les enfants peuvent comprendre la complexité du monde sans qu’on leur serve des gentils et des méchants tout désignés.

Le film devient alors un apprentissage de la nuance, de l’écoute, de l’altérité. Un miroir pour petits et grands.

Depuis qu’il les anime, Antoine Lanciaux ne regarde plus les mésanges de la même manière. Et nous non plus. « Ce sont comme des petites fées qui veillent sur nous », glisse-t-il avec émotion. En toile de fond, une réalité plus sombre : la fragilité de ces oiseaux, menacés comme tant d’autres espèces.

Sans appuyer le propos, Le Secret des mésanges nous invite à ralentir, observer, ressentir. À faire du cinéma un lieu d’éveil, de douceur et de partage.

Malgré les obstacles de production, Antoine Lanciaux ne s’est jamais arrêté. Il planche déjà sur deux nouveaux projets, toujours en papier découpé, dont l’un co-signé avec son complice Pierre-Luc Granjon. « Un film en appelle un autre. Et si celui-ci touche son public, on pourra continuer. »

• Titre : Le Secret des mésanges
• Réalisation : Antoine Lanciaux
• Scénario: Antoine Lanciaux et Pierre-Luc Granjon
• Technique : Animation en papier découpé
• Date de sortie : 22 octobre 2025
• Production : Folimage
• Gebeka Films Distribution France Télévision Distribution Internationale Distribution Exports

Le Secret des mésanges sera distribué en salle à l’automne. En attendant, guettez les mésanges autour de vous : elles ont peut-être un secret à vous souffler.

Premiered at the Santa Barbara International Film Festival and the HollyShorts Film Festival, And Now I Lay Me Down is a dazzling and bittersweet short film by Rani DeMuth, starring Jane Kaczmarek as a once‑famous soap actress spiraling through a surreal, single day. In her conversation with La Radio du Cinéma, DeMuth reveals the heartbreak, humor, and personal pain that gave birth to her pink‑hued cinematic dream.

Celia Dalvi is big, brash, and unpredictable—sometimes mistaken for mentally ill. But DeMuth insists there’s power in her messiness. “The film explores what happens after stardom, after relevance,” she says. “It's about someone trying to matter again.”

Shot in Jane Kaczmarek’s real home, the film echoes the immersive style of Chantal Akerman’s Jeanne Dielman. “You read into every glance. It’s like a window into her soul,” says DeMuth. “Then at the end, you reevaluate everything—like The Sixth Sense.”

“Tone was my biggest challenge,” DeMuth admits. Humor, used right, “can make heavy themes more digestible.” One moment of grief is interrupted by Celia’s comically bad Spanish—a real, spontaneous beat that avoids melodrama.

Kaczmarek not only stars but lent her house. “That kind of generosity is rare,” says DeMuth. Credited as executive producer, “she had her hands all over this film—in the best way.”

“Pre-Barbie,” DeMuth laughs. Bubblegum pink, reds, purples—a dreamy, feminine palette inspired by Valentine’s candy and Wes Anderson. Despite limitations, her production designer Vanessa Leaska made the vision real.

After losing part of her nose to cancer in 2022, DeMuth found healing in creating Celia’s story. “It’s not me,” she says, “but there’s a reason I wrote it.”

And Now I Lay Me Down (27 mins) led to her feature debut, To the Line, a dark comedy about an eccentric mother who disrupts her family's life. Casting is now underway.

Présenté au Festival international du film de Santa Barbara et au HollyShorts Film Festival, And Now I Lay Me Down est un court-métrage flamboyant signé Rani DeMuth, avec Jane Kaczmarek (la maman de Malcolm) dans le rôle d’une star de soap déchue, embarquée dans une journée absurde et touchante. Dans une interview accordée à La Radio du Cinéma, la réalisatrice évoque ses blessures intimes et sa vision pop du chaos existentiel.

Celia Dalvi est excessive, instable, presque dérangeante. « Le film parle de ce qui arrive après la gloire, après la reconnaissance », explique DeMuth. « Comment on tente de redevenir visible. »

Tourné chez Jane Kaczmarek, le film s’inspire de Jeanne Dielman de Chantal Akerman. « Je voulais qu’on lise chaque détail, chaque interaction. Puis, à la fin, qu’on revoie tout différemment. »

La scène la plus triste ? Brisée par une phrase en espagnol prononcée dans un accent improbable. « Ça venait d’un vrai moment. C’est ce qui empêche la scène de sombrer dans le pathos. »

Kaczmarek offre sa maison comme décor principal. « Une telle générosité est rare. Elle méritait amplement le titre de productrice exécutive. »

Avant même l’écriture, Rani voit des couleurs : rose bonbon, rouge, violet. « Un clin d’œil à Wes Anderson. » Grâce à la cheffe déco Vanessa Leaska, cette vision pop devient réelle malgré les contraintes du décor.

En 2022, Rani perd une partie de son nez à cause d’un cancer de la peau. Le film est né de ce choc. « Ce n’est pas moi, mais il y a une raison pour laquelle je l’ai écrit. »

And Now I Lay Me Down (27 min) a permis à DeMuth de lancer son premier long-métrage, To the Line, une comédie noire sur une mère excentrique. Le casting est en cours.

Shot in the very elementary school he once attended, RECESSES is a deeply personal short film by Dylan Trupiano that merges childhood memories, trauma, and social commentary into a haunting visual narrative. Selected for the Oscar-qualifying HollyShorts Film Festival, it was premiere on August 14th in Los Angeles. “I hope teachers feel seen through this film,” Trupiano told Jenna Suru for La Radio du Cinéma.

Inspired by his upbringing in Michigan winters, Trupiano's film compensates for a snowless shoot by digitally adding snow—both on the ground and floating subtly in key scenes. “Snow mirrors repressed emotions,” he says. The result is not just a visual effect, but an emotional layer that envelops the film's themes.

Though RECESSES is set in the heart of the American Midwest, its cinematic language draws from international auteurs like Claire Denis, Lucrecia Martel, and Lynne Ramsay. “I wanted to film my home with an outsider’s gaze,” Trupiano explains. This stylistic detour elevates the local to the universal and offers a fresh take on American settings.

From its cast and crew to the location itself, RECESSES is grounded in personal history. “Film what you have access to,” Trupiano advises young filmmakers. The project was made possible through collaboration with friends, echoing a grassroots spirit that imbues every frame.

Beneath its icy tone, RECESSES is a heartfelt homage to educators—especially those in the public school system, often undervalued and overworked. Trupiano, the son of a teacher, channels their collective experience into a story that’s both specific and resonant.

• RECESSES, directed by Dylan Trupiano

• HollyShorts Film Festival (Oscar-qualifying)

• August 14th, TCL Chinese Theatre, Auditorium #6

• More info on HollyShorts___________________________________________________________________________________________________________________________________________

  RECESSES : les traumatismes de l’enfance

• Réalisé dans son ancienne école primaire, RECESSES de Dylan Trupiano explore, avec une pudeur glaçante, les douleurs d’enfance passées sous silence. Lauréat du Panavision New Filmmaker Grant, le court-métrage a été projeté le 14 août 2025 au festival HollyShorts. « Je voulais que les enseignants se sentent vus », confie Dylan Trupiano au micro de Jenna Suru pour La Radio du Cinéma.

  Dans la cour des grands

  Tourné en plein Michigan, au cœur de l’hiver, mais sans la moindre trace de neige au sol — une ironie que le réalisateur a corrigée en post-production grâce aux talents du superviseur VFX Keenan Macquarie — RECESSES est un court-métrage personnel et engagé. Dylan Trupiano y convoque son propre passé pour aborder, avec une retenue bouleversante, les thèmes de l’abus, du traumatisme et du rôle méconnu des personnels scolaires.

  « La neige, c’est le reflet d’émotions gelées », explique-t-il à Jenna Suru. Ce choix esthétique n’est pas qu’un artifice visuel : il devient une matière narrative, une métaphore du silence qui entoure les douleurs enfouies.

  Une caméra étrangère sur une terre natale

  Si RECESSES se déroule dans le Midwest américain, il est filmé avec un regard presque européen. Dylan Trupiano revendique l’influence de Claire Denis, Lynne Ramsay ou encore Lucrecia Martel. Un choix assumé, loin du naturalisme conventionnel : « Je voulais que le spectateur international ressente mon attachement personnel à ces lieux, tout en les découvrant avec un œil neuf. »

  Ce regard distancié offre une lecture subtile de l’Amérique profonde, loin des clichés, portée par une photographie glacée co-signée avec la chef opératrice CC Chan et validée par la productrice Paige Brady, elle aussi originaire du Michigan.

  Le pouvoir du collectif et du local

  Tourné dans son ancienne école, avec l’aide de proches et d’amis passionnés de cinéma, RECESSES rappelle qu’il est possible de créer un cinéma puissant à partir de ses racines. « Plutôt que viser trop haut, filmez ce qui est autour de vous », conseille Dylan Trupiano aux jeunes cinéastes.

  Cette philosophie artisanale irrigue chaque plan, chaque silence du film, sans jamais tomber dans l’impudeur.

  Donner une voix à ceux qu’on n’écoute pas

  Au-delà de l’intime, RECESSES est un plaidoyer pour celles et ceux qu’on oublie trop souvent : les enseignants, les secrétaires, le personnel scolaire. « Aux États-Unis, on demande à nos professeurs plus qu’ils ne peuvent donner, sans les remercier pour autant », déplore le cinéaste.

  Inspiré par le parcours de son père, instituteur, Dylan Trupiano rend hommage à ces figures éducatives trop souvent reléguées à l’arrière-plan. Son film leur donne enfin la parole.

• • RECESSES, un film de Dylan Trupiano

  • Durée : court-métrage

  • En compétition à HollyShorts Film Festival

  • Projection : 14 août 2025, TCL Chinese Theatre, Los Angeles

  • Plus d'infos sur Dylan Trupiano sur IMDb

“We’re not here to point fingers — we’re here to point to the light.” With these powerful words, director Emmai Alaquiva captures the soul of The Ebony Canal, a deeply poetic and urgent short documentary exploring maternal health disparities impacting Black women in the United States. In an interview conducted by journalist Jenna Suru for La Radio du Cinéma, Alaquiva and executive producer Brenda Gilbert take us behind the scenes of this cinematic journey, narrated by Viola Davis, and elevated by impactful collaborations with Keke Palmer, Charles Johnson, and more. A film that doesn’t accuse — it amplifies. That doesn’t condemn — it connects.

Over two and a half years, Alaquiva followed the birthing journeys of four Black women, embedding his camera in their most vulnerable and powerful moments. The film weaves these stories with insights from doulas, midwives, doctors, and activists like Charles Johnson and Elaine Welteroth—highlighting not just the problems, but the people creating solutions.

In the U.S., Black women are three times more likely to die during childbirth than white women. Black infants are 2.4 times more likely to die before their first birthday. "We needed to see it, to do something about it," says Alaquiva. The Ebony Canal was born from that need.

Brenda Gilbert, executive producer and co-founder of Bron Studios, emphasizes that The Ebony Canal stands at the crossroads of policy, advocacy, and art. "The artistic dimension draws you in," she notes. "You stay for the fight."

Shot in black and white, with carefully chosen color sequences and an evocative score, the film is as aesthetically rich as it is emotionally potent. As Gilbert puts it, "It enhances the message. It makes it more beautiful, more human."

"We’re not here to blame doctors or nurses," Alaquiva insists. "We’re here to uncover the hurt, reveal the healing, and commit to the hope." With high-profile collaborators like Keke Palmer (who interviewed Kamala Harris for the film), the project aims to amplify voices long ignored.

At the heart of the film lies the word "Advocare"—Latin for "to amplify." This is not just a film, Alaquiva reminds us. It’s a movement.

One striking element in The Ebony Canal is its emphasis on fathers. "When dads are present in delivery rooms, survival rates jump by up to 39%," Alaquiva shares. That’s why the film includes a dedicated segment on Black fatherhood—showing that support isn't just emotional, it's statistically vital.

Doulas, midwives, neighbors—this web of care is central to the film’s solution-driven narrative. “Midwifery is clinical. Doulas are your aunties, your sisters, your emotional lifelines,” he adds.

Viola Davis discovered the film through a 3-minute trailer. Her reaction? "Clear my calendar." An EGOT winner, Davis didn’t hesitate to lend her voice to a project that aims to move hearts—and mountains. "If she can pause The Woman King, the rest of the world can pay attention too," Alaquiva says.

Already awarded at festivals and screened in South Africa, The Ebony Canal is not an American problem—it’s a global one.

"Support is free," Alaquiva reminds us. So is amplification. The Ebony Canal is more than a title—it's a metaphor for connection, from one life to another. Join the journey.

Film Duration: Short documentary
Narration: Viola Davis
Follow: @TheEbonyCanal on Instagram, TikTok, YouTube, and LinkedIn

VERSION FRANÇAISE

« On ne veut pas pointer du doigt, on veut pointer la lumière. » C’est avec ces mots forts que le réalisateur Emmai Alaquiva résume l’intention de The Ebony Canal, un court métrage documentaire coup de poing qui explore, avec poésie et urgence, la santé maternelle des femmes noires aux États-Unis. Dans une interview menée par Jenna Suru pour La Radio du Cinéma, le cinéaste et la productrice exécutive Brenda Gilbert reviennent sur les origines et les combats qui irriguent ce film essentiel, narré par Viola Davis et porté par des collaborations puissantes — de Keke Palmer à Charles Johnson. Une œuvre qui bouscule, rassemble, et donne voix à celles qu’on n’entend pas assez.

Pendant deux ans et demi, Emmai Alaquiva a suivi le parcours de quatre femmes noires pendant leur grossesse. Leur expérience intime s’entrelace avec les paroles d’experts : médecins, sages-femmes, doulas, activistes comme Charles Johnson ou Elaine Welteroth.

Aux États-Unis, une femme noire a trois fois plus de risques de mourir en couche qu’une femme blanche. Un bébé noir a 2,4 fois plus de chances de mourir avant son premier anniversaire. The Ebony Canal est né de l’urgence de briser ce silence.

Pour Brenda Gilbert, productrice exécutive, l’art est indispensable. « Ce film incarne un rare mélange d’art, de politique et de plaidoyer. » Tourné en noir et blanc, avec des touches de couleur symboliques et une bande-son émouvante, The Ebony Canal est autant une expérience visuelle qu’un manifeste.

« Ce n’est pas un film contre les soignants. C’est un film pour découvrir les blessures, guérir, et surtout, espérer », affirme Emmai Alaquiva. En tête d’affiche, Keke Palmer interviewe Kamala Harris. Ensemble, ils donnent une voix à celles qu’on n’écoute jamais.

Le mot clé ? Advocare, racine latine d’« advocate » : amplifier. Ce film est une onde, un cri collectif.

Fait marquant : la place accordée aux pères. « La présence d’un partenaire à l’accouchement augmente de 39 % les chances de survie. » Le documentaire rend hommage à ces figures souvent invisibles, mais vitales.

Entre sages-femmes et doulas, le réseau de soutien devient une force. « La doula, c’est la tatie qui te tend un verre d’eau pendant les contractions. »

Dès qu’elle a vu la bande-annonce, Viola Davis a dit : « Je dégage mon agenda. » Elle a rejoint le projet sans hésiter. Lauréate d’un EGOT, sa voix porte haut le message du film.

Multi-primé, projeté en Afrique du Sud, The Ebony Canal est devenu un signal mondial. Une onde de choc poétique.

« Il faut sauver au moins une mère. Un bébé. Alors on aura gagné. » The Ebony Canal est une invitation à l’action, un appel à se faire héros du quotidien. Et ce, sans cape.

Format : court métrage documentaire
Narration : Viola Davis
Suivre le projet : @TheEbonyCanal sur Instagram, TikTok, YouTube, LinkedIn

Fresh off wins at Toronto Horror Film Festival (Best Director) and Calgary Horror Con (Best Horror Short), A Good Death by filmmaker Kaz PS lands at the 2025 HollyShorts Film Festival in Los Angeles. A BAFTA and Oscar-qualifying event, HollyShorts is showcasing the 11-minute short in its prestigious lineup, alongside titles executive produced by Cate Blanchett, Spike Lee and Issa Rae.

Starring Stefanie Estes, Tracie Thoms and Jenny O’Hara, this horror tale leans heavily into what Kaz PS cheekily calls “high femme gothic horror” — think grandma’s lace curtains, antique tea sets… and something sinister lurking behind every floral detail.

“We wanted a world where frills and dread coexist,” the director explains. “It’s gothic, delicate, and dangerous.”

The film follows Amalia, a devoted death doula, entering a seemingly routine job caring for an elderly woman in her final hours. But as the hours tick by, unease creeps in. “It’s a horror story, yes — but it’s also about how we try to outrun grief,” Kaz PS notes. “And how, when we do, it comes back in ways we never expect.”

In many ways, A Good Death builds on the cinematic lineage of Hereditary and The Babadook, blending real emotional trauma with supernatural tension. Kaz PS weaves silence, dementia, and complicity into a tight, unsettling narrative, never spoon-feeding the audience.

As a director deeply attuned to feminist genre shifts, Kaz PS is keen to move beyond the trope of the “final girl”.

“The horror genre is evolving,” she says. “It’s no longer about the virgin surviving. Now, we want flawed, layered women at the centre — not as victims, not as saints, but as people.”

That complexity resonates in Amalia’s character, who offers compassion to others while ignoring her own deep wound — the loss of her mother. Her avoidance of grief becomes her blind spot, one that the story turns into its most horrifying twist.

While A Good Death does dabble in VFX — particularly for a red-toned nightmare sequence — Kaz PS emphasises the craft of physical effects. One memorable shot, of women eerily floating with their toes grazing the floor, was done practically with a custom-built rolling bench. “It took a whole day to shoot two seconds,” she laughs.

From light manipulation to silent performances, every aspect of the film serves its dual tone: intimate and terrifying.

A Good Death
Screening at HollyShorts Film Festival 2025
August 7–17, 2025 | TCL Chinese Theatres, Hollywood, CA
Listen to the full radio interview soon on La Radio du Cinéma
Watch on Bitpix – worldwide access available during the festival window

For film lovers craving smart, stylish horror that feels both handmade and heartfelt, A Good Death is a must-watch. As Kaz PS reminds us with a wink:

“If a situation feels weird — just leave. But if people did that, horror movies would be really short.”

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Fraîchement récompensé du Best Director au Toronto Horror Film Festival et du Best Horror Short au Calgary Horror Con, le court-métrage A Good Death réalisé par Kaz PS s’impose comme l’une des sensations du HollyShorts Film Festival 2025, événement qualificatif aux Oscars et aux BAFTA.

Porté par Stefanie Estes, Tracie Thoms et Jenny O’Hara, ce récit d’horreur s’inscrit dans une esthétique rare et délicieusement inquiétante que la cinéaste revendique avec humour : « une horreur gothique en dentelle ».

« On a voulu un monde où la frilosité victorienne se marie à la peur viscérale », confie Kaz PS. « C’est gothique, féminin, et effrayant. »

Le film suit Amalia, une death doula (accompagnante de fin de vie) envoyée au chevet d’une femme mourante. Mais plus le temps passe, plus l’atmosphère s’assombrit. A Good Death joue alors sur les codes du fantastique, tout en interrogeant le rapport intime au deuil.

« Le deuil, on essaie de l’éviter à tout prix. Mais si on ne le traverse pas, il revient autrement — souvent bien pire », explique la réalisatrice.

Une idée qui évoque des œuvres comme The Babadook ou Hereditary, où l’horreur surnaturelle est le masque d’un traumatisme très réel.

Avec A Good Death, Kaz PS déconstruit le mythe de la “final girl” typique des films d’horreur — jeune, vierge, blonde, et sauveuse malgré elle.

« On veut des femmes imparfaites, complexes, faillibles. Pas des icônes sacrées à sauver. »

Amalia n’est ni héroïne ni victime. Elle est humaine. Et c’est précisément ce qui rend le récit aussi troublant : elle aide les autres à bien mourir, tout en refusant de faire face à sa propre perte.

Certaines séquences comme le “monde rouge” ont nécessité un recours aux effets numériques après un tournage trop “plastique”. « Heureusement, notre artiste VFX a sauvé la séquence », raconte Kaz PS. D’autres effets, eux, sont 100 % pratiques, comme la scène où les femmes flottent, tournées sur un banc roulant fait maison.

« Une journée de tournage pour deux secondes à l’écran. Mais le résultat en valait la peine. »

A Good Death
Réalisation : Kaz PS
Avec : Stefanie Estes, Tracie Thoms, Jenny O’Hara
Durée : 11 minutes 13
Tourné à Los Angeles
Sélectionné au HollyShorts Film Festival 2025
Du 7 au 17 août | TCL Chinese Theatres, Hollywood
Diffusion mondiale sur Bitpix

What if the most enchanting mermaid turned out to be the most dangerous? In The Pearl Comb, premiering at the HollyShorts Film Festival, Ali Cook dives deep into the darker origins of this mythical sea creature. "What interested me was showing a man who resists the siren's call to return home for supper with his wife," the director confides. A beguiling short where monsters might not be who you expect.  an interview conducted by Jenna Suru

When Sirens Bite Back: Ali Cook Reclaims the Mermaid in The Pearl Comb

With The Pearl Comb, Ali Cook plunges us into a misty Victorian world where folk horror meets feminist period drama. Shot in the Cornish port town of Penzance, the short film is set in an England stuck somewhere between the medieval era and the late 1800s, where medicine and myth often clash.

"The challenge was immense: how do you convincingly animate a mermaid’s tail that’s always in motion?" Cook reflects. The answer lies in an innovative blend of cutting-edge VFX and in-camera tricks. The result? Clara Paget's portrayal of the mermaid is both sensual and animalistic, more predator than princess. "She’s alluring, yes, but you sense her hunger. If she doesn’t feed, she dies."

Setting the Past to Reinvent the Myth

"If you want audiences to believe in fantastical beings, you need to start by placing them in a fantastical world," Cook explains. The film’s gothic setting not only enhances its supernatural feel but also explores the role of women through the character of a fisherman's wife who cures tuberculosis—attracting unwanted attention from the patriarchal medical establishment.

Inspired by Real Heroines

The plot draws from the true story of the Edinburgh Seven, the first women to study medicine in Britain. "I'm not a political person," says Cook, "but I like to highlight absurd injustices." His script underscores the silencing of women through the lens of a mythic narrative.

A Monster You Might Empathise With

Cook’s siren follows in the footsteps of complex villains like Hannibal Lecter and classic gothic vampires: seductive, disturbing, and compelling. "The best antagonists are the ones whose motives you understand. She kills not for fun, but for survival."

A Strong Vision, A Cohesive Team

Although Cook plays a secondary role on screen, The Pearl Comb is a team effort. From production designer Isabel Pirillo to the Stigma Films crew, everyone contributed to its authenticity. "Film is never made alone. The key is to have a clear vision and communicate it simply."

A Mermaid Making Waves Worldwide

Already screened at festivals in Finland, Eastern Europe and across the US, the film will premiere at HollyShorts on 11 August at the TCL Chinese Theatre. "The theme of women being undermined resonates universally."

• Title: The Pearl Comb

• Director & Writer: Ali Cook

• Cast: Beatie Edney, Clara Paget, Simon Armstrong, Ali Cook

• Runtime: Short film

• Upcoming Screening: HollyShorts Film Festival, 11 August at TCL Chinese Theatre, Auditorium #6

• Production: Stigma Films

• Awards: British Short Film Awards (x2), Méliès d’Argent, Beeston IFF, Cleveland IFF

• Themes: Folk horror, women in medicine, siren myth

• More info: IMDb - The Pearl Comb

An ancient tale for modern times, a siren to amplify forgotten women’s voices — The Pearl Comb is a short film not to let slip through the tides.

Ali Cook, l’illusionniste devenu cinéaste, réinvente la figure de la sirène dans The Pearl Comb (« Le Peigne de Perle »), un court-métrage britannique à la croisée du folk horror et du drame historique, récompensé à plusieurs reprises avant sa sélection au très convoité HollyShorts Film Festival.

« Ce pêcheur préfère dîner avec sa femme plutôt que succomber au chant d’une sirène. »

Ali Cook voulait éviter la vision édulcorée de la sirène façon Disney. Inspiré par les légendes d’autrefois, il offre une créature fascinante et inquiétante, à mi-chemin entre la vampire et la bête affamée. Grâce aux VFX inédits, The Pearl Comb donne vie à cette figure hybride, incarnée par Clara Paget, avec une tension fébrile.

Le film ne met pas en scène une romance adolescente, mais un amour mature : celui d’un couple uni depuis des décennies. Quand une sirène tente de séduire un vieux pêcheur, celui-ci choisit de rentrer auprès de sa femme. Un pied-de-nez tendre aux récits traditionnels.

Cachée sous les écailles, une inspiration féministe affleure : The Pearl Comb évoque les Edinburgh Seven, premières femmes à étudier la médecine au Royaume-Uni. Le film dénonce avec subtilité les freins imposés aux femmes dans les milieux scientifiques, hier comme aujourd’hui. Une critique portée par une narration atmosphérique.

La directrice artistique Isabel Pirillo recrée un village victorien réaliste, tandis que Beatie Edney et Simon Armstrong livrent des performances précises, ancrées dans le langage de l’époque. Quant à Ali Cook, il endosse un rôle secondaire taillé pour lui : un docteur condescendant, aussi subtil qu’arrogant.

Avant d’écrire et réaliser ses courts-métrages comme The Cunning Man (BAFTA-longlisté), Ali Cook était magicien télévisé et comédien de stand-up. Son prochain long-métrage, The Grimoire, est coécrit avec Eric Garcia (Kaleidoscope sur Netflix) et produit par Stigma Films.

???? The Pearl Comb
???? Projection à Los Angeles le 11 août 2025
???? TCL Chinese Theatre – Auditorium #6
???? Avec Beatie Edney, Clara Paget, Simon Armstrong, Ali Cook
???? 17 prix internationaux, dont le Méliès d’Argent et deux British Short Film Awards

(Article en français ci-dessous)

What if Black Mirror met Stand By Me in a British boarding school? That’s the premise behind Clout, a short film that’s as timely as it is chilling. Directed by Jordan Murphy Doidge, Clout is set to premiere at the Oscar-qualifying HollyShorts Film Festival in Los Angeles this August. “I saw firsthand how social media affected my younger siblings during lockdown,” Doidge explains. “I needed to tell this story.”

Clout follows Oskar, played by Archie Yates (Jojo Rabbit), a lonely teenager at a prestigious British school who seeks viral validation. Inspired by The Boy Who Cried Wolf, Oskar claims he’s found a dead body near the school. His friends doubt him — but the real drama unfolds when a livestream turns deadly.

Written by Doidge, Tom Duffy and Tristan Thomas, the short captures the dark magnetism of digital notoriety. “Kids used to dream of being on the school paper. Now they chase clout,” says Doidge, referencing the film’s title and theme.

Shot at the historic Harrow School — alma mater of Winston Churchill and Benedict Cumberbatch — Clout dives into class privilege and the social codes of elite education. But getting there wasn’t easy. “We were asking to film a scene where a student drowns,” Doidge laughs. “Not every school was on board.”

To foster genuine chemistry among the young cast, Doidge threw out the traditional rehearsal model. Instead, he locked the kids in a haunted escape room and took them to Nando’s. “After that, they wouldn’t stop talking. They bonded instantly,” he says. That energy — chaotic, real, full of banter — is what gives the film its pulse.

More than a coming-of-age story, Clout is a mirror held up to Gen Z’s relationship with social media. “All the kids we interviewed during the shoot admitted they don’t really enjoy being online,” Doidge notes. “But they feel they have no choice.”

The film is designed to spark conversation — not only among peers, but between young people, parents, and educators. “We live in a culture where kids are constantly told what to do,” says Doidge. “I wanted to give them a voice.”

To further that mission, Clout has partnered with four major UK charities — Family Lives, The Mix, Into Film and Arts Emergency — and will embark on a Q&A screening tour across the UK with Everyman Cinemas.

Produced by Francis Chapman (In the Summers) and co-produced by Kim Magnusson (three-time Oscar winner), Clout punches far above its indie budget. “We started with 30 crew members — by the end, we had over 100,” says Doidge. “My mom even handled catering.”

The team includes cinematographer Amelia Hazlerigg, editor Rebecca Lloyd, production designer Collette Creary-Myers, and costume designer Natalie Caroline Wilkins. “Film is alchemy,” says Doidge. “It fuses sound, visuals, design, and emotion into something bigger than its parts.”

•  Title: Clout – A Cautionary Tale

•  Runtime: 16 minutes

•  Format: DCP / 4K ProRes / Arri Alexa LF

•  Country: United Kingdom

•  Premiere: HollyShorts Film Festival 2025, Los Angeles

• Watch trailer and get press assets

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"Clout" est une fable contemporaine aussi percutante qu’un épisode de Black Mirror. Dans Clout, Jordan Murphy Doidge, jeune cinéaste britannique, met en scène la quête toxique de validation numérique d’un adolescent prêt à tout pour exister à travers l’écran. "J’ai vu ce que ça faisait à mes frères et sœurs pendant le confinement. Il fallait raconter cette histoire", confie-t-il. Présenté en avant-première au HollyShorts Film Festival 2025, sélection qualifiante pour les Oscars, le court-métrage secoue, interroge… et reste en tête bien après la dernière bulle à l’écran.

Avec Clout, Jordan Murphy Doidge signe un premier film inspiré par Stand By Me, The Secret History de Donna Tartt et les dérives du monde connecté. Le récit suit Oskar (interprété par le prometteur Archie Yates, révélé dans Jojo Rabbit), un ado solitaire scolarisé dans une école prestigieuse. Obsédé par l’idée de gagner en notoriété en ligne, il prétend avoir trouvé un cadavre près du campus et entraîne ses amis dans une chasse au "buzz" en direct.

Mais ici, le jeu tourne au drame. Inspiré du mythe du garçon qui criait au loup, Clout devient une allégorie glaçante sur la désinformation, les "likes" à tout prix et le regard des autres. "Ce que ces ados recherchent, c’est du ‘clout’, de la reconnaissance numérique. Et ils vont trop loin", résume Doidge.

Tourné dans les murs de la Harrow School, fréquentée jadis par Winston Churchill et Benedict Cumberbatch, Clout s’ancre dans un décor d’élite tout en le questionnant : "On voulait casser les idées reçues sur les écoles privées", souligne Jordan Murphy Doidge. Pour créer une vraie dynamique de groupe, le réalisateur a entraîné ses jeunes comédiens dans une escape room avant le tournage, suivie d’un Nando’s et d’une partie de bowling. Résultat ? Une alchimie palpable, un naturel désarmant dans les dialogues, ponctués d’humour adolescent : "Ils se vannent tout le temps, et ça donne de la légèreté à une histoire sombre".

Au-delà de la fiction, Clout veut ouvrir un dialogue. "Les ados sont hyper lucides sur les effets négatifs des réseaux. Mais ils se sentent obligés d’y être. Ce film, c’est pour leur donner une voix, pour que les adultes les écoutent enfin", insiste Jordan Murphy Doidge. Le film est d’ailleurs soutenu par quatre associations britanniques majeures — Family Lives, The Mix, Into Film, et Arts Emergency — qui accompagneront une tournée de projections-débats à travers le Royaume-Uni, en partenariat avec Everyman Cinemas.

Produit par Francis Chapman, (notamment derrière In the Summers, Grand Prix à Sundance) et soutenu par l'oscarisé Kim Magnusson, Clout réunit une équipe prestigieuse : la cheffe opératrice Amelia Hazlerigg, la cheffe monteuse Rebecca Lloyd (collaboratrice d’Andrea Arnold), ou encore la designer Collette Creary-Myers et la costumière Natalie Caroline Wilkins. Un véritable projet d’auteur à échelle collective.

Le conseil de Jordan Murphy Doidge ? "Ne prenez pas ça trop au sérieux. Restez dans le jeu, dans le plaisir. Trouvez votre tribu et amusez-vous à créer ensemble." Un message à contre-courant de l’hyper-professionnalisation précoce, qu’il illustre avec le parcours de sa propre sœur, actrice dès l’enfance : "À 6 ans, elle était déjà sur un plateau Hollywoodien. Et très vite, tout devenait travail."

• Titre : Clout – A Cautionary Tale

•  Durée : 16 minutes

•  Lieu : Royaume-Uni

•  Première mondiale : HollyShorts Film Festival 2025 à Los Angeles

•  Tournée UK : automne 2025, en partenariat avec Everyman Cinemas

• Site officiel du film

Quand Partie de campagne s’est interrompu en 2023, c’est tout un pan de la vie culturelle estivale du Morvan qui semblait suspendu. Mais l’équipe de Sceni Qua Non a su rebondir. « Hissez les Toiles » est né de cette nécessité : préserver un espace-temps de cinéma, de fête, de rencontres. Une édition-test itinérante en 2024, puis un ancrage à Château-Chinon, ville historique du cinéma rural, pour faire de 2025 un nouveau départ.

Pourquoi ici ? Parce qu’il y a une salle fixe, bien sûr. Mais surtout parce que Château-Chinon porte une mémoire. « C’est la capitale du Morvan, un territoire que nous connaissons et aimons profondément », explique William Robin. Avec son auditorium, son amphithéâtre en pierre, son cinéma l’Étoile, la ville offre un écrin parfait, pratique et symbolique. Le festival s’y installe sans artifices, dans une continuité naturelle.

Sept programmes de courts pour découvrir la jeune création française. Des œuvres souvent audacieuses, souvent drôles, parfois vertigineuses. Hissez les Toiles propose aussi des passerelles entre formats : des longs métrages précédés de courts, pensés en dialogue. Un fil rouge éditorial salué par les spectateurs. « C’est une manière de mettre en lumière les trajectoires de cinéastes, d’interroger la transition du court au long ».

Deux grandes séances de cinéma en plein air ponctuent le week-end. Vendredi, Météors d’Hubert Charuel, en avant-première nationale, sera présenté sous les étoiles. Samedi, place à une nuit festive rythmée par la Piccolo Mobile Disco, des courts-métrages hilarants et un dancefloor cinématographique. L’expérience sensorielle, collective, populaire : c’est aussi cela que célèbre Hissez les Toiles.

Le festival ne se contente pas d’enchanter. Il questionne. Le film palestinien Put Your Soul on Your Hand and Walk, hommage  à la journaliste Fatma Hassona, ou My Stolen Planet, journal intime de l’exil iranien, s’inscrivent dans une programmation lucide, politique, humaniste. Le court Paris-Téhéran, présenté par le jeune cinéaste franco-iranien Daniel Bahrami, résonnera tout particulièrement avec ce regard pluriel.

Bénévoles, commerçants, habitants : le festival vit par celles et ceux qui l’entourent. « Cette année, c’est aussi une redécouverte mutuelle », explique William Robin. Hissez les Toiles se construit avec le territoire, et aspire à devenir un rendez-vous pérenne. Avec un tarif à 4 € pour les courts, 5,50 € pour les longs, et plusieurs séances gratuites, il reste ouvert à toutes les curiosités.

Lieu : Château-Chinon (Nièvre), cinéma l’Étoile, Auditorium Condorcet, Espace François Mitterrand
Dates : du 25 au 27 juillet 2025
Tarifs : 4 € (courts), 5,50 € (longs), gratuit le 20 et le 26 juillet
Programme complet sur : sceniquanon.com

Saint-Honoré-les-Bains, au cœur du Parc naturel régional du Morvan, juillet 2025. Benoît Ferreux est revenu s’asseoir sur le banc qui figure dans l'une des séquences du film "Le Souffle au cœur" (photos). Plus d’un demi-siècle après le tournage, l’acteur se remémore : « L’hôtel a changé, mais le calme du Morvan est resté intact. » Ce même calme où son personnage, Laurent Cheval, un adolescent en pleine découverte de lui-même, faisait ses premiers pas vers l’âge adulte.

Une aventure cinématographique née par hasard

Repéré avec son frère pour faire de la figuration pendant les vacances, Benoît Ferreux se retrouve, à 14 ans, propulsé dans le rôle principal d’un film qui allait marquer l’histoire du cinéma français. « Ce n’était pas un rêve d’acteur. J’ai commencé par hasard, j’ai continué par chance. » C'est Louis Malle lui-même qui insistera pour le convaincre, allant jusqu'à l'intégrer, lui et son frère, pour créer une atmosphère protectrice.

Louis Malle ou la mise en scène de l’intime

Ce qui frappe Benoît Ferreux, c’est l’approche du cinéaste. « Il ne me dirigeait pas. Avant chaque scène, il me prenait à part et me demandait : "Comment tu ferais ça, toi ?" » Une façon de travailler qui révèle toute la dimension autobiographique du film. Dans le regard de Benoît, Louis Malle cherchait son propre reflet adolescent.

Une scène, une mémoire corporelle

Le témoignage devient plus tendre encore lorsqu’il évoque les scènes les plus délicates, notamment celles tournées avec Lea Massari, ou la fameuse scène d'amour avec une prostituée. « J'étais un jeune homme pur, figé» Anecdote d’autant plus marquante que Maria Schneiderétait initialement pressentie pour le rôle.

L'école buissonnière

La vie sur le plateau, c'était aussi les escapades nocturnes et le match de foot entre l’équipe du film et les habitants de Saint-Honoré-les-Bains. Benoît rit : « On avait perdu... très mal joué. » L'ambiance était studieuse mais chaleureuse, même si Louis Malle, un soir, l’avait tancé pour sa fatigue visible à l’image.

Un tourbillon médiatique

Lorsque "Le Souffle au cœur" est présenté à Cannes en mai 1971, Benoît se retrouve projeté sous les feux de la rampe. « J'étais entre Yoko Ono et John Lennon. Lui m'a dit qu'il avait adoré le film. » Une anecdote vertigineuse, même si l’adolescent de lépoque avoue avoir mal vécu la notoriété.

Un film à l'héritage durable

Aujourd’hui encore, "Le Souffle au cœur" inspire. Wes Anderson, en hommage à la Cinémathèque, a cité le film comme celui qui lui a donné envie de faire du cinéma. « C’est une fierté de savoir que ce film est encore vivant. »

Une carrière ponctuée de rencontres exeptionnelles

De John Hustonà Claude Chabrol, en passant par Simone Signoret ou Michael Caine, Benoît Ferreux a croisé les plus grands. Il avoue : « Ça a été plus facile avec les grands comédiens qu’avec les petits. »

Aujourd’hui : transmission et chanson

À l’approche de ses 70 ans, Benoît Ferreux se consacre à la chanson. Il a un projet d’auteur-compositeur-interprète. « Je vais chanter ce que je vois, ce que je ressens. Et ce que la France est devenue. »

INFOS PRATIQUES

• Le film Le Souffle au cœur, réalisé par Louis Malle, est disponible en DVD/Blu-ray chez Arte Boutique et en VOD sur LaCinetek

• Une interview réalisée par Manuel Houssais à l'occasion de la projection du 18 juillet 2025 à Saint-Honoré-les-Bains.

Comédienne elle-même, Agathe Natanson n’a jamais cessé d’écrire. Des lettres à ses enfants, à ses amis, et depuis la disparition de Jean-Pierre Marielle, à lui. Parce qu’il fallait bien continuer à parler à celui qui n’est plus là. Parce qu’écrire, c’est rester ensemble.

Ces lettres posthumes sont devenues Chantons sous les larmes, publié aux Éditions du Seuil, un ouvrage traversé de souvenirs, d’instants précieux et de douleur sublimée. « Je suis amputée, il me manque un bras, une jambe, un cœur… »

Mais dans cette solitude « poisseuse », l’actrice trouve la force d’ouvrir une fenêtre, de partager ce que vivre le deuil signifie, en creux et en lumière. Une démarche rare, sincère, précieuse.

Impossible d’évoquer Jean-Pierre Marielle sans parler de sa voix. « Il avait sa voix comme on a les yeux bleus », glisse Agathe Natanson. Lui, refusait de la travailler. Pas d’effets, pas de pose. Juste une musicalité naturelle, un timbre qui a traversé le cinéma français, Tous les matins du monde, Que la fête commence, coup de torchon..

Et ce goût du détail, qu’on croit parfois caprice et qui était, chez lui, exigence de vérité. Une boucle d’oreille manquante pour un tailleur Chanel dans Les Grands Ducs suffisait à interrompre le tournage. « Ce n’était pas du détail, c’était pour le personnage », rappelle-t-elle.

Même exigence dans son refus des enterrements grandioses. À l’opposé des obsèques médiatiques , Jean-Pierre Marielle avait écrit noir sur blanc ses volontés : une cérémonie intime, dans sa maison de Précy-le-Sec dans l'Yonne, entouré des paysans de son enfance. Sur sa tombe, une simple plaque avec les mots d'une chanson que fredonne Agathe Natanson dans cet entretien.

Entre deux souvenirs, Agathe Natanson convoque la tendresse. Comme ce rituel de Bourgogne : trinquer au Chablis, mais « dos de main contre dos de main », sans faire de bruit, pour ne pas alerter les patrons. Ou encore cette page irrésistible sur les sardines, à lire absolument : « Les sardines sont extrêmement importantes dans la vie d’une veuve », dit-elle en souriant.

Et puis il y a la maladie, qu’elle a longtemps cachée. Jean-Pierre Marielle a souffert de la maladie d’Alzheimer. Agathe l’a accompagné, aidé, aimé, jusqu’au bout. Elle témoigne aujourd’hui pour les aidants, au sein de la Fondation Recherche Alzheimer (AFRA), multipliant galas et conférences, avec la même générosité discrète.

Chantons sous les larmes pourrait bientôt monter sur scène. Dominique Besnehard l’y encourage, tout comme Françoise Gillard, sociétaire de la Comédie-Française. Deux comédiennes, deux voix, deux âges pour dire ce texte ? Ou Agathe elle-même ? L’idée fait son chemin.

« J’aimerais qu’on n’oublie jamais Jean-Pierre », conclut-elle à Manuel Houssais qui ne peut contenir son émotion en fin d'interview. Avec ce livre, Agathe Natahson tisse un fil. Et nous offre, à travers ses lettres, un dialogue ininterrompu avec la mémoire d'un comédien, immense, et surtout d'un l’homme – pudique, généreux, d’une rare modestie.

Chantons sous les larmes – Lettres à Jean-Pierre Marielle
Agathe Natanson
Éditions du Seuil 

Une interview réalisée à l'occasion du salon du livre de Saint-Honoré-les-Bains 

En salle le 8 octobre 2025, “Météors” réunit Paul Kircher, Idir Azougli et Salif Cissé dans une histoire d’amitié aussi rugueuse que lumineuse.

« Il n’y a rien qui m’émeut plus que la ville de Saint-Dizier sous la pluie », confesse Hubert Charuel. Huit ans après Petit Paysan (César du meilleur premier film), le cinéaste revient avec Météors, présenté à Un Certain Regard à Cannes 2025 mais c'est à l'occasion du Festival du Cinéma & Musique de Film de La Baule que David Marmier a pu rencontrer une partie de l'équipe.

Ce deuxième long métrage nous fait vivre dans les retrouvailles à l’âge adulte de trois amis d’enfance marqués par la précarité, l’addiction et le poids d’un passé commun.

Tourné dans sa Haute-Marne natale, dans la rudesse d’un automne gris, Météors capte une esthétique du réel. Un grain d’image qui gratte un peu, comme pour forcer la concentration. Une ville qui semble oubliée mais où, paradoxalement, la chaleur humaine devient un refuge. « On voulait ressentir le froid de l’extérieur pour mieux saisir la chaleur intérieure de ces relations », explique le réalisateur.

Au centre : Mika (Idir Azougli), Dan (Paul Kircher) et Tony (Salif Cissé). Trois anciens potes devenus adultes sans jamais vraiment quitter l’adolescence. À l’exception de Tony, désormais père de famille et entrepreneur dans le BTP. Les autres galèrent. Jusqu’au jour où ils se retrouvent à bosser ensemble… dans une ancienne centrale nucléaire. Une situation filmée avec une tendresse et une acuité qui évitent tout misérabilisme.

« Ce film parle d’amour, d’un amour entre amis. Et ça, c’est rare au cinéma », souligne Salif Cissé, dont la présence, bien que plus discrète à l’écran, offre des moments d’intense émotion. Son personnage, Tony, ancré dans une vie plus stable, agit comme un miroir tendu aux autres, et incarne un tournant silencieux mais décisif dans le récit.

Autre personnage central : un chat. Ruby. Une “actrice”, selon Idir Azougli, qui partage avec son personnage une passion sincère pour les animaux. « L’animal ne triche jamais », dit-il. Une vérité brute qui traverse le film, de scènes poétiques en tension permanente. Le récit devient alors un “coffre-fort émotionnel” où chaque détail compte, de la lumière blafarde aux toiles d’araignée pleines de sens.

Côté musique, on est synchro. Pamela, P.L.L., Tommy Moisy & Abel1, Stony Stone, Zamdane, Jul et Hatik , la bande originale navigue entre rap, électro et ballades mélancoliques. Un choix audacieux, mais réfléchi. « Ces morceaux nous ont aidés à écrire le film », confie Hubert Charuel. Une “signature émotionnelle” conçue avec Maxime Denis, pour accompagner le glissement du récit entre comédie, drame social, polar et même une touche de science-fiction.

Avec Météors, Hubert Charuel signe un film d’une rare intensité, ancré dans une réalité sociale trop souvent laissée hors champ, où la tendresse n’exclut ni la douleur ni l’espoir. Les interprétations d’Idir Azougli, Paul Kircher et Salif Cissé sont puissantes, naturelles, portées par une alchimie précieuse.

Photographie: David Marmier

Météors, un film de Hubert Charuel
Avec : Paul Kircher, Idir Azougli, Salif Cissé
Sortie en salles : 8 octobre 2025
Lieu de tournage : Saint-Dizier, Haute-Marne
Bande-originale : Jul, Stony Stone, Attik…
Distribution : Pyramide Distribution

Quelques jours après sa prestation remarquée au Festival de la correspondance de Grignan, Paloma Duchesne avoue une fébrilité joyeuse : « Appétit énorme, grosse faim de scène », confie-t-elle au micro de Patrice Caillet, pour La Radio du Cinéma. Face au château, dans une robe rouge incandescente forte en symboles, la jeune comédienne a livré une performance charnière  dans une mise en scène sur-mesure signée Éric Laugerias.

La lecture, exercice pourtant nouveau pour elle, s’est révélée un puissant levier d’incarnation : « Un texte écrit, c’est quelque chose à incarner. Chaque mot est pesé. Ce n’est pas comme à l’oral où tout peut déborder. »

Le duo formé avec Bruno Solo dans cette lecture de lettres entre une jeune protestante et Sébastien Faure, grande figure de la libre pensée, a marqué les esprits : « On avait une vraie complicité, ça ne s’improvise pas. Bruno est un partenaire généreux, un formidable chef de scène. »

Les alternances de chant, de lecture et de jeu ont fait de Athées, ô grâce à Dieu ! une performance totalisante, rythmée, sans répit : « On voulait embarquer le public dans notre tourbillon. »

Derrière la voix posée, une passion brûle : celle du cinéma. « Je suis pétrie de films. Les comédies musicales sont ma culture. La La Land, A Star Is Born, Les Demoiselles de Rochefort, c’est mon panthéon. » Le rêve ? Un long métrage musical à la française. « Un Demy moderne, flamboyant, ça me comblerait. Je suis prête pour Les Demoiselles de n’importe quelle ville. » rit-elle.

• En savoir plus sur le Festival de la correspondance de Grignan

• Découvrir le travail de Bruno Solo

• Photographie: Amandine Bacconnier

Gérard Jugnot : "Le cinéma, c’est la vie… en mieux"

Gérard Jugnot évoque avec malice et tendresse Y’a pas de réseau, un film d'aventures familial dans l'esprit de Maman, j’ai raté l’avion, où il campe un père un peu dépassé face à son fils, interprété par Maxime Gasteuil. "On forme un duo à la Laurel et Hardy", confie-t-il, sourire en coin.

Le long-métrage d'Édouard Pluvieux assume un ton burlesque, rare aujourd'hui, qui mêle humour visuel, pièges inventifs et thématiques modernes comme les familles recomposées ou la désertification rurale. "La gendarmerie, dans le film, devient un vrai personnage !", s’amuse Jugnot. Mais derrière la légèreté, l’acteur reste fidèle à son ambition : rassembler. "Je veux qu’on profite de ce petit tour qu’est la vie, ensemble", affirme-t-il avec humanisme. Pour lui, la comédie n’est jamais anodine : "L’humour repose toujours sur le drame. On ne rit que du malheur… c’est ce qui nous sauve."

Le rire, une affaire de transmission

Le film s’adresse à tous les âges, et Gérard Jugnot y veille. "Je n’aime pas laisser les adultes sur le bord quand ils vont au cinéma avec leurs enfants", dit-il. Une préoccupation déjà présente dans Les Choristes de Christophe Barratier, réalisateur fidèle et cofondateur du Festival de La Baule. "On a eu le prix du public ici avec Le Petit Piaf. C’est toujours un bonheur d’y revenir."

Et s’il incarne désormais des figures paternelles rassurantes à l’écran, c’est sans renier son passé de petit gars "ordinaire" du Splendid, qu’il évoque avec émotion, notamment à travers la disparition récente de Michel Blanc. "Un grand morceau de notre jeunesse qui s’en va."

Une retraite active et des projets à la pelle

Pas question pour Gérard Jugnot de ralentir. Il prépare déjà son film Mauvaise pioche, un film inspiré d’un fait divers, dans lequel il jouera aussi. Sortie prévue : le 1er avril 2026. Il sera également à l'affiche du nouveau film de Christophe Barratier, Les Enfants de la Résistance, et participera prochainement à une nouvelle aventure de Ducobu, Ducobu et le Fantôme de Saint Potache.

Y’a pas de réseau

Sortie en salle : 6 août 2025

Réalisation : Édouard Pluvieux

Avec : Gérard Jugnot, Maxime Gasteuil

Présenté au Festival de La Baule 2025

Photographie: David Marmier

Samedi 5 juillet 2025, dans la majestueuse cour du Château de Grignan, Bruno Solo est revenu en terrain connu, accompagné de Paloma Duchesne. Ensemble, ils ont livré une performance théâtrale subtilement équilibrée, intitulée “Athées, ô grâce à Dieu !”.

Connu, aussi, pour sa passion pour l’histoire, Bruno Solo a surpris et ému par sa manière humble d’interroger les grandes questions qui traversent notre société : la foi, l’athéisme et la fragilité de la laïcité.

L'interview vidéo de Bruno Solo

Déjà en 2012, il avait exploré l’univers de Nietzsche dans une transe théâtrale fiévreuse. Cette fois-ci, la démarche fut plus apaisée mais tout aussi profonde. Avec Paloma Duchêne, il a défendu des textes puissants, émanant d’auteurs liés à la loi de 1905 sur la séparation des Églises et de l’État.

Se définissant comme un « électron libre », Bruno Solo a affirmé que “l’art doit éveiller, pas endormir.” Agnostique revendiqué, il a partagé sa fascination pour une foi sincère, respectueuse et sans prosélytisme, appelant à une écoute mutuelle entre croyants et non-croyants.

La mise en scène d’Éric Laugerias a magnifié cette lecture habitée, où le verbe prenait corps dans l’espace chargé d’histoire du château. Une soirée rare, à la fois intellectuelle et profondément humaine, dont les échos ont résonné longtemps après les dernières répliques.

#BrunoSolo #Grignan #LectureSpectacle #PalomaDuchêne #AthéesÔGrâceÀDieu #Laïcité #Théâtre #HistoireEtFoi #ChâteauDeGrignan

Château de Grignan – 26230 Grignan
Lecture donnée le samedi 5 juillet 2025 à 19h15
Mise en scène : Éric Laugerias

Photographie : Amandine Bacconnier

David Foenkinos ne voit pas le cinéma comme une extension de son travail d’écrivain. Pour lui, il s’agit de « deux choses totalement annexes, même si elles ont des échos très forts ». Ce rapport complexe prend racine dès son premier long-métrage coréalisé avec son frère Stéphane Foenkinos, La Délicatesse, adaptation de son propre roman puis Je vais mieux de Jean-Pierre Améris et enfin Le Mystère Henri Pick en 2019. Mais par la suite, il s’éloigne de ce schéma. Jalouse, Les Fantasmes, sont des œuvres originales, non tirées de livres.

Si ses récits sont souvent qualifiés de « cinématographiques », l’auteur se garde bien de transformer systématiquement ses textes en films : « J’ai refusé toutes les adaptations récemment, même pour La vie heureuse ou Vers la beauté », précise-t-il, avant d’ajouter : « J’aime l’idée qu’un livre reste un livre ».

La différence de rythme entre les deux formats semble cruciale. « Le cinéma est soumis à la performance narrative, il faut faire avancer l’histoire. En littérature, on a le temps d’explorer la psychologie la plus intime », explique-t-il, soulignant cette liberté précieuse qu’offre l’écrit.

À ceux qui s’étonnent de certains choix de casting, comme Audrey Tautou dans La Délicatesse, David Foenkinos répond avec humour : « Je n’ai jamais écrit la couleur des cheveux de Nathalie. Certains ont imaginé une blonde, mais j’ai juste évoqué une "féminité suisse" ». Il s’amuse de ces interprétations, mais préfère aujourd’hui préserver l’imaginaire du lecteur. « Vers la beauté est un de mes romans les plus lus, et j’aurais du mal à voir quelqu’un incarner ces personnages. »

Et si un réalisateur de renom venait à lui proposer une adaptation ? « Il faudrait que ce soit exceptionnel. Un Paul Thomas Anderson, un Noah Baumbach, ou un Arnaud Desplechin… », concède-t-il, sourire en coin.

Infos pratiques :

La Délicatesse, Jalouse, Les Fantasmes : à (re)voir en VOD ou en DVD. Derniers romans de David Foenkinos à découvrir : La vie heureuse et Vers la beauté.

À Grignan, les lettres de la dernière heure font écho à l’éternité .. Dans le cadre chargé d’histoire du festival de Grignan, la scène s’est faite l’écrin de voix bouleversées et bouleversantes. Mises en espace par Panchika Velez, incarnées par Philippe Lelièvre et Rachel Arditi ces lettres de condamnés à mort – écrites entre la Révolution française et la Seconde Guerre mondiale – résonnent avec puissance au pied du Château. Loin d’un simple exercice de mémoire, la lecture devient ici un moment de grâce, suspendu entre l’intime et le collectif. Car ces mots, écrits à l’orée de l’inéluctable, disent bien plus que l’adieu : ils interrogent la justice, convoquent le sacré, et rappellent la valeur inviolable de toute vie humaine, même celle des plus ambivalents...

Ce n’était pas un spectacle, mais bien une mise en espace. Un moment suspendu, où chaque mot comptait. Le 4 juillet au soir, dans la cour du Château de Grignan, "Adieu pour jamais, adieu !" a fait résonner les voix oubliées de condamnés à mort. 

Adapté par l'historienne Cécile Berly, le texte puise dans des lettres réelles, écrites dans l’urgence des derniers instants par des hommes et femmes guillotinés entre 1793 et 1795 ou fusillés entre 1941 et 1945. « Écrire, c’est reprendre un peu de contrôle sur la peur de mourir », rappelle Panchika Velez, dont la mise en scène épurée donne toute sa puissance à ces adieux bouleversants.

Pour Philippe Lelièvre, cette lecture fut une première marquante : « J’ai rarement été autant imprégné par un texte. Ces lettres suffisent à elles seules. Elles disent tout, dans une émotion terrible. » L’acteur, visiblement ébranlé par cette expérience, confie avoir mené une introspection profonde, s’interrogeant sur la peine de mort et sur la valeur de chaque vie humaine, même celles des plus controversées.

Les lettres de Guy Môquet, Olga Bancic, ou encore Marie-Antoinette, ont particulièrement bouleversé les interprètes. Rachel Arditi souligne la force tragique des lettres écrites par les plus jeunes : « La jeunesse, c’est ce qui ajoute à la tragédie. Olga écrit à sa fille sans pleurer, mais on sent qu’elle est ravagée. », la comédienne a susurré, hurlé, incarné ses rôles bien au-delà de la simple lecture provocant bien des larmes dans le public, une performance bouleversante.

À travers une alternance de lectures, de sons et de voix off, la mise en scène de Panchika Velez rappelle que ces lettres ne sont pas que des adieux : elles sont aussi un acte de vie, de lucidité, de transmission. « Même les salauds, je n’ai pas envie qu’on les tue. C’est la justice qui doit trancher, pas la vengeance », affirme-t-elle avec conviction, citant le cas complexe de Robert Brasillach.

Ce moment de théâtre-document bouleverse, interroge, et redonne chair à des figures historiques souvent réduites à quelques lignes dans les manuels. Le public, lui, est reparti ému, touché par l’intensité du propos et la justesse de l’interprétation.

"Adieu pour jamais, adieu !" – Lecture-spectacle vue le 4 juillet 2025 au Festival de la correspondance de Grignan
Avec Rachel Arditi et Philippe Lelièvre
Mise en espace : Panchika Velez
Adaptation : Cécile Berly
Pour en savoir plus sur la peine de mort en France

Photographie: Amandine Bacconnier

Acteur, metteur en scène, scénographe, directeur du théâtre Majestic - Scène de Montereau , Charles Templon s’offre ainsi une première à Grignan.

« Les lectures, c’est toujours un peu challenge, mais ça m’excite beaucoup », confie Charles Templon, visiblement galvanisé par ce défi artistique. « Johanna avait une idée précise de ce qu’elle voulait faire entendre. On a d’abord découvert les textes chacun de notre côté avec Alysson, puis répété à Paris autour de la mise en espace. »

Cette mise en voix, loin d’être figée, évolue crescendo. « On s’attaque à l’intimité d’un couple. Virginia est tombée malade assez vite. Ce qui est beau, c’est que dans l’écrit, il y a parfois plus de vérité que dans la parole. On ose tout dire à l’écrit. »

Charles Templon, très attaché à la forme épistolaire, confie même écrire souvent lui-même : « Je suis très texto », plaisante-t-il, avant de préciser : « Relire ses anciennes lettres, c’est bouleversant. On découvre à quel point tout est dit. Moi, je m’exprime mieux à l’écrit qu’à l’oral. » (On attend donc avec impatience son travail d'auteur ndlr).

Le cadre du château de Grignan n’a fait qu’amplifier cette expérience sensorielle et artistique. « Avec la nuit qui tombe sur ce lieu magique, les lumières, même une scénographie épurée devient un rêve éveillé. J’ai très envie d’y revenir, d'y mettre en scène des correspondances. »

En dehors de la scène, Templon poursuit un parcours riche, de théâtre et de cinéma. Après sa pièce Exit – plaidoyer fort sur la fin de vie – présentée au Festival d’Avignon 2024, il savoure sa présence dans le prochain film de Cédric Kahn, baptisé "15-18" autour de la pédopsychiatrie, produit et ditribué par ad vitam  : « J’y joue un psychologue. Le film est rude, mais je pense sublime. »

Informations pratiques

Je mérite bien un printemps – Lettres de Virginia Woolf

Mise en scène : Johanna Boyé

✍️ Adaptation : Raphaël Lucchini

Avec : Charles Templon & Alysson Paradis

Festival de la Correspondance, Grignan, juillet 2025

Amis depuis près de 60 ans, Brigitte Fossey et Claude Aufaure se retrouvent enfin sur scène. « Je suis très fier de la connaître depuis 1968 », confie Claude Aufaure, rappelant leurs débuts communs au Théâtre de Poche, entourés de Paul Crauchet ou encore Jean-François Adam. Brigitte Fossey ajoute : « Claude était déjà notre “bon ange” : attentif, discret, veillant sur chaque distribution. » Cette fidélité résonne aujourd’hui dans leur complicité, palpable dès le premier regard et, la première réplique.

Depuis 25 ans, le village de Grignan résonne aux échos des mots. Installé face à la plaine de la Drôme provençale et ses lavandes, le festival invite chaque été à redécouvrir la correspondance des grandes figures littéraires. « Lire ces lettres, c’est pénétrer dans l’intimité de l’âme », note Brigitte Fossey. Cette année, la thématique « Quête du sens et du sacré » trouve en Hildegarde de Bingen son écrin idéal, entre vestiges romans et oliveraies centenaires.

Née en 1098 en Hesse rhénane, Hildegarde est confiée, à huit ans, au monastère de Disibodenberg comme oblate. « Elle se disait “à peine lettrée”, pourtant elle a produit plus de trente-cinq ouvrages », rappelle Stéphanie Tesson, la metteuse en scène. Abbesse, compositrice, mystique, botaniste, ses 300 lettres dévoilent une autorité insoupçonnée, imposant son avis aux empereurs et aux papes.

Hildegarde mêle savamment médecine, botanique et spiritualité : potions à base de plantes, observations sur la digestion, conseils alimentaires toujours actuels. « On lui doit les prémices de l’homéopathie et une réflexion fine sur la nutrition », souligne Claude Aufaure. Mais ses visions sont tout aussi marquantes : depuis l’enfance, elle pressent ce qu’elle nomme la “lumière vivante”, un souffle divin qui guide l’âme et le corps.

Adaptée par Beverly Charpentier et dirigée par Stéphanie Tesson, la lecture-spectacle a fait alterner extraits de lettres et analyses naturalistes. Brigitte Fossey et Claude Aufaure incarnent tour à tour Hildegarde et ses correspondants, pour créer un dialogue vivant entre passé et présent. Les éclairages devant la façade du chateau de Grignan ont joué sur l’ombre et la couleur, évoquant les manuscrits enluminés de l’époque. 

Hildegarde de Bingen érigait ses visions en preuves irréfutables de la volonté céleste, utilisant ce qu’on pourrait qualifier de « miraculeux subterfuges" pour déjouer la vigilance de son ordre et plier à sa volonté supérieurs et souverains. Sous couvert de révélations mystiques, elle apposait en coulisses le sceau du sacré sur des desseins très terrestres, transformant la croyance de ses interlocuteurs en levier de pouvoir – un vrai tour de passe-passe spirituel.

Trois cents ans plus tard, une jeune bergère reprendra le même artifice : elle déploiera un argumentaire divinatoire pour galvaniser une armée, donnant à ses exhortations le prestige de l’ordinaire miraculeux. Ses voix, qu’elle présentait comme l’écho même de la volonté de Dieu, jouaient le rôle d’un faux-semblant providentiel, un subterfuge destiné à remporter la guerre de cent ans par la seule force de la conviction religieuse.

Patrice Caillet, la radio du cinéma

Spectacle : Une plume sur le souffle de Dieu
Texte : Lettres d’Hildegarde de Bingen
Avec : Brigitte Fossey  et Claude Aufaure 
Mise en scène : Stéphanie Tesson
Adaptation : Beverly Charpentier
Lieu : Festival de la Correspondance, Grignan (site officiel)

Invités du Festival de la Correspondance de Grignan, Brigitte Fossey et Claude Aufaure explorent l’intimité de l’abbesse médiévale Hildegarde de Bingenà travers sa correspondance. Avec « Une plume sur le souffle de Dieu », ils interprètent la force visionnaire et la modernité étonnante de cette figure du XIIᵉ siècle, pour un voyage aussi érudit que poignant, parfois facétieux, une mise en scène de Stéphanie Tesson.

Née en 1098 en Hesse rhénane, Hildegarde est confiée, à huit ans, au monastère de Disibodenberg comme oblate. « Elle se disait “à peine lettrée”, pourtant elle a produit plus de trente-cinq ouvrages », rappelle Stéphanie Tesson, la metteuse en scène. Abbesse, compositrice, mystique, botaniste, ses 300 lettres dévoilent une autorité insoupçonnée, imposant son avis aux empereurs et aux papes.

Hildegarde mêle savamment médecine, botanique et spiritualité : potions à base de plantes, observations sur la digestion, conseils alimentaires toujours actuels. « On lui doit les prémices de l’homéopathie et une réflexion fine sur la nutrition », souligne Claude Aufaure. Mais ses visions sont tout aussi marquantes : depuis l’enfance, elle pressent ce qu’elle nomme la “lumière vivante”, un souffle divin qui guide l’âme et le corps.

Adaptée par Beverly Charpentier et dirigée par Stéphanie Tesson, la lecture-spectacle a fait alterner extraits de lettres et analyses naturalistes. Brigitte Fossey et Claude Aufaure incarnent tour à tour Hildegarde et ses correspondants, pour créer un dialogue vivant entre passé et présent. Les éclairages devant la façade du château de Grignan ont joué sur l’ombre et la couleur, évoquant les manuscrits enluminés de l’époque.

Amis depuis près de 60 ans, Brigitte Fossey et Claude Aufaure se retrouvent enfin sur scène. « Je suis très fier de la connaître depuis 1968 », confie Claude Aufaure, rappelant leurs débuts communs au Théâtre de Poche-Montparnasse entourés de Paul Crauchetou encore Jean-François Adam. Brigitte Fossey ajoute : « Claude était déjà notre “bon ange” : attentif, discret, veillant sur chaque distribution. » Cette fidélité résonne aujourd’hui dans leur complicité, palpable dès le premier regard et, la première réplique.

Depuis 25 ans, le village de Grignan résonne aux échos des mots. Installé face à la plaine de la Drôme provençale et ses lavandes, le festival invite chaque été à redécouvrir la correspondance des grandes figures littéraires. « Lire ces lettres, c’est pénétrer dans l’intimité de l’âme », note Brigitte Fossey. Cette année, la thématique « Quête du sens et du sacré » trouve en Hildegarde de Bingen son écrin idéal, entre vestiges romans et oliveraies centenaires.

Hildegarde de Bingen érigait ses visions en preuves irréfutables de la volonté céleste, utilisant ce qu’on pourrait qualifier de « miraculeux subterfuges" pour déjouer la vigilance de son ordre et plier à sa volonté supérieurs et souverains. Sous couvert de révélations mystiques, elle apposait en coulisses le sceau du sacré sur des desseins très terrestres, transformant la croyance de ses interlocuteurs en levier de pouvoir – un vrai tour de passe-passe spirituel.

Trois cents ans plus tard, une jeune bergère reprendra le même artifice : elle déploiera un argumentaire divinatoire pour galvaniser une armée, donnant à ses exhortations le prestige de l’ordinaire miraculeux. Ses voix, qu’elle présentait comme l’écho même de la volonté de Dieu, jouaient le rôle d’un faux-semblant providentiel, un subterfuge destiné à remporter la guerre de cent ans par la seule force de la conviction religieuse.

Patrice Caillet, la radio du cinéma

Spectacle : Une plume sur le souffle de Dieu Texte : Lettres d’Hildegarde de Bingen Avec : Brigitte Fossey et Claude Aufaure Mise en scène : Stéphanie Tesson Adaptation : Beverly Charpentier Lieu : Festival de la Correspondance, Grignan (site officiel)

Hildegarde de Bingen, Brigitte Fossey, Festival de la Correspondance de Grignan, Claude Aufaure, Stéphanie Tesson, Une plume sur le souffle de Dieu, littérature médiévale, correspondance, spectacle, Drôme provençale, culture, événement littéraire, spiritualité, XIIe siècle, abbesse, mystique, histoire, théâtre, art, France.

Dans l’univers du court métrage, le nom de Raphaël Toledano commence à résonner avec insistance. Récompensé notamment par le Grand Prix du Jury au Nikon Film Festival, puis plus récemment au Festival Jeunesse en cours, le cinéaste voit dans ces prix "beaucoup de liberté" mais aussi un pacte : "Chaque récompense, c’est une promesse à tenir" dit-il avec enthousiasme.

Son film King Ben, décliné en deux formats — une mini-série de 6 épisodes et un montage court de 15 minutes — met en scène une amitié fragile entre deux personnages radicalement opposés. "L’un cherche la vérité à tout prix, l’autre vit à l’instinct", explique-t-il. Leur complicité vacille quand une entreprise secrète leur propose de répondre à cinq questions capables de révéler des vérités absolues.

Si le ton du film est comique, ce n’est pas un hasard. "Sortir du cinéma en ayant bien rigolé, c’est l’un des meilleurs sentiments qui existe", affirme Raphaël Toledano, pour qui l’humour est inséparable de l’amitié : "Dans une vraie relation, on cherche toujours à faire rire l’autre, à lui décrocher un sourire".

Pour autant, le réalisateur ne voit pas King Ben comme un tremplin vers un long métrage basé sur cette même histoire. Il préfère explorer d’autres récits, tout en gardant à l’esprit son objectif de toujours : "réussir un long dont je sois fier". En parallèle, il envisage une web-série et multiplie les essais d’écriture.

Inspiré par le cinéma italien, il cite Cinema Paradiso et La vie est belle comme références majeures. "Il y a une tendresse dans chaque plan de Cinema Paradiso, c’est un film que j’aurais adoré réaliser", avoue-t-il.

Côté formats, même s’il reste ancré dans la fiction, Raphaël Toledano ne ferme aucune porte. Il cite "Le cinéma est un mensonge qui raconte la vérité", preuve que même à travers la fiction, il cherche à toucher à quelque chose de profondément sincère.

À propos de "King Ben"

• Réalisation : Raphael Toledano
• Scénario : Raphael TOLEDANO
• Casting : Aaron Zenou, Carl Malapa, Stefan Godin, Sonia Imbert, Thais Kirby
• Photographie : Julien Lascar
• Son : Maëlle Page, Quentin Larnicol
• Montage : Benjamin Bruel
• Musique : Isaac Elbazis
• Déco : Marie Thiboumery
• Costumes : Manon Chapuis
• Maquillage & coiffure : Morgane Trepos
• Production : Curb Films
• Assistant réal : Rémi Cesbron Lavau
• VFX : William Mazaud
• Étalonnage : Nicolas Gautier
• Mixage son : Louis Gaussem

FIRM STUDIO/ CALE SON PRODUCTION/ ANNODINE STUDIO / FULL MOTION / CININTER /DCA / BBCAR / BE4POST / NESTOR / PALAIS FIN / LES 2 / AILLEURS / LA RESSOURCERIE / DEFRISE / LANZINI / MOVINMOTION / FRIEDRICH NIETZESCHE

Raphaël Toledano
King Ben
Court métrage primé
Cinéma comique

From June 20 to 26, The Professional Parent (Famille d’Accueil), a 14-minute drama by Slovak filmmaker Erik Jasaň, will screen daily at 6:45pm at Cinema Village in New York. The film has already made a strong impression worldwide, earning 8 Oscar®-qualifying festival selections and several awards, including Best International Film at the New York Shorts International Film Festival.

Set in a remote Slovak village, the film follows Ingrid, a single mother, who becomes a professional parent to a Romani girl in an attempt to survive. “This isn’t just a Slovak story—it’s a story that could happen anywhere,” says Jasaň. “It’s about hidden racism, misguided intentions, and the fragility of our moral compass.”

The story took seven years to develop and draws from deeply personal experiences, including Jasaň’s own family connections to the foster system. Shot in a documentary-like, one-take style, the film aims for maximum emotional authenticity. “Cinema is where people come to feel something. Even if it’s dark, I want them to leave with hope,” he adds.

The film recently screened at the Short Film Corner of the Cannes Festival and continues its festival tour, collecting both critical acclaim and audience admiration.

La Radio du Cinéma was present at the NYC screening through our journalist Jenna Suru, bringing exclusive insight into the film and its creator.

Tickets
Trailer
Location: Cinema Village, 22 E 12th St, New York, NY 10003

• Best International Film – New York Shorts International Film Festival (USA)

• Honorable Mention – 44th Thomas Edison Film Festival (USA)

• Jury Prize – 12th Bastau International Film Festival (Kazakhstan)

Lebu (Chile), Bali (Indonesia), HollyShorts (USA), Huesca (Spain), St Kilda (Australia), Alexandria (Egypt), Odense (Denmark), Thomas Edison (USA)

Written & Directed by: Erik Jasaň
Starring: Ela Lehotská (Ingrid), Oľga Solárová (Grandmother), Klára Sviteková (Martinka), Mariana Kroková (Samantha), Andrej Šoltés (Director)
Producers: Erik Jasaň (SK), Marian Crisan (RO)
Cinematography: Tudor Mircea
Sound: Blažej Vidlička | Sound Design: Ivan Horák
Editing: Cătălin Cristuțiu | Art Direction: Andrea Madleňáková
Costume: Hana Hančinová | Music: Pavol Jeňo
IMDB Profile

Du 20 au 26 juin, Famille d’Accueil, un court métrage de 14 minutes signé Erik Jasaň, est projeté tous les soirs à 18h45 au Cinema Village de New York. Le film, acclamé dans le monde entier, a été sélectionné dans 8 festivals qualifiants pour les Oscars® et a déjà remporté plusieurs prix.

Situé dans un village reculé de l’est de la Slovaquie, le film suit Ingrid, mère célibataire qui devient parent professionnel d’une jeune fille rom pour survivre. « Ce n’est pas une histoire locale. Elle pourrait se dérouler partout », affirme Jasaň. « On parle ici de racisme caché, de bonnes intentions mal dirigées, et de la fragilité morale de l’être humain. »

Sept années de développement ont été nécessaires, nourries par des expériences personnelles profondes. Le tournage, en une seule prise, crée une immersion émotionnelle totale. « Le cinéma, c’est ressentir. Même dans l’obscurité, je veux que les spectateurs repartent avec une étincelle d’espoir », confie le réalisateur.

Déjà présenté au Short Film Corner du Festival de Cannes, le film poursuit sa brillante tournée des festivals.

La Radio du Cinéma était présente à New York grâce à notre journaliste Jenna Suru, pour recueillir les confidences d’Erik Jasaň.

Bande-annonce
Lieu : Cinema Village, 22 E 12th St, New York, NY 10003

• Meilleur film international – New York Shorts International Film Festival (USA)

• Mention Honorable – 44e Thomas Edison Film Festival (USA)

• Prix du Jury – 12e Bastau International Film Festival (Kazakhstan)

Lebu (Chili), Bali (Indonésie), HollyShorts (USA), Huesca (Espagne), St Kilda (Australie), Alexandrie (Égypte), Odense (Danemark), Thomas Edison (USA)

Scénario et réalisation : Erik Jasaň
Avec : Ela Lehotská (Ingrid), Oľga Solárová (Grand-mère), Klára Sviteková (Martinka), Mariana Kroková (Samantha), Andrej Šoltés (Directeur)
Production : Erik Jasaň (SK), Marian Crisan (RO)
Image : Tudor Mircea | Son : Blažej Vidlička
Montage : Cătălin Cristuțiu | Direction artistique : Andrea Madleňáková
Costumes : Hana Hančinová | Musique : Pavol Jeňo
Profil IMDB

C’est en 1976, lors d’une soirée organisée par le couturier Kenzo à Paris, que naît le duo Pierre et Gilles. L’un est photographe, Pierre Commoy, l’autre est peintre, Gilles Blanchard. Leur histoire commence par un coup de foudre personnel, avant de devenir une collaboration artistique exceptionnelle. “Cette rencontre a tout changé”, raconte Gilles. “Je me cherchais, j’étais perdu, et avec Pierre j’ai trouvé un sens à mon art.”

Dès leurs débuts, ils mélangent photographie et peinture dans une démarche artisanale minutieuse. “On fait tout nous-mêmes, de la construction du décor à la peinture sur toile”, précise Pierre. À une époque où Photoshop n’existait pas encore, leur travail repose sur un savoir-faire rare. Chaque détail est pensé, fabriqué, peint : “C’est notre manière d’exprimer notre monde intérieur, entre réalité et rêve”, ajoute Gilles.

L’exposition Mondes marins, visible aux Franciscaines à Deauville, explore une thématique chère aux deux artistes. Marins, filets, cordages et ancrages symboliques composent un univers foisonnant. Certaines œuvres sont réalisées à partir de matériaux récupérés sur la plage après les tempêtes. “On fabrique des méduses avec des objets transparents, des cordages avec des éléments trouvés, chaque élément a son histoire”, expliquent-ils.

L’icône de l’exposition, Philomène, a d’abord été une commande du magazine Vogue Ukraine pour un numéro de Noël. “On a voulu mélanger le rêve et le sacré, dans un décor sous-marin inventé de toutes pièces”, confie Pierre. Une robe issue d’une collection de mode se fond dans un décor de thermoplastique, lumière continue à la manière du cinéma oblige.

Le septième art infuse profondément leur œuvre. Gilles se remémore ses années passées dans les salles obscures : “Je me réfugiais au cinéma, c’était mon monde.” Dans l’exposition de Deauville, on retrouve d’ailleurs une série inspirée de Marcel Carné, en noir et blanc, rareté chez eux. Le duo rend hommage à toute une culture visuelle, de Marlène Dietrich à Bollywood, en passant par Isabelle Huppert ou Kylie Minogue, transformée en Vierge protectrice des marins.

“Nos œuvres sont des rencontres”, rappelle Pierre. Qu’ils croisent leurs modèles dans la vie ou les convoquent dans leurs imaginaires, leur art reste avant tout une histoire humaine.

Pierre et Gilles – Mondes marins, aux Franciscaines, Deauville
 Jusqu’au 4 janvier 2026
Voir l’exposition
 Suivre les artistes sur Instagram : @pierre_pierreetgilles

Photographie: David Marmier pour la radio du cinéma

Jean-Claude Gallotta, figure emblématique de la danse contemporaine française et fondateur du Groupe Émile Dubois, revient avec une création profondément personnelle : Cher Cinéma. Présentée à la MC2 de Grenoble, cette œuvre tisse des liens sensibles entre la danse et le septième art.

Né du désir de rendre hommage à ceux qui l'ont inspiré, Cher Cinéma se structure comme une série de lettres adressées à des cinéastes – certains disparus, d'autres encore actifs – mêlant confidences, gratitude et fragments de mémoire. “Je voulais faire quelque chose pour le cinéma. J’ai écrit une lettre à chaque réalisateur que j’ai croisé, et je leur offre une danse”, explique Jean-Claude Gallotta.

Parmi les figures évoquées, deux Italiens se détachent : Federico Fellini, le “Maestro”, dont la rencontre a marqué le chorégraphe, et Nanni Moretti, admiré pour son œuvre et son élégance. Chaque tableau chorégraphique s’accompagne d’un texte écrit avec son complice Claude-Henri Buffard, d’une composition musicale originale, et d’une scénographie signée Manuel Bernard. La voix off du chorégraphe guide le spectateur, révélant des instants de grâce, parfois drôles, souvent bouleversants.

La distribution, fidèle à l’univers de Gallotta, mêle jeunesse et expérience : Axelle André, Alice Botelho, Ibrahim Guétissi, Fuxi Li, Bernardita Moya Alcalde, Clara Protar, Jérémy Silvetti, Gaetano Vaccaro et Thierry Verger. En costume noir et chemise blanche, les interprètes se métamorphosent en fragments d’images, en souvenirs incarnés, en réminiscences dansantes.

Parmi les moments les plus marquants : un solo final inspiré de Raoul Ruiz, tourné face à la mer en plan-séquence, qui clôt le spectacle comme une promesse de continuité. “On ne s’arrêtera pas”, lance Jean-Claude Gallotta, déterminé à poursuivre cette forme de résistance douce et poétique, face à un monde en crise. “Nous résistons par l’art, par le plaisir, par l’imaginaire.”

Avec Cher Cinéma, Jean-Claude Gallotta ne célèbre pas seulement ses héros, il révèle aussi comment le cinéma lui a tout appris : “la vie, les corps, la beauté”. Et il nous offre, dans un même geste, un carnet de bord et un poème dansé.

• Tournée et infos : gallotta-danse.com

• Durée : 1h30

• Chorégraphie : Jean-Claude Gallotta

• Textes : Jean-Claude Gallotta et Claude-Henri Buffard

• Musique originale : Éric Capone et Sophie Martel

• Scénographie : Manuel Bernard assisté de Benjamin Croizy

• Une interview réalisée à la MC2 de Grenoble 

Minuit passé le 9 avril 2025, veille de la conférence de presse cannoise : Amélie Bonnin décroche un appel improbable. Ses producteurs lui annoncent que Partir un jour fera l’ouverture du Festival de Cannes. Sidération, émotion, joie – une surprise totale pour la cinéaste et son coauteur Dimitri Lucas, tant cette possibilité ne leur avait même pas effleuré l’esprit.

Tiré de son court métrage éponyme couronné d’un César, Partir un jour raconte le retour à la maison natale de Cécile, incarnée par Juliette Armanet, star de Top Chef sur le point d’ouvrir son restaurant à Paris. Quand son père (interprété par François Rollin) est victime d’un infarctus, elle retourne dans sa bourgade de Perthes (Haute-Marne) où l’attendent souvenirs, amis d’enfance, secrets et interrogations existentielles.

Ce film regroupe bon nombre d'extraits de chansons françaises emblématiques chantées par les comédiens en live – Mourir sur scène, Femme Like U, Sensualité – intégrées subtilement dans une mise en scène intime. Les séquences chantées, intégrées au récit à la manière de Mamma Mia, traduisent les émotions sans surjouer la performance. Le tout est filmé à l’épaule, pour capter l’imperfection des personnages et l’intensité du moment. Des chansons n'ont pu être utilisées pour des questions de droits comme "foule sentimentale" d'Alain Souchon et "week-end à Rome" d'Etienne Daho.

L’une des scènes clés se déroule sur une patinoire, lieu de retrouvailles entre les personnages joués par Juliette Armanet et Bastien Bouillon. Pour ces scènes de glisse, la réalisatrice a collaboré avec Gabriella Papadakis, championne olympique même si Juliette Armanet avait déjà pratiqué en sport-études. Plus que la virtuosité, ce sont les regards et les gestes simples qui comptent. « La complicité a rejailli d’un coup », se souvient Amélie Bonnin. Cette dernière ne s'attendait pas à l'attachement du public pour le personnage de Nathalie, la compagne de Raphaël incarnée par Amandine Dewasmes qui a su apporter à un rôle à priori ingrat une épaisseur et une humanité remarquables.

C’est sans doute la plus belle surprise du film : Juliette Armanet, déjà chanteuse accomplie, y révèle un jeu d’actrice d’une grande sensibilité. Sa reprise finale du tube Partir un jour des 2Be3 laisse une empreinte durable, tout comme sa sincérité à l’écran.

« De l’extérieur, je voyais surtout le glamour, les robes », avoue Amélie Bonnin. « Mais Cannes, c’est aussi 3 ou 4 films par jour, des rencontres, une envie de faire encore. » Un baptême du feu transformé en déclaration d’amour au cinéma.

Pour Emmanuelle Gaume, la création sonore est loin d’être un simple habillage technique. « Le son est un langage à part entière, un véritable auteur du film au même titre que le scénariste ou le réalisateur », affirme-t-elle. Un bon son se remarque par sa capacité à enrichir l’image, à prolonger le propos du réalisateur. À l’inverse, « quand on ne se souvient pas du tout de la musique ou du design sonore, c’est qu’il y a eu une catastrophe à ce niveau-là », tranche-t-elle sans détour.

cf: Notre interview de  Christian Hugonnet créateur du Prix de la Meilleure Création Sonore

C’est ce constat qui a motivé la création de l’EICMI - École Internationale de Composition de Musique à l’Image, cofondée par Emmanuelle Gaume et le producteur Xavier Couture. Située à Châteauroux, cette école unique en Europe accueillera dès septembre 2025 une quarantaine d’étudiants post-bac.

« Il n’existait aucune formation complète, accessible dès le bac, pour former les compositeurs à la musique d’image, que ce soit pour le cinéma, le documentaire ou les jeux vidéo », explique-t-elle. Pensée sur le modèle des grandes écoles de cinéma, la formation proposera un cursus complet, avec plus de 30 heures de cours hebdomadaires et des masterclasses animées par des personnalités comme Gabriel Yared ou Julie Gayet.

Journaliste pendant 35 ans (notamment à TF1 et France Musique), Emmanuelle Gaume est aussi à l’origine de la Maison des récits ouverte en 2024. En parallèle, elle développe une série adaptée de son roman sur la réalisatrice Alice Guy, en coproduction avec France Télévisions et Wild Bunch.

L’EICMI ouvre à Châteauroux à la rentrée 2025.
Candidatures ouvertes sur eicmi.fr
Formation post-bac, soutenue par la région Centre-Val de Loire.
Interventions de compositeurs de renom et cours du lundi au vendredi, 9h-17h.
Première promotion : 40 étudiants en petits groupes.

Né au Mexique de parents français, Miguel Chevalier grandit dans un environnement intellectuel et artistique stimulant. Son père, spécialiste de l'Amérique latine, fonde l'Institut français à Mexico aux côtés de Luis Buñuel, tandis que lui découvre le cinéma surréaliste et les fresques de Diego Rivera. Cette jeunesse nourrie de couleurs vives et de cultures croisées forge son goût pour les créations monumentales.

Arrivé à Paris, il est marqué par les expositions du Centre Pompidou, notamment celle consacrée à Marcel Duchamp considéré comme le père de l'art contemporain Il intègre ensuite les Beaux-Arts de Paris, puis l'ENSAD, où il est guidé par le designer visionnaire Roger Tallon, disigner du TGV et du Minitel. Celui-ci l'encourage à explorer les outils numériques, encore réservés à l'époque aux chercheurs du CNRS.

Dans les années 80, Miguel Chevalier accède aux premiers ordinateurs scientifiques. « On était à l'âge de pierre », se souvient-il, autodidacte du codage et pionnier du pixel. Son travail se développe entre peinture et images numériques, explorant progressivement la création d'œuvres génératives : ses "Surnatures", jardin virtuel où chaque plante numérique vit, meurt et se transforme.

Avec les années 90, il accède à ses propres ordinateurs et commence à animer ses images. La fin de décennie est marquée par la montée en puissance des jeux vidéo et des machines plus performantes, qui lui permettent de créer des installations immersives.

Avec l'émergence de l'IA, Miguel Chevalier lance aujourd'hui Méta Nature IA, une banque d'images végétales créée par algorithmes. « L'IA n'a pas de conscience de l'image, elle me sert à explorer des formes inattendues ». Il travaille sur Terrain Incognita, un projet immersif qui nous plongera dans son propre cerveau, territoire imaginaire où s'entrecroisent projets réalisés et inaboutis.

La sculpture, elle aussi, devient numérique grâce aux imprimantes 3D. Le "voxel", pixel en volume, s'incarne dans des œuvres inspirées de Janus, le dieu romain de la surveillance. Entre matière et algorithmes, Miguel Chevalier crée une esthétique hybride où le réel naît du virtuel.

Certaines œuvres sont accompagnées des compositions deThomas Roussel, pour créer une alchimie sensorielle palpable. Chef d'orchestre, violoniste et arrangeur, Thomas Roussel a composé une pièce immersive qui dialogue avec les installations. L'immersion est totale : le son suit les mouvements, prolonge la lumière et transforme le regard en expérience.

Miguel Chevalier, fait l’objet d’un ouvrage captivant aux éditions Skira, sous la plume de Laurence Bertrand Dorléac et Jérôme Sans. Une exploration dense et sensorielle de son œuvre où nature, technologie et poésie s’entrelacent.

Avec Meta-Natura AI, sa dernière création projetée sur les murs futuristes du Dongdaemun Design Plaza à Séoul, Chevalier explore la beauté organique d’une nature réinventée par l’intelligence artificielle. Des fleurs numériques y naissent, s’épanouissent puis se fanent en temps réel. « Je souhaite que la technologie soit une extension de la sensibilité », confie-t-il dans l’ouvrage.

Mais derrière cette magie visuelle, l’artiste interroge aussi la dérive possible de notre monde ultra-connecté : « Ce flux constant peut nous ouvrir ou nous enfermer. » Entre utopie végétale et dystopie urbaine, l’œuvre de Chevalier propose une réflexion puissante sur l’avenir.

L'interview a été réalisée par David Marmier à l'occasion de PIXELS – Une expérience interactive avec l’univers créatif de l’IA. Installée au Grand Palais Immersif, cette exposition occupait plus de 1200 m² et présentait une trentaine d'années de recherches, entre installations immersives, sculptures 3D et réflexions sur la surveillance, l'identité et le cyberespace.

Photographie: David Marmier

Inspiré du roman de Luc Blanvillain, Le Répondeur met en scène la rencontre improbable entre Pierre Chozin, écrivain surmédiatisé et épuisé par sa notoriété, et Baptiste, un jeune imitateur en quête de reconnaissance. Pierre engage Baptiste pour répondre à sa place à tous ses appels, espérant retrouver le silence nécessaire à l'écriture. Mais ce qui commence comme une collaboration technique dérape bientôt vers une complicité incomprise par leur entourage.

"Ce que j'ai adoré, c'est cette idée folle, mais très moderne, de confier son téléphone, donc une part de soi, à un inconnu," confie Fabienne Godet. Elle décrit un film joyeusement critique sur notre dépendance au smartphone, mais aussi sur la façon dont les femmes gagnent en liberté dans l’ombre de deux héros masculins.

Le casting a été déterminant : "Quand j'ai vu la photo de Denis Podalydès, j'ai su que c'était lui. Et pour Salif Cissé, ce fut un vrai coup de cœur," explique la réalisatrice. Leur alchimie se double d’un travail vocal impressionnant. Coaché par des imitateurs comme Michaël Gregorio et Fabien Le Castel, Salif a élaboré une performance où voix, respiration et gestes fusionnent pour donner l'illusion d'un imitateur habillant la vie d’un autre.

"Le film est comme sa bande-son : à la fois décalée et chargée de sens. Pour la sonnerie du téléphone de Pierre j’ai choisi Freak de Chic pour révéler les failles cachées du personnage principal," entre élégance cérébrale et légèreté libératrice. L’idée était de montrer la part d’enfance, voire de vulnérabilité, qui habite même les figures d’apparence sérieuse.

Autour d’eux gravitent des personnages secondaires lumineux : Aure Atika, Clara Bretheau et Manon Clavel ajoutent à cette symphonie d’identités une polyphonie sensible. L

• Sortie en salle : 4 juin 2025 (France, Tandem Films)

• Avec : Denis Podalydès, Salif Cissé, Aure Atika, Clara Bretheau, Manon Clavel

• Production : Le Bureau, France 3 Cinéma

• Ventes internationales : The Bureau Sales

• Interview réalisée par Manuel Houssais à l'occasion du Festival du Cinéma Européen de Meyzieu: FCEM

Ce prix connaît sa 7ème édition dans le cadre du Festival de Cannes 2025. Destiné à récompenser l’excellence sonore dans les films de la sélection "Un Certain Regard", ce prix met en valeur un aspect souvent sous-estimé de l’expérience cinématographique. "On regarde tous les films avec nos oreilles", affirme Christian Hugonnet, expert en acoustique, pour lui,  l’enjeu est clair : "Le son est un élément qui nous permet de mieux comprendre le monde, et en particulier le cinéma."

Des critères exigeants pour un art invisible

Loin d’être un simple habillage, le son participe à la structure narrative d’un film. Le jury, composé cette année de Gérard Krawczyk, Martin Luminet, Emmanuelle Gaume, Janine Langlois-Glandier et Christian Hugonnet, s’appuie sur des critères rigoureux : intelligibilité des dialogues, équilibre des timbres, qualité des ambiances, pertinence des silences et harmonie entre design sonore et musique.

L'immersion sonore, un langage à apprivoiser

Avec les technologies immersives comme le Dolby Atmos, le son devient un vecteur d’écriture à part entière. "L’immersion doit être au service de l’histoire, pas l’inverse", prévient Christian Hugonnet. L’acousticien rappelle l’importance de rester vigilant face à une spatialisation trop prépondérante pouvant éclipser l’image.

L'intelligence artificielle, espoir et vigilance

Face aux avancées de l’intelligence artificielle, Christian Hugonnet se montre à la fois curieux et prudent : "On peut corriger un doublage avec une synchronisation parfaite, mais la question de l’usurpation vocale est cruciale." Avec son ONG, il travaille avec l’UNESCO sur une résolution pour protéger l'identité vocale des artistes.

Un palmarès qui inspire les jeunes créateurs

Parmi les précédents lauréats, on retrouve "Gräns" d'Ali Abbasi ou "ARMAND" de Halfdan Ullmann Tøndel. "Ce prix a une vraie portée pédagogique. Il s'adresse aussi aux nouvelles générations de cinéastes", conclut Christian Hugonnet.

Le Prix de la Meilleure Création Sonore 2025, a été décerné à l'unanimité au réalisateur américain Charlie Polinger pour son film The Plague. Une œuvre où le son « transcende les images pour créer un récit sensoriel puissant », selon les mots de Gérard Krawczyk, président du jury.

Le jury a salué une approche sonore « audacieuse, maîtrisée, et profondément émotive ». Le film de Charlie Polinger se distingue par un usage inventif de l’espace sonore, où silences pesants et textures acoustiques forment un langage cinématographique à part entière.

Organisé sous l’égide de l’ONG La Semaine du Son, ce prix soutenu par l’UNESCO vise à sensibiliser à l’importance du son dans notre rapport au monde et au récit filmique. Christian Hugonnet, son fondateur, rappelle : « On ne devrait plus dire que le son accompagne l’image, mais qu’il en est la voix intérieure. »

Avec cette récompense, The Plague s’inscrit dans une tradition d’excellence qui encourage la jeune création à considérer le son comme un moteur d’émotion, de compréhension et de mémoire.

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Zulma Rouge : anatomie d’un regard pluriel Chez Zulma Rouge, la cinéphilie ne se résume pas à une filmographie de référence. Elle est vécue, transmise, pratiquée. Avant de tenir une caméra, elle a tenu un perche, un clap, parfois même une réplique. « J’ai besoin de comprendre chaque rouage pour pouvoir exiger l’excellence sans arrogance », dit-elle. Pas de surplomb théorique ici : son approche du plateau se veut horizontale, faite de gestes concrets et de reconnaissance mutuelle.

Pourquoi le format court reste un champ de bataille Le court métrage, souvent relégué au rang d’exercice de style, est pour elle un espace politique. « On n’a pas d’argent, donc on invente », résume-t-elle. C’est aussi un espace de solitude : « Personne ne vous attend, et c’est une chance ». Une lucidité sans plainte, qui rappelle que créer, c’est aussi se heurter. Super Thérapieet sa participation remarquée au Nikon Film Festival en témoignent : ici, l’urgence n’est pas un obstacle, mais une grammaire.

"Le Syndrome" : rire, tendresse et relecture du quotidien En 2024, Le Syndrome décroche le Grand Prix du festival "jeunesse en court". Un court adapté d’un sketch de Sarah Suco et Joffrey Platel, dont elle fait un objet filmique à part entière. La matière comique y devient prétexte à révéler une humanité fragile. « Ce film a marqué un moment dans ma vie. Et surtout dans celle des comédiens », précise-t-elle. Car pour Zulma Rouge, la réussite est toujours collective.

Présider, oui, mais regarder autrement Choisie par Stéphan Philippot pour présider le jury professionnel, elle compte prendre ce rôle à bras-le-corps. Pas question de juger vite. « Je cherche la cohérence, l’intention, la vérité. Un film peut être imparfait, mais s’il me saisit, il a déjà gagné », explique-t-elle. Elle insiste aussi sur le rôle de la musique et du son : « La bande-son n’est pas une décoration. C’est une respiration ». Une déclaration qui en dit long sur sa conception immersive du cinéma. Le prix de la meilleur bande-son sera, pour la seconde année, attribué par Patrice Caillet de la Radio du cinéma.

Un long métrage en gestation : écrire dans la continuité, pas dans la rupture Le passage au long métrage est en route. Avec une co-scénariste et une production qui la suit, elle écrit. Lentement, mais sûrement. « Je veux que ce soit un prolongement, pas un changement de peau ». Le format s’allonge, mais l’exigence reste la même. Une fidélité de ton et d’équipe qui défie les cycles de séduction du milieu.

Pourquoi Jeunesse en Court reste une anomalie nécessaire Ni gala parisien, ni foire au pitch, le Festival Jeunesse en Court revendique son ancrage local et sa mission artistique. Programmation exigeante, bande-son mise en avant, absence de formalisme creux : ici, on regarde, on discute, on découvre. Et pour Zulma Rouge, c’est tout sauf un détail : Le cinéma, c’est d’abord ça.

Infos pratiques Festival Jeunesse en Court — 4ᵉ édition - Villeneuve-lès-Maguelone, Hérault - Du 13 au 15 juin 2025 - Compétitions, projections, rencontres - jeunesse-en-court.wixsite.com/jeunesse-en-court

Trois jours pour (re)découvrir le court métrage comme une forme d’avant-garde sensible, entre le collectif et l’intime.

“I’ve been chasing this story for years,” confesses Shannon A. Mullen, whose track record includes the sci-fi indie gem Prospect and the powerful short Little Misses of Color. Her latest project resurrects the roaring world of the Bentley Boys, those daring gentlemen drivers who took 1930s motor racing by storm.

At the heart of her film is a little-known but pivotal event: the race between a Bentley and the famous Blue Train, staged in 1930 by the chairman of Bentley Motors—right at the Carlton. “It was a PR stunt that turned into legend,” says Mullen, explaining why she plans to shoot scenes right at the same historic location.

But more than just engines and elegance, the film offers a long-overdue female narrative. “None of the recent racing films have featured meaningful female characters,” she notes. That changes with Dorothy Paget, a wealthy, rebellious British heiress and the first woman to own a racing team. She backed the radical “Blower Bentley” developed by Tim Birkin, which eventually outpaced the Germans at Le Mans.

Their collaboration, according to Mullen, wasn’t just about speed: “It’s about breaking rules, trusting misfits, and betting on innovation in uncertain times. It’s a story that mirrors our own era.”

Production is set to begin this August, with a ten-week shooting schedule and a potential original score by the London Symphony Orchestra. “That moment in the sound booth, hearing the music live while watching our final cut… I’m dreaming of it,” she says with a smile.

A rich period piece blending motorsport drama, queer history, and feminist spirit, The Bentley Boys could well race into the 2026 Cannes spotlight.

Depuis le mythique Carlton Hotel, en plein Festival de Cannes, Jean-Bernard, journaliste pour La Radio du Cinéma et président du Bentley Club de Monaco, a reçu la productrice et monteuse américaine Shannon A. Mullen. Elle y présente un projet de long-métrage ambitieux sur les légendaires Bentley Boys.

« Ce film, c’est un rêve de longue date », confie Shannon A. Mullen. Révélée par le thriller indépendant Prospect et le documentaire engagé Little Misses of Color, elle s’attaque aujourd’hui à un récit d’époque exaltant qui regroupera automobile, audace et luttes personnelles.

Tout démarre au Carlton : en 1930, le président de Bentley Motors y organise une course spectaculaire entre une Bentley 6 litres et le mythique Train Bleu  Un coup marketing devenu une légende du sport automobile. « L’hôtel n’a pas changé. On veut tourner ici même », explique-t-elle.

Mais au-delà de la course, le film met à l’honneur une femme méconnue : Dorothy Paget. Héritière excentrique, elle finance la fameuse Blower Bentley du pilote Tim Birkin, une voiture jugée folle à l’époque mais qui permettra à Bentley de triompher au Mans face aux Allemands.

« Ce film, c’est aussi une réponse à dix ans de blockbusters automobiles sans héroïne », affirme Mullen. Résolument féministe, son récit questionne notre époque à travers le prisme de l’innovation, du pouvoir et de ceux qui osent tout bouleverser.

Le tournage est prévu pour août 2025, sur dix semaines. Une bande originale pourrait être signée par le prestigieux London Symphony Orchestra. « Le jour où on enregistrera en direct sur le montage final, ce sera magique », s’enthousiasme-t-elle.

Entre vitesse, grandeur décadente et récit de rupture, The Bentley Boys pourrait bien s’offrir la Croisette en 2026. à suivre sur la radio du cinéma

Dès les premières minutes, le spectateur est plongé dans l'univers de l'Inspection Générale de la Police Nationale (IGPN), souvent surnommée la "police des polices". Stéphanie, interprétée par Léa Drucker, est chargée d'enquêter sur le cas 137 : un adolescent blessé à la tête par un tir de LBD lors d'une manifestation.Radio France+1TF1 INFO+1

Le film adopte une approche quasi-documentaire, et mêle images de vidéosurveillance, extraits de réseaux sociaux et témoignages pour reconstituer les faits. Cette méthodologie rigoureuse met en lumière les difficultés rencontrées par les enquêteurs pour établir la vérité dans un contexte de tensions sociales et de méfiance envers les institutions.

Léa Drucker livre une performance remarquable, en incarnant une femme tiraillée entre son devoir professionnel et ses convictions personnelles. Stéphanie est confrontée à des dilemmes moraux, notamment lorsque l'enquête la ramène dans sa ville natale, où elle découvre que la victime est originaire du même quartier qu'elle. Cette proximité renforce son engagement, mais l'amène également à franchir certaines limites, mettant en péril sa propre intégrité.  The Guardian

La relation de Stéphanie avec son fils, qui lui demande innocemment : "Pourquoi tout le monde déteste la police ?", ajoute une dimension humaine et émotionnelle au récit. Cette question, simple en apparence, résonne tout au long du film, et souligne la complexité des rapports entre la population et les forces de l'ordre.

Dossier 137 ne se contente pas de relater une enquête policière ; il offre une critique incisive du système judiciaire et des mécanismes qui permettent à certains policiers de bénéficier d'une impunité. Le film met en lumière les obstacles rencontrés par les enquêteurs de l'IGPN : pressions hiérarchiques, solidarité entre collègues, influence des syndicats et des médias.

Dominik Moll souligne également la difficulté de faire émerger la vérité dans un contexte où les images peuvent être manipulées ou sorties de leur contexte. La quête de Stéphanie pour établir les faits se heurte à une réalité où chaque preuve est sujette à interprétation, et où la justice semble parfois impuissante face aux rouages d'un système bien huilé.

En abordant des thématiques brûlantes comme les violences policières, la défiance envers les institutions et la complexité des enquêtes internes, Dossier 137 s'inscrit dans une actualité récente et interroge sur le fonctionnement de notre société. Le film ne propose pas de réponses toutes faites, mais invite à la réflexion, en exposant les tensions et les contradictions inhérentes au système judiciaire et policier.

La mise en scène sobre et efficace de Dominik Moll, alliée à la performance intense de Léa Drucker, fait de Dossier 137 un film marquant de cette édition du Festival de Cannes. Un polar engagé qui, au-delà de son intrigue, questionne notre rapport à la justice et à la vérité.

• Titre : Dossier 137

• Réalisateur : Dominik Moll

• Actrice principale : Léa Drucker

• Durée : 115 minutes

• Sortie prévue : fin 2025

• Production : Haut et Court

• Sélection : Compétition officielle, Festival de Cannes 2025

Depuis 2022 TikTok est partenaire officiel du Festival de Cannes. Mais en 2025, la plateforme franchit un cap symbolique en installant sa propre plage, un lieu dédié aux créateurs, aux rencontres et à la création de contenus autour du cinéma. “Certains invités n'ont jamais mis les pieds dans un festival”, explique Fabien Laxague. “Cannes devient pour eux un moment unique qu’ils retranscrivent avec leur propre regard, via des vidéos très spontanées”.

Le ton est donné : pas de critiques de films traditionnelles, mais une immersion dans l'événement, à travers des contenus où le glamour côtoie les thématiques engagées. “Cannes, ce n’est pas que du cinéma : c’est aussi de la mode, de la beauté, du style de vie”, souligne Fabien Laxague. Autant d’angles que les créateurs invités exploitent pour toucher des communautés parfois éloignées des salles obscures.

Nous parlons aussi du lancement de TikTok Spotlight, l’ambition est claire : connecter la découverte à l’action. Grâce à cette nouvelle fonctionnalité, les utilisateurs peuvent non seulement explorer des films, mais aussi acheter leur place de cinéma ou un abonnement VOD sans quitter l’application. “C’est un tournant stratégique”, affirme Fabien Laxague. “On veut créer un écosystème complet, de la recommandation à l’achat.”

Et les résultats sont là. Des films comme Le Consentement ou Le Comte de Monte-Cristo ont vu leur audience boostée par l'engagement des utilisateurs sur la plateforme. “Des millions de vues, des critiques spontanées, des émotions partagées : cela pousse les gens à aller en salle”, témoigne-t-il. À l’image du hashtag viral #OnRegardeQuoi, TikTok devient un prescripteur culturel de premier plan.

Une position que la plateforme assume pleinement : “Nous ne remplaçons pas la critique journalistique, mais nous la complétons avec des voix différentes, plus proches de celles du public”, conclut Fabien Laxague. Un modèle hybride, entre industrie et influence, qui redessine les contours de la cinéphilie contemporaine.

Kamel, ambitieux et débordé, est prêt à conclure une affaire juteuse lorsque sa mère (Farida Ouchani) l'oblige à tout plaquer pour prendre la route du Maroc avec elle. À bord de la vieille Renault 21 familiale — fidèle vestige des départs en vacances avec son père — commence alors un périple long, chaotique, parfois hilarant, souvent bouleversant. Un voyage qui va le forcer à se reconnecter à ce qu’il avait enfoui : ses racines, ses émotions, sa famille.

"Le plus beau voyage, c’est d’être ensemble", dit une des phrases phares du film — et tout y est. Car ce road trip devient vite une thérapie, un retour aux sources salvateur, au fil des souvenirs, des rancunes et des révélations qui émergent dans la promiscuité de l’habitacle.

Pour Nabil Aitakkaouali, co-réalisateur passé par les quartiers populaires de Brive, ce projet est profondément personnel. Fils d’ouvrier marocain et de mère au foyer, il a grandi avec “la faim de réussir” transmise par ses parents. Ce film, il le dit, est un devoir de mémoire, une façon de raconter ces voyages estivaux qui ont marqué des millions de familles issues de l’immigration, mais aussi de parler d'ascension sociale et de fierté retrouvée.

Le scénario, co-écrit avec Redouane Bougheraba, mêle habilement comédie et introspection, et aborde des thèmes universels avec pudeur et humour : le poids des origines, les fractures identitaires, le choc entre les générations.

Autour de Bougheraba, on retrouve Caroline Anglade dans le rôle de sa femme, et Farida Ouchani, lumineuse dans celui de la mère. Deux figures féminines fortes, loin des clichés, qui ancrent le récit dans une réalité sensible et bienveillante.

La richesse du film vient aussi de son regard sur les enfants de couples mixtes, ceux qui cherchent encore leur place entre deux cultures. Sur la route de papa évoque autant le Maroc que le Portugal, Yougoslavie et autres pays d'origines, et c’est toute la force du film : il réveille des souvenirs communs, bien au-delà des frontières.

La bande originale fait la part belle aux émotions, avec des chansons puissantes qui accompagnent les moments-clés du voyage. Car la musique, ici, n’est pas un simple habillage : elle porte la mémoire, comme un goût ou une odeur peut raviver une époque oubliée.

Dès la sortie de la bande-annonce, les réactions n’ont pas tardé : des jeunes, des parents, des enfants de l’immigration — mais pas seulement — reconnaissent leur histoire. "J’ai vécu ça !", lit-on souvent. C’est peut-être ça, la réussite du film : parler à tous à travers une histoire intime.

Drôle, tendre, parfois nostalgique, Sur la route de papa n’est pas juste un road movie — c’est un miroir tendu à toute une génération. Celle qui a grandi entre deux cultures, celle qui a appris à faire la paix avec ses parents… et parfois avec elle-même.

Rendez-vous en salles le 18 juin. Y a que les routes qui sont belles, et peu importe où elles nous mènent

Au micro de Manuel Houssais, Grégory Magne confie que le projet est né d’un double élan : une réflexion sur la médiation au sein des groupes et une interrogation sur ce qui pourrait pousser les spectateurs à revenir en salle, après les confinements. Il se remémore une expérience sensorielle intense : une violoncelliste jouant seule dans une salle vide, où chaque respiration, chaque vibration semblait s’adresser directement à lui. C’est cette émotion qu’il a voulu transmettre au cinéma.

Le cœur du film bat au rythme des archets : "Il fallait qu’on croit à ces musiciens, qu’ils soient crédibles", insiste Grégory Magne. Le casting s’est donc fait parmi des comédiens musiciens ou des musiciens néophytes en comédie. Résultat : un vrai quatuor à l’écran, aussi juste dans le jeu que dans l’interprétation musicale.

Au centre de l’intrigue, une héritière souhaite rendre hommage à son père, passionné de musique classique, en rassemblant quatre instruments anciens, dont un Stradivarius. Autour de ce projet, un quatuor renaît, et avec lui, toutes les tensions, fragilités et beautés de la collaboration artistique.

Frédéric Pierrot incarne Charlie Beaumont, compositeur fictif et énigmatique. Pour entrer dans ce rôle, il a commencé par écouter la musique composée par Grégoire Hetzel, "C’est là que tout commence. En écoutant, je me demande : comment j’aurais composé ça, moi ?"

Pour l’acteur, le son a toujours primé sur l’image. "Le son, c’est aussi le silence, les voix, les frottements… c’est ce qui touche." Il évoque son admiration pour les instruments anciens, la longévité des Stradivarius, et cette idée : "On est tous un peu des instruments à cordes."

Fait rare : le réalisateur a constitué son équipe technique en partant du son, recrutant d’abord un mixeur, puis les ingénieurs du son, avant même le directeur de la photographie. "Il y avait beaucoup de questions, peu de certitudes, et ça permettait de chercher ensemble", se réjouit Grégory Magne. Une approche humble et collective, à l’image du quatuor filmé.

S’il y a un film qui a inspiré Grégory Magne, ce n’est pas un drame intimiste européen, mais le documentaire Some Kind of Monster, sur Metallica. "Même si je ne suis pas un spécialiste du métal, ce film est passionnant et drôle. Je voulais faire quelque chose d’humain et touchant comme ça."

À l’évocation du tournage, les souvenirs refont surface. "Oui, il y a eu des moments de grâce", dit le réalisateur. Notamment ce concert final, ou une scène au coin du feu dont il préfère taire les détails. "Quand la musique fonctionne, il n’y a rien à ajouter." Frédéric Pierrot, lui, se souvient de la présence tutélaire du compositeur Jean Françaix, découvert par hasard et devenu une influence discrète, mais profonde.

Les Musiciens est un film sur l’écoute, au sens propre comme au figuré. Sur ces instants fragiles où quatre individualités s’accordent, sans chef d’orchestre, à l’instinct. Où les émotions passent par les cordes, la voix, et le silence. Et où le cinéma, parfois, parvient à faire entendre ce que seuls les musiciens entendent.

Une interview réalisée à l'occasion du Festival du Cinéma Européen de Meyzieu: FCEM

Rien ne le destinait à composer pour le cinéma outre-Rhin. En 2015, en visite à Hambourg, il tombe amoureux... et décide de s'y installer. Dix ans plus tard, Amaury y construit sa famille et sa carrière, sans avoir au départ aucun réseau ni même parler allemand.

Issu d’études littéraires, il développe une approche narrative très marquée. Pour lui, "servir l’histoire" reste la mission première de la musique. Curieux de tout, il apprend seul l’orchestration, le mixage, et revendique une méthode de travail profondément organique. Il refuse les outils automatiques et privilégie l’émotion humaine : "La personnalité, c’est ce que l’IA ne pourra jamais remplacer."

Amaury a été récompensé par le Deutscher Filmmusikpreis (prix de la musique de film allemande), puis le prix du meilleur compositeur au festival Independent-Days de Karlsruhe. Deux distinctions majeures, pour deux projets très différents : un film d’animation et un long métrage familial. Il y compose des chansons rock, des orchestrations symphoniques et même un big band.

Amaury milite pour un cinéma audacieux. "Trois projets annulés cette année pour être trop fous ou trop politiques", confie-t-il. Il espère une industrie plus ouverte à la diversité artistique et aux récits engagés, aussi bien en France qu’en Allemagne.

Inspiré notamment par Jonny Greenwood (Radiohead, films Phantom Thread et The Power of the Dog) il cultive un style personnel, tout en finesse et en narration. "Chaque film est un défi, j’y apporte toujours ma propre couleur."

Découvrez son univers musical :

• www.amaury-bernier.com

• linktr.ee/amaury_bernier

Une interview réalisée pour La Radio du Cinéma, qui diffuse régulièrement ses musiques.

Née en 1967 à Remiremont, dans les Vosges, Valérie Perrin passe son enfance en Bourgogne, dans une famille baignée par le football professionnel. À 19 ans, elle s’installe à Paris où sa rencontre avec le réalisateur Claude Lelouch en 2006 marque un tournant majeur.

Elle débute comme photographe de plateau, puis devient co-scénariste sur plusieurs films, dont Salaud, on t’aime, Un + une et Chacun sa vie.

"Être cinéaste, c’est être héroïque", confie-t-elle aujourd'hui, admirative des artisans du 7ᵉ art. Ce contact étroit avec le cinéma nourrit son style d’écriture, très imagé, presque scénarisé.

Dans son dernier ouvrage, Tata, Valérie Perrin intègre de nombreux éléments issus du cinéma. L'héroïne du roman, Agnès, est une réalisatrice à succès, un choix loin d’être anodin :

"Je voulais rendre hommage aux cinéastes du monde entier, à leur capacité à rêver et faire rêver."

Cinéphile passionnée, Valérie Perrin évoque dans son livre des références claires à des chefs-d'œuvre tels que Freaks de Tod Browning et cite Amadeus de Miloš Forman comme son film préféré de tous les temps. Elle admire aussi l’univers sensible de Claude Sautet et le génie d’Alain Resnais.

Valérie Perrin nous plonge dans une narration où le cinéma est partout : dans l'âme des personnages, dans la construction visuelle des scènes, et dans le rythme émotionnel du récit.

Le lien entre Valérie Perrin et le cinéma s’intensifie encore avec l’adaptation de son best-seller Changer l’eau des fleurs.

Réalisé par Jean-Pierre Jeunet (Le fabuleux destin d’Amélie Poulain), avec Leïla Bekhti dans le rôle de Violette, le tournage débutera prochainement à Autun. Un clin d'œil : Jean-Pierre Jeunet a lui-même des racines profondes à Gueugnon, comme l’a révélé Valérie Perrin lors de notre échange.

"La vie est folle... Elle invente toujours mieux que nous," confie-t-elle avec émotion.

Avec Tata , Valérie Perrin signe un roman où s'entremêlent secrets de famille, passions populaires (le Football Club de Gueugnon) et hommage aux petites communautés ouvrières.

Porté par un terreau autobiographique (son père fut recruté par le FCG), Tata est une histoire chaleureuse, émotive, où l'on retrouve aussi le regard aiguisé d'une cinéaste sur les destins ordinaires.

Son écriture imagée, inspirée de ses années de photographe de plateau, fait de Tata un véritable film intérieur pour chaque lecteur.

C’est lors du 4e Salon du Livre de Toulon-sur-Arroux  que Valérie Perrin nous a partagé avec Manuel Houssais, ses souvenirs et sa passion pour le cinéma et l’écriture.

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Pour Philippe Lellouche, grand amateur de pop culture, les années 80 résonnent comme un âge d'or. Fan absolu de Retour vers le futur, il se reconnaît autant en Doc qu'en Marty — au point d’avoir appelé son chien "Marty".

"Quand l’avenir est inquiétant, le passé rassure. Et puis, nous, on a eu des films arrivés comme des ovnis : Les Goonies, La Folle Journée de Ferris Bueller, E.T., tout est devenu culte."

À ses yeux, ce n'est pas être réac que d'affirmer que "c'était mieux avant" : on était surtout plus libre, plus insouciant, plus joyeux.

Dans Stand Alone, Philippe Lellouche évoque avec tendresse la disparition d’un rituel générationnel : le slow.

"Si les boîtes de nuit sont vides aujourd’hui, c’est parce qu’il n’y a plus de slow !"

À travers cette réflexion, il déplore une époque où les rencontres réelles ont laissé place aux photos truquées des réseaux sociaux. Il regrette la magie du hasard, du regard échangé dans la pénombre d’une piste de danse. Un véritable appel à retrouver l'authenticité dans les relations humaines.

Sur scène, Philippe Lellouche se confie aussi sur son parcours d'acteur. Il révèle qu’il a longtemps nourri un rêve de cinéma, né d'une admiration profonde pour Claude Lelouch.

"Je me demande si je n’ai pas fait le métier d’acteur pour tourner avec Claude."

Un lien renforcé par un incroyable hasard personnel : le père de Philippe Lellouche s'appelait lui aussi Claude Lellouche.
Un signe du destin qui n’a fait que renforcer son envie de devenir comédien et de croiser un jour, avec son frère Gilles, la route du réalisateur mythique d’Un Homme et Une Femme.

Loin d'une vision passéiste, Stand Alone est un spectacle nourri de nostalgie positive :

"Le passé est une source d'inspiration géniale. Se souvenir de jolies choses, c'est beau."

Philippe Lellouche s’adresse avec humour et émotion à une génération entière, celle qui a grandi entre Vinyles, slows et rêves de liberté. Entre éclats de rire et moments tendres, il nous invite à revivre une époque où tout semblait possible. Un sujet qu'il aimerait aborder au cinéma, mais son frère lui a déjà "piqué" toute sa playlist de musiques de l'époque pour "l'amour ouf" !

Paris, Hôtel Drouot, jeudi 24 avril 2025, Il est 09h, et déjà les collectionneurs se pressent dans la salle 9. Au programme ? Une vente aux enchères dédiée aux affiches de cinéma, orchestrée par Tessier & Sarrou et Associés, l’un des piliers du marché de l’art à Paris. Une journée rythmée par les coups de marteau, les souvenirs de spectateurs et la passion palpable pour ces morceaux de papier qui valent parfois de l’or.

Manuel Houssais a tendu le micro à Maître Vincent Sarrou, commissaire-priseur, pour mieux comprendre ce qui se joue vraiment derrière ces encarts grand format.

« Une affiche de cinéma, ce n’est pas juste un objet : c’est une émotion encadrée. » Voilà comment Vincent Sarrou résume la ferveur des collectionneurs. Ces affiches, souvent pliées et conservées avec soin, représentent une époque, une salle obscure, une séance marquante. Elles réveillent l’adolescence, l’enfance, les films vus (ou rêvés), les acteurs adorés.

Le cinéma français, le Hollywood des années 50, les chefs-d’œuvre italiens, le cinéma japonais des années 60… Toutes les écoles sont représentées, et chaque lot raconte une histoire visuelle qui précède celle du film lui-même.

À cette question, Maître Sarrou répond sans détour : « C’est un faisceau d’indices. »
Voici les principaux critères qui font grimper les enchères :

• La notoriété du film (Ex. : À bout de souffle de Jean-Luc Godard)

• La célébrité des acteurs (Une affiche avec Brigitte Bardot ou Humphrey Bogart attire plus)

• La rareté (affiches d’époque, pas de réédition)

• L’esthétique graphique (signatures comme René Ferracci ou Dugo)

• L’état de conservation : entoilée ou non, restaurée, couleurs fraîches

Résultat : certaines affiches mythiques s’envolent à plus de 20 000 €, comme une rare affiche des Frères Lumière vendue chez Drouot, tandis que d’autres débutent à 50 €.

La majorité des collectionneurs, explique Vincent Sarrou, ne les accrochent même pas au mur. Ces passionnés possèdent parfois des centaines, voire des milliers d’affiches, classées par décennie, pays ou réalisateurs. Une collection discrète, précieuse, stockée comme on le ferait d’un album de timbres.

Grâce à Drouot Live, la plateforme de vente en ligne de la maison, les enchères deviennent mondiales. États-Unis, Nouvelle-Zélande, Angleterre, Japon... les collectionneurs du monde entier enchérissent en direct, élargissant chaque vente au-delà des murs haussmanniens de Paris.

Vincent Sarrou est formel : « Achetez ce qui vous plaît. »
L’aspect spéculatif vient ensuite. L’essentiel, selon lui, est de trouver les films qui résonnent avec votre mémoire, de vérifier l’authenticité (éviter les rééditions), et de faire confiance à des experts comme Alexandre Boyer pour distinguer l’original du faux.

Contrairement à certaines idées reçues, la collection d’affiches n’est pas réservée à une élite. Pour 150 €, 300 €, il est possible de repartir avec un fragment d’histoire du cinéma à chérir et transmettre.

Voici quelques sites et plateformes de référence pour explorer le monde des affiches de cinéma :

• Galerie 123 – Affiches originales du monde entier

• Cinematerial – Base de données d’affiches internationales

• Drouot.com – Plateforme de ventes aux enchères parisiennes

• René Ferracci – Archives – L’un des grands maîtres de l’affiche française

• La Cinémathèque française – Expositions et fonds d’archives

• Institut Lumière – Origines du cinéma et expositions à Lyon

Sophie Guiter commence sa vie professionnelle dans les cabinets vétérinaires, mais l’appel de la scène est trop fort. Elle monte sur les planches, se forme au théâtre, met en scène Feydeau, Tchekhov, et écrit même sa propre pièce : Un chien dans ma vie, inspirée de sa pratique vétérinaire et d’un drame familial.

Mais ce n’est que plus tard qu’elle s’attaque à l’un des plus grands chantiers éditoriaux de sa vie : reprendre et finaliser le travail de sa mère, Françoise, décédée en 2017, sur l’œuvre de Germaine Richier, artiste majeure trop longtemps restée dans l’ombre de ses contemporains masculins.

Ce catalogue raisonné, véritable bible de l’œuvre de Richier, c’est sept années de travail acharné : tri d’archives, restauration de photographies anciennes, mise en page fidèle à la maquette pensée par sa mère, ajout de commentaires personnels et narratifs de celle-ci. Une œuvre d’art sur l’œuvre d’art, bilingue, technique et sensible, soutenue par le ministère de la Culture et des collectionneurs passionnés.

Un défi aussi technique que financier, qui l’a vue affronter des logiciels obsolètes, des bases de données à reconstruire et un océan d’œuvres à documenter. Mais pour Sophie Guiter, il ne s’agissait pas seulement d’un projet éditorial : c’était un devoir de mémoire, un geste d’amour.

Issue d’une famille où le cinéma, la sculpture et la céramique se côtoyaient au quotidien — son père cinéaste puis publicitaire, sa mère céramiste, son frère réalisateur — Sophie Guiter a grandi au cœur de la création. Loin d’en faire un musée familial figé, elle en fait une matière vivante.

Avec ce catalogue, elle ne se contente pas de réhabiliter Germaine Richier, cette pionnière du corps morcelé, du bronze organique, du sacré difforme — elle restitue aussi à sa mère une place de première importance dans l’histoire de l’art, elle qui avait consacré 60 ans de sa vie à ce travail.

Le premier tome — déjà salué comme une référence — couvre les années de jeunesse artistique de Germaine Richier. Sophie Guiter travaille actuellement sur les tomes II (1947–1954) et III (1955–1959), avec la même rigueur documentaire et la même sensibilité personnelle.

Son ambition ? Faire redécouvrir Germaine Richier à un large public, au-delà des seuls spécialistes, et montrer que l’art est une affaire de transmission, de fidélité et de passion.

Pour aller plus loin

• • Sophie Guiter : Fiche Artiste - AgencesArtistiques.com
  • Les éditions Silvana
  • Germaine Richier : MoMA - Germaine Richier
  • Nathalie Boutefeu : AlloCiné - Nathalie Boutefeu
  • Lorraine Levy réalisatrice de Clémenceau, la force d’aimer
  • Mathieu Amalric : CinéCinéphile - Interview de Mathieu Amalric
  • Patrick Haggiag : Metteur en scène de théâtre
  • René Char : Wikipedia - René Char
  • Jean-Louis Prat : Fondation Maeght - Jean-Louis Prat
  • Centre Pompidou Exposition Germaine Richier

Photographie David Marmier

Le cinéma français nous offre avec "Des jours meilleurs" une œuvre rare qui aborde frontalement un sujet encore tabou : l'alcoolisme féminin. Porté par un trio d'actrices remarquables - Valérie Bonneton, Sabrina Ouazani et Michèle Laroque - ce film bénéficie de l'expérience inestimable de Laurence Cottet, consultante et ancienne alcoolique devenue patiente-experte en addictologie.

Présidente de l'association française Janvier Sobre, à l'initiative du "Dry January" en France, Laurence Cottet a partagé avec les actrices et les réalisateurs son parcours personnel : "J'ai cette chance d'avoir été contactée par la réalisatrice il y a deux ans," explique t-elle. Son intervention a été déterminante pour la réalisatrice Elsa Bennett : "On avait besoin de son vécu et aussi de son expertise sur le scénario. Elle nous a donné beaucoup d'informations sur les centres, sur la manière dont se passaient les parcours de soins, sur les patients experts." Plus encore, Laurence a ouvert à l'équipe les portes des centres d'addictologie, un accès que les réalisateurs avaient tenté d'obtenir pendant six mois sans succès : "C'est vraiment Laurence qui a réussi à emmener toute l'équipe, ça a été notre sésame."

La force de "Des jours meilleurs" réside dans son approche quasi documentaire. Grâce aux conseils de Laurence Cottet, le film regorge de détails authentiques : "Les photos accrochées dans les chambres, cette fameuse photo qu'on fait quand on arrive et qu'on regarde au bout d'un certain nombre de semaines, l'accueil avec les éthylotests, la manière dont on est surveillé..." énumère Elsa Bennett.

Laurence Cottet a également partagé son parcours personnel avec les actrices : "J'ai vu cette humilité de ces actrices de renom, talentueuses, à vouloir s'abaisser pour tout comprendre, à poser toute question, même un peu personnelle, sur ma vie, sur mon parcours. C'était tellement profond, leur recherche de vérité." Ce travail préparatoire a permis aux comédiennes d'incarner avec justesse des femmes en lutte contre leur addiction.

La consultante confie avoir ressenti une "sacrée responsabilité" face à la confiance qui lui était accordée : "J'avais tout perdu, et puis un coup de téléphone : on va te faire confiance, on a besoin d'une expérience." Cette collaboration a conduit à de nombreuses réécritures du scénario pour être au plus près de la réalité des parcours de soins.

Le film s'inspire du rallye des Gazelles, une compétition 100% féminine dans le désert marocain, pour symboliser le chemin vers la guérison. Ce cadre devient un puissant symbole de la métamorphose intérieure des trois protagonistes, coachées par Denis (Clovis Cornillac).

"Ce que j'attends de ce film, c'est d'abord donner de l'espoir à toutes les femmes qui souffrent. Et quand je dis toutes, c'est un million cent, un million cinq cent mille.. On n'a pas un chiffre exact parce qu'on se cache," explique Laurence Cottet. "J'aime beaucoup que ce film se termine bien. Il n'est pas dans le pathos. Il n'y a pas de sang. Il y a que l'espoir, et pourtant les messages les plus importants sur la maladie, sur la difficulté du parcours de soins sont là."

Sa contribution au film "Des jours meilleurs" s'inscrit dans sa démarche de sensibilisation : "Amener ces femmes à sortir de la honte et enclencher un parcours de soins." Un message d'espoir et de résilience qui résonne dans chaque scène du film.

"Des jours meilleurs" sort dans les salles le 24 avril 2025, distribué par Wild Bunch Distribution

Le travail de monteur est comparable à de la haute couture selon Christine Lucas Navarro.

"On prend sur chaque prise les meilleurs moments. C'est un peu un puzzle où il faut assembler tout ça avec chaque meilleur moment de chaque plan et de chaque prise," explique-t-elle.

Cette étape cruciale peut parfois sauver un comédien ou un film, même si la monteuse tempère en précisant qu'on "ne peut pas faire l'impossible". Son travail consiste à recevoir les rushs quotidiennement pendant le tournage, à réaliser une première version seule, puis à retravailler chaque scène avec le réalisateur pour ajuster, couper ou rallonger le film.

Pour "Aimons-nous vivants", le défi principal était la longueur du film, "assez bavard" selon la monteuse.
Mais ce qui l’a frappée dès les premiers rushs, c’est la complicité évidente entre Gérard Darmon et Valérie Lemercier :

"Ça se voyait en fait que ça prenait entre eux et qu'il y avait un vrai truc qui fonctionnait."

Christine Lucas Navarro a immédiatement perçu des similitudes avec "Les Émotifs anonymes", un précédent succès de Jean-Pierre Améris, notamment dans le ton du film qui mêle comédie et émotion avec finesse.

Dans sa collaboration avec Jean-Pierre Améris, Christine Lucas Navarro explique que ce réalisateur n’aime pas voir les rushs pendant le tournage, et n’intervient qu’une fois le premier montage achevé. Ensemble, ils déterminent :

"Dans quelle direction aller : est-ce plus comédie ou plus d’émotions ? Quel personnage prend trop de place ?"

La monteuse insiste sur l’importance de se mettre au service du film et du réalisateur, tout en y apportant sa sensibilité. Le travail musical a également représenté un défi, notamment pour intégrer la chanson de François Valéry, qui donne son titre au film – une arrivée tardive en raison de droits musicaux.

Une interview réalisée dans le cadre du FCEM | Festival du Cinéma Européen de Meyzieu

C’est suite à une conversation avec Michele Vasilescu, responsable de l’Alliance Francophone de Palm Beach — avec qui il avait déjà collaboré il y a dix ans — que Yann Lerat a décidé de relancer ce rendez-vous cinématographique. Cette fois, l’événement prend une dimension solidaire : tous les bénéfices seront reversés aux victimes des récents incendies en Californie.

"On s’est dit que ce serait bien de refaire ce type d’événement, mais au profit des victimes des incendies."

L’événement aura lieu au Play House de Lake Worth au nord de Miami. Connue pour avoir été la résidence des Kennedy et aujourd’hui celle de Donald Trump à Mar-a-Lago, Palm Beach abrite une population cosmopolite, dont une communauté francophone. Chaque hiver, plus de 1,5 million de Québécois s’y retrouvent, sans compter les Français, Suisses et Belges de passage.

La soirée débutera avec la projection de trois courts-métrages :

• Je suis un clown de Clément Odrat

• Eyes of Darkness de Vincent Pelisse

• La Messagère de l’heure bleue de Samia Ménar

Suivra un long-métrage inédit du réalisateur Christian Le Hémonet, où Yann Lerat incarne Ulysse, un père manipulateur qui tente de reconquérir son ex-compagne par le biais de leur fille.

Enfin, une rencontre avec le public permettra d’échanger autour des films et de la démarche humaniste de l’événement.

Formé au Conservatoire de Strasbourg, Yann Lerat a grandi en Alsace avant de s’installer à Cannes. Il est apparu dans des films comme Alibi.com (2017) ou encore Fatale Déliss (2021). Il est aussi ambassadeur de la marque Côte d’Azur France.

"La langue française, c’était la langue des diplomates... Elle permet de toucher du doigt la philosophie des grands esprits humanistes."

Pour lui, transmettre cette culture à travers le monde est une mission essentielle. Et il y croit fermement : l’humanisme, la langue, la mémoire et l’art sont des outils puissants pour "rendre le monde meilleur".

Yann Lerat confie également rêver d’un grand rôle historique : Louis II de Bavière. Séduit par la complexité du personnage, passionné par ses châteaux, et intrigué par son romantisme, l’acteur imagine même une version contemporaine du mythe, où Sarah Biasini — la fille de Romy Schneider — reprendrait le rôle de Sissi.

"Il y aurait de la matière pour faire quelque chose de super, avec les moyens d’aujourd’hui. Et je pense qu’on manque un peu de romantisme, en ce moment."

Avec cet événement du 25 avril 2025, Yann Lerat propose bien plus qu’une soirée cinéma : un moment de mémoire, de partage et de lien entre continents. Une initiative qui rappelle combien la culture peut rassembler, consoler et éclairer.

Infos pratiques et billetterie : 25 avril 2025 à 18h au Play House de Lake Worth, 713 Lake Avenue, Lake Worth, FL 33460 , au profit des victimes (humaines et animales) des incendies de Californie via IFAW
RSVP: info@francopb.org  

Photo: Frédéric Courtois - Paris

bande-annonce du film sur Vimeo On Demand.

Un pan d’histoire invisibilisé Dans les années 1980, le petit village grec d’Eressos devient sans le savoir un refuge pour des femmes venues du monde entier. Dans un monde où l’homosexualité féminine est marginalisée, ces lesbiennes trouvent dans ce lieu sauvage et lumineux un espace de liberté, de sororité, et de renaissance. Mais cette histoire, comme tant d’autres, risque l’oubli. "Nous n’existons pas dans les archives", explique Tzeli Hadjidimitriou, qui a vécu cette transformation de l’intérieur.

Une archive essentielle Fruit de plus de 10 ans de travail, le film rassemble plus de 100 heures d’entretiens et de documents rares, numérisés à partir de photos et de films analogiques retrouvés chez les anciennes de la communauté. LESVIA raconte les amitiés, les amours, les combats et la joie de celles qui ont décidé de vivre libres. Le montage, porté par la voix de la réalisatrice, suit un fil intime et collectif, celui d’une mémoire lesbienne européenne trop longtemps restée dans l’ombre.

Eressos, personnage principal Plus qu’un décor, le village d’Eressos est une présence. La caméra de Tzeli Hadjidimitriou y capte les quatre saisons, les plages, les lumières et les silences de ce lieu où tout semble possible. LESVIA n’est pas qu’une histoire de femmes, c’est aussi celle d’un territoire métamorphosé par la présence queer.

Une réconciliation avec le passé En donnant la parole à celles qui ont osé aimer, s’affirmer et construire un espace safe, le film devient un outil de réconciliation. "Faire ce film m’a guérie", dit la réalisatrice. Pour toutes les générations futures, il devient un repère, un phare.

Un avenir pour la mémoire lesbienne Tzeli Hadjidimitriou souhaite maintenant créer un centre d’archives lesbiennes à Eressos, à partir des centaines d’heures d’entretiens déjà réalisés. Le film LESVIA sera projeté tout au long de la saison 2024-2025 dans les festivals membres de la Fédération des festivals de films LGBTQIA+, tels que le Festival Chéries-Chéris à Paris ou Face à Face à Saint-Étienne, pour transmettre, partager, et ne pas oublier.

Web article (English version)

"LESVIA": A Living Archive of Women, Freedom, and a Mythical Place

Winner of the "Coup de coeur" prize from the French Federation of LGBTQIA+ Film Festivals, LESVIA by Greek filmmaker Tzeli Hadjidimitriou is more than a documentary: it's a political act, a poetic tribute, and a vibrant testament to the lesbian community of Eressos, on the island of Lesbos.

Watch the official trailer on Vimeo On Demand.

Recovering an erased history In the 1980s, the sleepy Greek village of Eressos unexpectedly became a haven for women from around the world. Amidst a time of invisibility and shame, lesbians found in Eressos a place of freedom, sisterhood, and natural beauty. "We don’t exist in the archives," says Hadjidimitriou, who experienced this story firsthand and felt compelled to preserve it.

An essential archive After over a decade of work, the director gathered more than 100 hours of interviews and rare analog footage and photographs. LESVIA gives voice to the women who came, loved, fought, and celebrated together. Told in the filmmaker’s own voice, the film weaves a deeply personal and collective narrative of European lesbian history.

Eressos as a protagonist The island isn’t just a backdrop—it is a character. Hadjidimitriou captures the changing seasons and the soul of Eressos, where freedom is tangible. LESVIA is as much a love letter to a place as it is to a people.

A journey of healing By documenting this history, the film offers reconciliation. "This film healed me," says the director. For future generations, it becomes a beacon, reminding us of the power of memory and visibility.

A future for lesbian heritage Tzeli Hadjidimitriou now plans to create a Lesbian Archive Center in Eressos, drawing from the extensive material already collected. LESVIA will continue its journey throughout the 2024–2025 season, featured across LGBTQIA+ film festivals in France—including Chéries-Chéris in Paris and Face à Face in Saint-Étienne—a call to remember, celebrate, and pass on the legacy.

• Tzeli Hadjidimitriou –Dans films documentaires

• Festival Chéries-Chéris – Programme sur Allociné

• La Fédération française des festivals LGBTQIA+ – Page sur QueerScreen

• Critique de LESVIA – FrenchMania ou Têtu

• Sappho – Présentation sur Poetry Foundation

• Festival Vues d’en Face (Grenoble) – Site officiel

• Festival Cinepride (Nantes) – Site officiel

• Festival Désir Désirs (Tours) – Infos sur Cinéma Studio Tours

• Festival Image+Nation (Montréal) – Page officielle

• Sappho : fragments traduits – Traduction bilingue

• Archives LGBTQIA+ en Europe – European Queer Archives Network (EQAN)**

• Projet d’archives lesbiennes (présenté dans LESVIA) – Détail sur le site officiel du film

Premier souvenir de cinéma ? Philippe Rebbot  déjoue les attentes. Ce n’est pas un écran noir dans une salle obscure, mais une bande sonore, celle de Macadam Cowboy écoutée en boucle sur d’antiques cartouches audio au Maroc, où il grandit. À l’époque, le petit Philippe imagine un western, se rejoue des scènes dans sa tête, meurt dans les bras d’une maîtresse d’école fantasmée… Jusqu’à ce qu’il découvre, adolescent, le véritable film de John Schlesinger : un choc, évidemment. « Rien à voir avec ce que j'avais imaginé, mais c’est un film qui me colle à la peau », confie-t-il.

S’il s’est retrouvé devant la caméra sans l’avoir prémédité, Philippe Rebbot s’est rapidement trouvé un guide : Patrick Dewaere. « Quand je ne sais pas comment jouer une scène, je me demande toujours : comment lui l’aurait jouée ? » dit-il, sans détour. Il ajoute en riant : « Je suis juste un imitateur de Patrick Dewaere, mais comme je suis un mauvais imitateur, personne ne s’en rend compte. » Chez les Américains, il revendique un goût pour les acteurs aux fêlures visibles : Nicolas Cage, entre autres, qu’il voit comme un Dewaere d’outre-Atlantique.

Philippe Rebbot n’a pas pris l’ascenseur, mais les escaliers de service. Il a commencé en régie, à faire des sandwichs pour les équipes de tournage. Quinze années dans l’ombre, à apprendre les plateaux de l’intérieur, avant qu’un rôle de barman dans L’Ennui de Cédric Kahnne vienne bouleverser sa trajectoire. Le remplaçant d’un acteur absent devient, contre toute attente, un visage du cinéma français. « Les rôles se sont enchaînés… Enfin, doucement, hein. Je bosse pas tant que ça », dit-il avec l’humilité non feinte de celui qui a souvent dit bonjour et au revoir dans les films.

Le cinéma n’a pas seulement donné un métier à Philippe Rebbot. Il lui a aussi offert une image de lui-même. En découvrant Woody Allen, l’enfant complexé, le « petit gros à lunettes », comprend qu’on peut être drôle, touchant, aimable – et même séduisant – sans correspondre aux canons héroïques. « Il m’a sauvé la vie », dit-il simplement, évoquant Bananaset d'autres films comme des bouées jetées dans son adolescence.

Philippe Rebbot est à l’affiche d’À bicyclette, un road movie né d’un drame : le suicide du fils de son ami Mathias Mlekuz. D’abord conçu comme un geste d’amitié, un hommage, le film est devenu bien plus. Une expérience de deuil partagé, un atelier de réparation intime, un cinéma au sens le plus humain du terme. « Ce n’est pas le film qui a consolé Mathias », précise-t-il, « c’est ce que le public nous renvoie qui est bouleversant. »

Les spectateurs parlent de leurs propres fragilités, trouvent dans le film un écho, une douceur. « Ce qui fait mal quand quelqu’un meurt, c’est que l’air se referme sur son absence. Là, l’air ne s’est pas refermé sur Yuri. Il y a 500 000 personnes qui sont reparties avec un bout de lui. »

Au fil de cette aventure, Philippe Rebbot a aussi découvert quelque chose de lui-même. « Pour la première fois, j’ai été un véritable ami. » Un engagement sans grandiloquence, mais total, au bon moment. Et ça, pour lui, c’est « la classe ».

Et la suite ? « Que mes enfants aillent bien, que ceux que j’aime aillent bien. Que le monde arrête de tourner dans le mauvais sens. Que les mabouls lâchent le manche. » Et toujours cette phrase comme un mantra et en réponse à Claude Lelouch : « La vie, c’est mieux que le cinéma. Faut juste qu’elle soit aidée par le cinéma. »

Philippe Rebbot, c’est une âme discrète et magnifique, une voix bancale qui touche juste, un artisan du jeu qui n’a jamais vraiment cherché à jouer. Il est de ceux qu’on ne voit pas forcément venir, mais qui laissent une trace. Une belle trace.

Une interview de Manuel Houssais dans le cadre du FCEM | Festival du Cinéma Européen de Meyzieu

L'architecture et le cinéma partagent une essence commune : celle de structurer l'espace et le temps. L'architecte Marc Barani et le cinéaste Christian Barani incarnent cette osmose artistique, chacun à leur manière. Si l'un construit des bâtiments qui dialoguent avec leur environnement, l'autre capture l'instant par la dérive et la lumière. Leur parcours atypique et leurs collaborations témoignent d’une même quête : celle de révéler le monde au travers d'une poésie de l’espace.

Formé à l'École d'Architecture de Marseille, Marc Barani s’est rapidement tourné vers une approche pluridisciplinaire, enrichie par des recherches anthropologiques au Népal et une formation en scénographie à la Villa Arson. Cet itinéraire singulier lui permet de penser l'architecture au carrefour de l’art et des modes de vie. Pour lui, concevoir un espace, c’est composer avec la lumière, la matière et la mémoire du lieu.

Son projet marquant, l'École Nationale Supérieure de la Photographie à Arles, est inspiré par une phrase d’Henri Cartier-Bresson : « Faire de la photo, c'est fermer un œil pour regarder à l'intérieur et ouvrir un œil pour regarder le monde. ». Cet établissement conjugue ainsi ouverture sur la ville et introspection créative.

De son côté, Christian Barani défend un cinéma d'expérience, loin des scénarios préécrits. Inspiré par la dérive situationniste, il filme sans intention préalable, laissant la réalité s'imprimer sur la pellicule. Comme un jazzman de l'image, il improvise en capturant la rencontre entre un espace et une émotion.

Son approche repose sur un engagement physique intense : il marche parfois jusqu'à 20 km par jour, laissant son corps atteindre un état de transe propice à l'observation. Ce processus de captation instinctif lui permet de révéler des présences invisibles, un peu à la manière des photographies de Jacques Henri Lartigue, qui a été une référence pour les deux frères.

C'est dans le cadre de l'extension du tramway de Niceque Marc et Christian Barani ont officiellement collaboré pour la première fois. L’enjeu était de restituer un projet en perpétuel mouvement, une gageure impossible par la seule photographie. Le cinéma s’est alors imposé comme une solution évidente.

En arpentant le chantier, Christian Barani a capté les gestes, les rythmes et les interactions humaines qui donnent vie à l’architecture. Cette expérience a révélé un aspect essentiel du travail de Marc : l’architecture ne se limite pas à la conception d’un espace, elle doit permettre des possibles, offrir des situations où l'humain peut s'exprimer.

La notion d'errance, présente dans les travaux des deux frères, est intrinsèquement liée à leur manière d'appréhender l'espace et le temps. Dans l'architecture, elle s'exprime par une flexibilité spatiale qui laisse place à l'imprévu. Dans le cinéma, elle se traduit par une captation sensorielle et immersive du monde.

La lumière joue également un rôle central. Comme le souligne notre correspondant et photographe David Marmier un film tourné à l'aube, en plein zénith ou à l'heure bleue n’aura pas la même narration. L’ombre et la clarté sculptent l'image comme elles sculptent un volume architectural.

Si leurs travaux semblent empreints de poésie, ni Marc ni Christian ne cherchent cet effet. Pour eux, la beauté n’est pas un but, mais un résultat possible d’un processus rigoureux. Leur démarche est avant tout une ouverture au monde, à ses imprévus, à ses tensions et à ses émotions.

En filigrane, leur expérience du Népal et d’autres cultures leur a enseigné que la beauté n'est pas une finalité, mais un point de départ. Dans leur travail, l’architecture et le cinéma ne figent pas la réalité, ils l'accompagnent, lui offrent des cadres ouverts et perméables.

La collaboration entre Marc et Christian Barani est une alchimie rare qui dépasse les cloisons disciplinaires. En repoussant les limites de leurs pratiques respectives, ils révèlent la manière dont l'espace peut devenir un langage universel.

Dans un monde en perpétuel mouvement, où l’architecture et le cinéma sont trop souvent pensés comme des entités isolées, leur démarche nous rappelle que tout est question de regard, de lumière et d’ouverture à l’inattendu.

• Site officiel de Marc Barani

• Christian Barani

• Rencontres d'Arles

• Villa Arson

Photographies: David Marmier 

Photo du haut : Christian Barani,  Photo du bas Marc Barani  

Le festival, organisé par l'Association Française du Cinéma d'Animation (AFCA), se positionne comme une véritable vitrine de l'animation française. Avec 136 œuvres sélectionnées, dont 66 courts métrages en compétition et 70 œuvres en panorama, le festival offre un regard éditorialisé sur une création particulièrement riche et reconnue à l'échelle internationale. Les spectateurs pourront découvrir des films aux univers foisonnants, avec une multiplicité de formats, de tons et de points de vue.

Le Festival National du Film d'Animation est également un lieu de rencontres privilégiées entre les créateurs et le public. Des talents de l'animation française, tels que des auteurs, des techniciens, des producteurs, partageront leurs parcours, leurs métiers et leurs savoir-faire. Des séances spéciales thématiques sur le cinéma de genre, le cinéma expérimental ou le stop motion viendront mettre en lumière des films hors normes ou marquants.

Parmi les temps forts du festival, on retrouve la soirée d'ouverture avec la projection de "Pelikan Blue" de László Csáki, un documentaire animé hongrois passionnant. La cérémonie des Grands Prix, suivie de la projection de deux unitaires télé en stop-motion, "Une Guitare à la Mer" de Sophie Roze et "Lola et le Piano à Bruits" de Augusto Zanovello, promet d'être un moment fort de cette édition.

Les compétitions du festival sont réparties en dix programmes adaptés pour tous les âges, reflétant la vitalité et la richesse de la production française. Les panoramas, quant à eux, offrent un large éventail de formats de création, allant de l'autoproduction à la série, en passant par le clip musical ou encore le film amateur.

Le festival accueille également des professionnels de renom pour départager les 66 films en compétition. Parmi eux, Céline Ronté, scénariste et directrice artistique, ROB, compositeur, et Véronique Le Bris, journaliste et fondatrice de www.cine-woman.fr. Des masterclasses et des tables rondes seront organisées pour discuter des enjeux de la musique, du sound design et de la postproduction audio dans l'animation.

Le Festival National du Film d'Animation de Rennes Métropole est un événement pour tous les publics, avec des activités et des rencontres tout public, des projections, des ateliers de pratique, des parcours découvertes et des expositions. Le festival porte une attention particulière à l'accessibilité des personnes en situation de handicap, avec une programmation accessible de films sous-titrés pour sourds et malentendants et accessible en audiodescription.

Le Festival National du Film d'Animation 2025 s'annonce comme un événement incontournable pour les amateurs de cinéma d'animation. Avec une programmation riche et variée, des rencontres avec les talents de l'animation française et des activités pour tous les publics, cette édition promet de célébrer la créativité et la diversité de la production française. Rendez-vous du 22 au 27 avril 2025 à Rennes Métropole pour vivre cette expérience unique !

Pour plus d'informations, visitez le site officiel du festival.

Dans la série Clean, réalisée par Cathy Verney pour M6 le 4 avril 2025, Bruno Sanches incarne Victor, un homme toxique et manipulateur qui profite de sa position pour dominer les femmes qui travaillent sous ses ordres. Un rôle d'antagoniste qui lui a demandé un certain effort :

"C'était pas si simple de jouer ça. Parfois, on coupait les prises, j'étais mal à l'aise, même si on est dans la comédie."

Un challenge donc, mais aussi une belle opportunité pour l'acteur, ravi de sortir de son image de bon copain drôle et bienveillant :

"Je suis content qu'on m'ait proposé un contre-emploi. J'ai envie de jouer plein de choses différentes."

Le pitch de la série : trois femmes de ménage travaillant dans la haute finance décident de monter une arnaque après avoir pris goût aux coulisses du pouvoir. 

Autre projet en cours : Ghosts : Fantômes à la maison , une adaptation de la célèbre série britannique pour Disney+ et TF1. Bruno Sanches y campe Daniel, un chef scout des années 70 mort dans un accident ridicule, condamnant son âme à errer dans un château avec d'autres fantômes de toutes les époques.

Avec aussi Camille Chamoux, Alison Cardinet, Hafid F. Benamar, Nabil Ben Mabrouk, Natacha Lindinger, Fred Testot, Roland Givorant, Tiphaine Daviot, François Vincentelli, Daniel Quignon, Paul Scarfoglio, Monsieur Poulpe, Paul Deby, Camille Combal..

L'acteur souligne l'originalité de cette version française :

"On a gardé l'esprit de la série mais en y mettant notre touche. Je trouve qu'on est même plus drôles !"

Avec un casting éclectique et des personnages hauts en couleur, cette comédie surnaturelle s'annonce comme une belle surprise.

Difficile de ne pas évoquer HPI, qui touche à sa dernière saison.

"Toute bonne chose a une fin, et cinq saisons, c'est parfait. Il faut savoir s'arrêter au bon moment."

Bruno Sanches a marqué les esprits avec son rôle de Gilles Vandraud, et l'arrêt de la série est pour lui un moment à la fois triste et naturel, mais un succés pareil reste rarement sans lendemain..

Sur grand écran, l'acteur sera prochainement à l'affiche de Connemara, adaptation du roman de Nicolas Mathieu, réalisé par Alex Lutz. Un projet cher à son réalisateur, qui a investi toute sa sensibilité dans ce film.

Bruno Sanches y incarne un ami du personnage principal, un rôle différent de ce qu'il a joué auparavant :

"Alex est un réalisateur incroyablement pointu et investi. J'ai hâte que le film sorte, il promet d'être très beau."

L'histoire: Hélène (Mélanie Thierry) contrainte par un burn-out à quitter Paris, revient dans sa région natale où elle retrouve une vie stable. Mais sa rencontre avec Christophe (Bastien Bouillon), ancien amour de jeunesse, bouleverse son équilibre et ravive des passions inattendues, d'après le roman de Nicolas Mathieu.

En tournage pour Les aventurières(France 2), avec Fanny Cottençon, Charlie Bruneau, Lionnel Astier, Thibault de Montalembert, Bruno Sanches ne manque pas de projets. Il est prêt à surprendre son public.

Que ce soit dans la comédie ou des rôles plus sombres, l'acteur prouve qu'il est capable de tout jouer, et on a hâte de découvrir la suite de son parcours !

Avec Le Garçon, Zabou Breitmanet Florent Vassaultsignent une œuvre hybride, entre documentaire et fiction, un projet cinématographique audacieux qui questionne notre rapport aux images et à la mémoire. Un voyage sensoriel et mélancolique qui résonne en chacun de nous.

Zabou Breitman le dit elle-même : Le Garçon ne rentre dans aucune case. Ce n'est ni un documentaire pur, ni une fiction traditionnelle, mais un "tissage" des deux, où réel et imaginaire s'entremêlent. L'idée est partie d'un pari osé : retrouver l'histoire d'un inconnu à travers des photos de famille anonymes. Le cinéaste Florent Vassault se charge de l'enquête documentaire tandis que Zabou Breitman imagine des scènes fictionnelles inspirées des clichés.

"On part avec rien", explique la réalisatrice. "On trouve des photos, on tente de découvrir l'histoire de la personne. Moi, je brode autour en inventant." Ainsi naît une narration fragmentée, en perpétuel mouvement, qui révèle peu à peu ses intentions.

Pour donner vie à ce Garçon, Zabou Breitman fait appel à des comédiens confirmés comme Isabelle Nanty, François Berléand, Florence Mullerou encore Damien Sobiraph, qui incarne le personnage principal à 25 ans. La fiction se nourrit des documents réels rassemblés par Florent Vassault, mais aussi des témoignages d'inconnus qu'il rencontre.

"Il m'envoyait des textes de personnes croisées au fil de son enquête, et je les donnais aux acteurs comme s'il s'agissait de dialogues d'auteurs," dévoile Zabou Breitman. Une approche qui renforce le trouble entre vérité et invention.

La force de Le Garçon réside dans son aspect universel. "Tout le monde a cette photo là", confie Zabou Breitman, soulignant l'aspect familier et intime du projet. Ce film invite chacun à une réflexion sur le temps qui passe et sur les souvenirs que nous portons en nous.

L’œuvre joue avec le concept de la mémoire, et offre au spectateur un jeu de piste où il devient lui-même acteur de l’histoire. "On lui donne les clés sans qu’il le sache, et au bout d’un moment, il décode," explique la réalisatrice.

Projet cinématographique singulier, Le Garçon se démarque par sa construction atypique et sa fabrication artisanale. "On n'avait pas de scénario, pas de budget confortable, juste du temps pour laisser décanter les choses", raconte Zabou Breitman. Un an et demi de montage aura été nécessaire pour finaliser ce travail de dentelle.

L’engouement du public est essentiel à la vie du film. "Ce sont les spectateurs qui vont devenir les ambassadeurs de ce projet," assure la réalisatrice. L’accueil enthousiaste lors des projections renforce cette idée d’une œuvre qui appartient à chacun.

Entre réalité et fiction, investigation et introspection, Le Garçon est une expérience cinématographique rare, une invitation à explorer nos souvenirs communs et à questionner la frontière entre l’image et le récit.

Lors de l’interview, Paul Deby a partagé son point de vue sur la différence entre les productions télévisées, les plateformes de streaming et le cinéma. Selon lui, la frontière entre ces médias s’est estompée.

« Sur les plateformes, tout est aussi bien traité, tout est aussi professionnel. C’est la même manière de travailler. »

Il souligne cependant que les grands budgets du cinéma restent inégalés, notamment pour les blockbusters. En revanche, les plateformes comme Netflix ou Disney+ offrent des moyens conséquents et une qualité de production équivalente.

Pour en savoir plus sur les budgets des productions streaming, consultez cet article de Variety.

Paul Deby nous parle de son rôle trés attachant et attaché dans Ghosts (Fantômes en Héritage), une série comique disponible dès le 9 avril 2025 sur Disney+. Adaptée d’une série anglaise à succès, elle raconte l’histoire d’un couple qui hérite d’un château hanté par des fantômes issus de différentes époques.

Paul incarne François Laval, un personnage antipathique mais attachant, créé spécialement pour la version française.

« C’est un paradoxe. On est censé le détester, mais il a quelque chose d’attachant. »

Ce rôle difficile car quasi immobile promet de surprendre les téléspectateurs.

Découvrez la bande-annonce de Ghosts Fantômes en Héritage sur Disney+.

Paul Deby a également évoqué son expérience sur le tournage de The Walking Dead : Daryl Dixon  une série culte qui a marqué sa carrière. Bien que son rôle fût petit, l’acteur a vécu cette opportunité comme un accomplissement personnel.

« J’étais fan de la série à la fac. Jouer face à Norman Reedus, c’était extraordinaire. »

Il a même immortalisé ce moment avec une photo qu’il conserve précieusement parmi ses souvenirs.

Pour tout savoir sur The Walking Dead, rendez-vous sur IGN.

L’acteur a confié son désir de jouer dans des projets de science-fiction, inspiré par des films comme Interstellar de Christopher Nolan.

« Jouer un astronaute, c’est mon rêve. C’est une façon de vivre ce rêve d’enfant. »

Paul aspire également à une carrière internationale, avec l’espoir de collaborer avec des réalisateurs et acteurs de renommée mondiale.

Découvrez les dernières actualités sur Christopher Nolan sur The Hollywood Reporter.

Paul Deby a plusieurs projets en cours :

• Lucky Luke, une série pour Disney+ tournée fin 2024 avec Alban Lenoir (« Antigang », « Antigang : la relève », « Balle Perdue », « AKA ») dans le rôle du cow boy solitaire.

• Bagarre, un film réalisé par Julien Royal, avec Nassim Lyes en tête d’affiche, en salle le 24 décembre 2025.

• Deux courts métrages, dont un à l’international.

Il espère également une saison 2 de Ghosts et d’autres opportunités dans des productions françaises et internationales.

Paul Deby se réjouit du renouveau du cinéma français, avec des succès comme Le Comte de Monte-Cristo ou 20 Dieux.

« Voir la France rayonner cinématographiquement, ça fait rêver. J’ai envie de faire partie de cette équipe. »

Il espère contribuer à cette dynamique en incarnant des personnages marquants et en inspirant les générations futures.

Entre ses rôles variés, ses projets ambitieux et ses rêves de science-fiction, Paul Deby incarne parfaitement la nouvelle génération d’acteurs polyvalents et passionnés. 

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Photo: Lisa Lesourd

Paul Deby, Ghosts Disney+, Walking Dead, cinéma français, plateformes de streaming, Christopher Nolan, Lucky Luke, science-fiction, Fantômes en Héritage.

Florence Miailhe n'a pas suivi le parcours traditionnel des réalisateurs de cinéma d'animation. Formée à l'École nationale supérieure des arts décoratifs, elle a d'abord exploré la gravure et la peinture avant de se lancer dans l'animation. Inspirée par des animateurs des pays de l'Est comme Youri Norstein et Jiří Trnka, elle a développé une approche singulière, loin des standards de l'animation traditionnelle.

L'idée de La Traversée a germé en 2005, lors d'un festival d'animation itinérant en bateau, de Kiev à Odessa. Ce voyage a réveillé en Florence Miailhe les souvenirs de l'exode de sa famille, qui a fuit les pogroms d'Odessa en 1905. Le film est ainsi devenu un hommage à cette histoire familiale, tout en s'inscrivant dans une réflexion plus large sur l'exil et les migrations contemporaines.

La Traversée se distingue par sa technique de peinture animée, une méthode artisanale et exigeante. Chaque image est peinte directement sur du verre, sous la caméra, avant d'être effacée pour laisser place à la suivante. Ce processus, qui ne permet aucun retour en arrière, a nécessité la réalisation de près de 57 600 dessins. Le résultat est un film d'une richesse visuelle exceptionnelle, où chaque plan est une œuvre d'art à part entière.

La réalisation de La Traversée a mobilisé une équipe de 15 animatrices et animateurs, répartis sur trois pays : la France, l'Allemagne et la République tchèque. Ce travail collaboratif a permis de créer une œuvre d'une grande cohérence visuelle, malgré la complexité logistique. Les décors, peints à l'huile sur papier de soie, ont été réalisés par une équipe de 10 décoratrices pendant plusieurs mois.

Le film rend également hommage à l'art de la mère de Florence Miailhe, Mireille Miailhe une peintre talentueuse dont les dessins ont inspiré les personnages du film. Les carnets de dessins réalisés entre 1936 et 1945, ont été une source d'inspiration précieuse pour reconstituer l'univers visuel de La Traversée.

La Traversée aborde des thèmes universels comme l'exil, la séparation et la quête d'un avenir meilleur. Le film suit deux enfants, Kyona et Adriel, contraints de fuir leur pays et de traverser plusieurs frontières pour trouver refuge. Cette histoire, inspirée de faits réels mais aussi de contes et de légendes, résonne avec les enjeux contemporains des migrations et des réfugiés.

Le travail de Florence Miailhe a été salué par les professionnels et a remporté de nombreux prix, dont le César du meilleur court-métrage en 2002 pour Au premier dimanche d'août. La Traversée a également été sélectionné dans de nombreux festivals internationaux, et confirme la reconnaissance de Florence Miailhe dans le monde de l'animation.

La Traversée est bien plus qu'un film d'animation : c'est une œuvre d'art totale, fruit d'un travail acharné et d'une passion sans faille pour la peinture et le cinéma. Florence Miailhe nous offre ici une expérience visuelle unique, qui nous invite à réfléchir sur notre propre rapport à l'exil et à la quête de liberté.

Pour en savoir plus sur Florence Miailhe et son travail, vous pouvez consulter son profil sur des plateformes comme Vimeo ou Arte. Vous pouvez également visionner certains de ses courts-métrages en ligne, comme Papillon et Au premier dimanche d'août.

Le somptueux carnet à dessin de Florence Miailhe, accompagné de 147 œuvres inédites, permet de découvrir l'évolution du projet à travers des croquis, des peintures et des séquences du film, reproduites image par image. Chaque chapitre explore le processus créatif de l’artiste, et alterne entre le travail préparatoire et l'œuvre achevée. Ce carnet constitue une invitation à une immersion plus intime dans l'univers visuel de Florence Miailhe, et met en lumière son art du mouvement et de la métamorphose continue. Un véritable objet de collection pour les amateurs de cinéma et de peinture.

Photographie: David Marmier

Depuis son installation à Marseille en 2022, après plus de deux décennies à Aubagne, le festival a pris une ampleur significative, faisant de la ville un véritable centre de création musicale pour l’image. "Marseille nous offre un terrain de jeu idéal. C’est une ville dynamique, culturellement riche, avec des infrastructures parfaites pour accueillir un tel événement", explique Gaëlle Rodeville. Le festival rayonne désormais au sein de l'Artplexe Canebière, du Gyptis, du conservatoire Pierre Barbizet et dans d’autres lieux culturels de la ville.

Le festival attire chaque année un public venu des quatre coins du monde, y compris des réalisateurs, des compositeurs et des professionnels du cinéma. "[Le festival] est devenu un point de rencontre majeur pour les compositeurs de musique de film, qu'ils soient en France ou à l’international", souligne Gaëlle Rodeville. En 2025, l’événement mettra en avant des compositeurs de renom comme Boris Lojkine, Jocelyn Pook et Atli Örvarsson, et proposera une sélection éclectique de films venus de 70 pays.

Le Festival Music & Cinema ne se limite pas à des projections : il propose également une compétition de courts et longs métrages avec des prix dédiés à la meilleure musique originale. Chaque année, plus de 350 films sont projetés, suivis de rencontres avec des équipes, ce qui permet au public de s’immerger pleinement dans le processus créatif. En 2025, 11 longs-métrages et 64 courts-métrages seront en compétition.

Au-delà de sa programmation riche, le festival a une mission éducative forte. "Nous avons mis en place des résidences de composition musicale pour l’image et de nombreuses formations destinées aux jeunes compositeurs et réalisateurs", précise Gaëlle Rodeville. Le Marché Européen de la Composition Musicale pour l'Image est l’un des dispositifs phares de cet engagement, avec des rencontres entre producteurs, réalisateurs et compositeurs. Cette année, 80% des projets, qu'ils soient français ou européens, trouveront leur compositeur à l’occasion de cet événement.

Le festival ne se limite pas aux professionnels du cinéma et de la musique : il offre également une programmation riche et accessible pour le grand public. Des ciné-concerts sont organisés tous les soirs, avec des concerts en live et des DJ sets pour faire vibrer la Canebière. Des séances familiales et des conférences abordent des sujets d'actualité, comme la place de l’intelligence artificielle dans la composition musicale.

Les billets pour le festival sont disponibles dès maintenant sur le site officiel du festival. Les tarifs sont accessibles, avec des prix variant entre 4 et 5 € pour le public général, et des pass festival à 35 € (25 € tarif réduit). Pour les plus jeunes et les familles, des tarifs réduits sont également proposés, avec des séances à partir de 2 € pour les enfants.

• Festival : Music & Cinema Marseille
• Dates : Du 24 au 29 mars 2025
• Lieu : Cinéma Artplexe Canebière, Marseille
• Tarifs : Séances à partir de 2 € pour les enfants, Pass festival à partir de 25 € pour les étudiants
• Billetterie : Réservez vos places ici

Jean Olle-Laprune, historien du cinéma reconnu, a longuement contribué à la diffusion du cinéma auprès du public, notamment à travers des émissions comme Le Club sur Ciné Classic, mais aussi à travers ses nombreuses publications sur le cinéma. De son côté, Yves Alion est rédacteur en chef de L'Avant-Scène Cinéma depuis 2001 et a écrit plusieurs ouvrages sur le cinéma, en plus d’animer des masterclass à l’ESRA.

Leurs longues conversations avec Claude Lelouch, débutées dans les années 1980, ont permis d'accumuler des heures d’entretiens, durant lesquels le cinéaste s'est livré sans filtre, racontant ses films et son parcours artistique. Ces échanges ont formé la base de ce livre monumental.

Claude Lelouch n'est pas seulement un réalisateur à la filmographie impressionnante, il incarne l’un des visages les plus reconnus du cinéma français. Sa carrière a démarré dans les années 1960 avec des débuts difficiles, mais c'est en 1966, avec Un homme et une femme, qu’il connaît un succès retentissant : Palme d'Or à Cannes, deux Oscars et une quarantaine de récompenses internationales. Ce film devient rapidement un classique, et Claude Lelouch voit sa vision du cinéma d'auteur populaire se confirmer à travers une série de films inoubliables, tels que Vivre pour vivre (1967), L'aventure c'est l'aventure (1972), Les uns et les autres (1981), ou encore Les Misérables (1995)..

Sa carrière, bien que marquée par des succès retentissants, est aussi parsemée d’échecs. Cependant, ce qui définit Claude Lelouch, c’est sa capacité à se réinventer sans cesse. Il a su créer des passerelles entre ses films, tissant un réseau de thèmes récurrents, d’idées qui reviennent sous diverses formes. Le livre de Jean Olle-Laprune et Yves Alion analyse cette capacité à entrelacer les parcours de ses personnages et les obsessions qui traversent ses œuvres.

Claude Lelouch. Le Cinéma, c'est mieux que la vie se distingue par sa richesse et sa diversité. En plus de retracer la carrière du cinéaste, cet ouvrage entraîne le lecteur dans l’intimité de son processus créatif. À travers des anecdotes de tournages, des réflexions personnelles, et une analyse fine de son travail, les auteurs parviennent à montrer la complexité de cet homme qui semble toujours en quête de renouveau.

Les auteurs ont eu un accès sans précédent aux archives personnelles de Claude Lelouch et aux documents de Films 13, sa société de production. Ces matériaux, dont des photos inédites et des documents personnels, alimentent l'iconographie du livre et illustrent les différents chapitres de la carrière du réalisateur. Le projet est à la fois un hommage et une réflexion critique, qui permettent de comprendre les enjeux qui se cachent derrière ses films et d’explorer la manière dont il s’est constamment réinventé, au gré de ses succès et de ses échecs.

Ce livre n’est pas uniquement une étude cinématographique, il est aussi une immersion dans la vie de Claude Lelouch. L’homme, l’artiste, l'expérimentateur. Son enfance, ses relations familiales, et sa vision de la vie sont les fondations qui ont nourri son cinéma. Les auteurs n’hésitent pas à interroger la place de sa vie personnelle dans ses films, tout en gardant en tête que ce qui l’intéresse avant tout, c’est la manière de transcrire cette réalité sur grand écran.

Claude Lelouch lui-même n'a jamais caché que son cinéma est le reflet de ses interrogations personnelles et de ses émotions. Un cinéma où la frontière entre fiction et réalité est souvent floue, où chaque film est une réponse, une question, une exploration. Le livre de Jean Olle-Laprune et Yves Alion permet de mieux saisir cette facette de son art, souvent éludée par la critique en raison de son côté populaire.

Les auteurs et Claude Lelouch se sont liés d'amitié au fil des années, ce qui leur a offert une position privilégiée pour l'accompagner dans ses réflexions, ses questionnements, mais aussi ses doutes. Le cinéaste leur a accordé une confiance totale, ce qui permet au livre d’offrir une vision authentique et intime de son parcours. À travers les échanges, il a pu se livrer sans réserve sur des aspects moins connus de son œuvre, mais aussi sur ses déceptions, ses doutes, et les moments de création les plus marquants.

En lisant Claude Lelouch. Le Cinéma, c'est mieux que la vie, le lecteur découvre non seulement un cinéaste passionné et généreux, mais aussi un homme qui, malgré sa notoriété, reste un éternel curieux, prêt à prendre des risques artistiques pour raconter des histoires qui le touchent profondément.

• Titre : Claude Lelouch. Le Cinéma, c'est mieux que la vie
• Auteurs : Jean Olle-Laprune, Yves Alion
• Nombre de pages : 632
• Nombre de photos : 1 100
• Éditeur : Presses de la Cité
• Parution : Novembre 2024
• Disponible sur : Presses de la Cité, Fnac, Amazon

Photographie: David Marmier

Une programmatrice s’assure que les films trouvent leur place dans les salles. Son travail repose sur un équilibre entre les œuvres incontournables et des propositions plus audacieuses. "Nous élaborons des grilles de programmation en fonction des attentes des spectateurs et des impératifs des salles", explique Carole Paulet.

Chaque cinéma dispose de son propre public et d’une ligne éditoriale spécifique. Un complexe en centre-ville ne programme pas les mêmes films qu’un établissement en périphérie. "Notre objectif consiste à positionner les films au meilleur moment, dans le bon lieu, afin de garantir leur succès", ajoute-t-elle.

Avant leur sortie, les films passent par une phase de visionnage minutieuse. Une programmatrice repère les œuvres prometteuses et mise sur celles qui ont le potentiel d’attirer les spectateurs. "Chaque semaine, nous découvrons plusieurs films en avant-première, ce qui nous permet d’anticiper leur réception et de faire des choix stratégiques", souligne Carole Paulet.

Le lundi matin marque une étape décisive : l’analyse des chiffres du week-end. "Nous recevons les résultats des entrées et ajustons immédiatement la programmation. Certains films prolongent leur exploitation, tandis que d’autres quittent l’affiche", précise-t-elle. Le mercredi, jour de sortie des nouveaux films, devient un moment stratégique pour assurer le bon démarrage des œuvres à l’affiche.

Basée à Grenoble, MC4 Distribution dirigé par Arnaud de Gardebosc, programme aussi bien des salles de grandes villes que des cinémas de plus petites communes. "Notre mission repose sur une volonté de proposer du cinéma à tous, même dans des territoires où l’offre reste plus limitée", explique Carole Paulet.

Certains établissements programmés par MC4 appartiennent à des familles de passionnés, transmettant leur amour du cinéma de génération en génération. Cette proximité avec les exploitants permet d’adapter au mieux la programmation aux réalités locales.

Si le public connaît les réalisateurs et les acteurs, le rôle du programmateur reste souvent méconnu. Pourtant, sa mission conditionne le succès des films et leur visibilité. "Nous devons à la fois répondre aux attentes du spectateur et proposer des découvertes. Il est aussi important de maintenir les classiques que de soutenir des œuvres plus audacieuses", affirme Carole Paulet.

Le métier exige rigueur et réactivité, mais surtout une véritable passion pour le cinéma. "Tant que les salles proposeront des rencontres, des animations et des échanges avec le public, le cinéma aura un avenir", conclut-elle.

Pour accéder à cette profession, plusieurs formations spécialisées existent en France.

La Fémis – Formation Distribution/Exploitation
Une référence pour comprendre le fonctionnement du marché et des salles de cinéma.

Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne – Master Pro Métiers de la production et de la diffusion cinématographique et audiovisuelle
Un cursus universitaire axé sur la gestion et la programmation cinématographique.

Université Lyon 2 – Master Cinéma et Audiovisuel
Une formation permettant d’acquérir une expertise en programmation et exploitation.

ESRA – École Supérieure de Réalisation Audiovisuelle
Un enseignement combinant gestion cinématographique et analyse des publics.

Université de Montpellier – Master Médiation et Création Artistique
Une formation couvrant la diffusion culturelle et la programmation de films.

Mais derrière cette réussite, un parcours personnel jalonné d’épreuves forge sa sensibilité artistique. Dernier d’une fratrie de quatre enfants, Grégoire perd coup sur coup deux frères, l’un dans un accident, l’autre par suicide. Ces tragédies influencent profondément son rapport à la musique. Plus qu’un exutoire, elle devient un moyen de transmission, une façon de donner du sens au deuil et d’encourager chacun à suivre ses rêves.

Dans ses concerts et albums, il explore ces thématiques avec simplicité et émotion. Son album Vivre, sorti en janvier 2024, ne déroge pas à cette démarche : un hommage à la vie et à ceux qui nous quittent, sans jamais sombrer dans la nostalgie.

Grégoire puise son inspiration chez des artistes comme Jean-Jacques Goldman ou Léo Ferré, mais aussi dans la littérature et le cinéma. Ses deux frères disparus, passionnés par l’image et la musique, l’ont initié à des univers variés, du jazz contemporain aux grands classiques du septième art.

Grâce à eux, il découvre très tôt des réalisateurs comme Ingmar Bergman et Andreï Tarkovski, mais aussi Orson Welles, Citizen Kane reste son film de référence. Il admire le travail d’Orson Welles autant pour son audace narrative que pour ses prouesses techniques, comparant son impact à celui des Beatles en musique.

Côté bande originale, Les Moulins de mon cœur de Michel Legrand occupe une place spéciale dans sa playlist. Ce titre, extrait de L’Affaire Thomas Crown, illustre selon lui la capacité du cinéma à marier musique et narration avec une intensité rare.

Fort de cette passion pour l’image, Grégoire ne cache pas son envie de se tourner vers le cinéma. Déjà impliqué dans la réalisation de ses clips, il envisage un projet plus ambitieux : un documentaire.

Plutôt qu’un récit autobiographique centré sur lui, il souhaite explorer une histoire universelle, où chacun pourrait se reconnaître. Son expérience personnelle, marquée par le deuil et la résilience, lui donne une légitimité naturelle pour aborder ces sujets. Il ne s’agit pas seulement de raconter une épreuve, mais d’apporter une réflexion plus large sur la manière dont l’art peut aider à surmonter les moments difficiles.

Grégoire voit son travail comme un relais. Père de famille, Il souhaite, à son tour, offrir aux autres ce que la musique et le cinéma lui ont apporté. Lorsqu’un spectateur lui confie que l’une de ses chansons l’a aidé à traverser une période difficile, il considère cela comme la plus belle des réussites.

Avec son regard tourné vers l’image, il semble prêt à franchir un nouveau cap. Son parcours musical et son amour du cinéma laissent présager un projet sincère et réfléchi, où l’émotion trouvera toujours sa place. Reste à savoir sous quelle forme il concrétisera cette envie. Un premier pas vers le grand écran ? Affaire à suivre.

Une interview réalisée par David Marmier à l'occasion d'une invitation du média "les Lueurs" 

Photographie: David Marmier

Sokcho, ville balnéaire proche de la Corée du Nord, occupe une place centrale. Loin de l’agitation estivale, elle se fige sous la neige et renforce la solitude des personnages. Koya Kamura capte ce contraste avec précision, et souligne l’isolement de Soo-ha et son désir d’ailleurs.

Soo-ha, interprétée par Bella Kim, vit entre un emploi dans une pension désertée et des échanges avec sa mère, poissonnière sur le marché. Son petit ami rêve de Séoul et d’une carrière de mannequin, tandis qu’elle peine à imaginer un avenir. L’arrivée de Yan Kerrand, joué par Roschdy Zem, introduit une présence intrigante dans son quotidien.

Kerrand, absorbé par son travail, observe peu ce qui l’entoure. Soo-ha, fascinée par cet homme qui incarne une part inconnue de son histoire, tente d’établir un lien en lui parlant français. Il reste distant, indifférent à ses efforts, refusant même de goûter les plats qu’elle prépare. Le film ne force pas l’émotion et évite les évidences. Plutôt qu’une relation maître-élève ou père-fille, Koya Kamura filme une rencontre marquée par l’incompréhension et les attentes déçues.

La mise en scène privilégie les détails du quotidien. Sokcho, sous la neige, semble en suspens. Soo-ha, emmitouflée dans des vêtements amples, évite d’attirer l’attention. Kerrand, silhouette massive et gestes mesurés, s’impose sans chercher à se lier.

Les séquences animées d’Agnès Patron ajoutent une dimension plus abstraite. Elles traduisent les émotions de Soo-ha à travers des figures féminines aux formes exagérées. La pression sociale autour de l’apparence se reflète aussi dans le personnage d’une cliente de la pension, visage couvert de bandages après une opération de chirurgie esthétique.

Si le métissage constitue un point de départ, Hiver à Sokcho aborde une réflexion plus large. Comment se construit-on face au regard des autres ? Peut-on se sentir étranger dans son propre pays ? Soo-ha oscille entre fascination et rejet pour cette part inconnue d’elle-même. Koya Kamura ne cherche pas à donner de réponse définitive, préférant laisser parler les gestes et les silences.

Le rythme du film suit cette approche contemplative. Peu de dialogues, des échanges souvent avortés, des regards qui peinent à se croiser. Chaque détail, de la préparation d’un repas au bruit du crayon sur le papier, participe à cette quête intérieure.

Avec Hiver à Sokcho, Koya Kamura signe un premier film maîtrisé, salué par la critique et le public. Fort de ces encouragements, il prépare son second long-métrage, Évaporé (titre provisoir) un thriller qui se déroulera à Fukushima autour du thème des disparitions volontaires au Japon.

Son goût pour les récits où l’intime croise des enjeux plus vastes se confirme. Après la Corée et ses paysages figés par l’hiver, il s’intéresse aux travailleurs précaires des chantiers de décontamination. Une autre histoire de solitude et de quête identitaire, portée par un regard précis et un sens du détail qui marquent déjà son cinéma.

Interview réalisée par Manuel Houssais dans le cadre du festival « À vous de voir » de Saint-Egrève

Le film Hola Frida retrace l’enfance de Frida Kahlo et s’ancre dans la culture mexicaine. Pour retranscrire cette ambiance, Laetitia Pansanel-Garric a fait le choix d’une approche fidèle aux sonorités traditionnelles. « C’était une évidence que je devais me contraindre à être dans l’authenticité », explique-t-elle. Cette exigence répondait aussi aux attentes des réalisateurs, soucieux d’ancrer le film dans un réalisme musical cohérent avec le contexte historique et culturel.

Pour cela, la compositrice s’est entourée d’instruments emblématiques de la musique folklorique mexicaine. Les parties instrumentales ont été enregistrées au fur et à mesure du processus de composition, garantissant une intégration fluide de la musique dans le film. Cependant, Laetitia Pansanel-Garric a également insufflé un traitement moderne à ses compositions, en veillant à ce que la bande-son épouse les exigences narratives du cinéma d’animation. « Il fallait que mon langage musical intègre des thèmes inspirés du folklore, tout en étant soumis à un traitement plus cinématographique », précise-t-elle.

Dans Hola Frida, la musique accompagne le parcours initiatique de la jeune Frida Kahlo, pour marquer les moments forts de son histoire. Un thème principal, introduit dès les premières images du film, accompagne l’évolution du personnage et s’adapte à ses états émotionnels. Ce fil rouge musical traverse les différentes étapes du récit, et permet au spectateur de suivre l’évolution de la jeune Frida à travers une identité sonore cohérente et immersive.

La musique joue aussi un rôle essentiel dans la représentation des rêves et de l’imaginaire de Frida. Pour ces séquences, Laetitia Pansanel-Garric s’est inspirée des harmonies impressionnistes, rappelant des compositeurs comme Maurice Ravel ou Claude Debussy. « J’ai voulu retranscrire l’effervescence visuelle du film par une effervescence harmonique », explique-t-elle. Les sonorités légères et aériennes, portées par des traits de flûte et des jeux de textures orchestrales, accompagnent les moments oniriques du film avec subtilité.

En plus de la bande originale, Hola Frida comprend une chanson originale interprétée et co-composée par Olivia Ruiz. La collaboration entre les deux artistes s’est déroulée à distance, chacune apportant sa touche personnelle au projet. Olivia Ruiz a composé la mélodie et écrit les paroles, tandis que Laetitia Pansanel-Garric s’est chargée de l’orchestration pour assurer une continuité avec l’univers musical du film.

L’objectif était de créer une chanson qui s’intègre naturellement à l’ambiance de Hola Frida, tout en conservant l’identité musicale du long-métrage. « Il fallait que ce soit une chanson de cinéma, pas juste une chanson française », souligne la compositrice. Mission accomplie : la chanson s’inscrit parfaitement dans la tonalité du film, et renforce son impact émotionnel.

Travailler sur un film d’animation représentait un rêve pour Laetitia Pansanel-Garric, qui a découvert une liberté d’expression rare dans ce projet. « C’est un tel plaisir pour une compositrice de pouvoir s’exprimer à travers l’animation », confie-t-elle. Cette expérience, marquée par une collaboration enrichissante avec les réalisateurs, a conforté son envie de poursuivre dans cette voie.

Avec Hola Frida, Laetitia Pansanel-Garric signe une bande originale à la fois riche, authentique et moderne, qui accompagne avec justesse le parcours de la jeune Frida Kahlo. Une réussite qui témoigne de son talent à fusionner différentes influences musicales pour servir le récit cinématographique.

Frida Kahlo (1907-1954) est l’une des figures les plus emblématiques de l’art mexicain. Son œuvre, profondément autobiographique, traduit les épreuves qui ont marqué sa vie : la poliomyélite contractée dans l’enfance, un accident de bus qui la laisse lourdement handicapée, son mariage tumultueux avec Diego Rivera et son impossibilité à avoir des enfants.

Peintre de l’intime, elle fait de son corps meurtri le sujet central de son travail. Inspirée par l’art populaire, elle intègre dans ses compositions des couleurs vives et des éléments issus du folklore, et rend hommage à ses racines zapotèques.

Frida Kahlo s’est également imposée comme une femme engagée. Féministe avant l’heure, elle bouscule les codes de son époque et s’investit dans les luttes politiques. Son influence dépasse largement le monde de l’art, faisant d’elle une icône intemporelle de la liberté et de la résilience.

L’idée du film trouve son origine dans une tragédie personnelle. Après le décès de son fils aîné, Mathias Mlekuz ressent le besoin de refaire le voyage qu’il avait entrepris quelques années plus tôt, en reliant La Rochelle à Istanbul en vélo. D’abord imaginé comme une expérience personnelle, ce périple prend une autre dimension lorsque Philippe Rebbot lui suggère d’en faire un film. Le producteur Marc-Étienne Schwartz accepte de soutenir le projet, mais pose une condition : pas de scénario, juste une caméra et l’aventure.

Sans financement public ni soutien des circuits traditionnels, le film voit le jour grâce à la détermination de ses producteurs, notamment Jean-Louis Livi, qui croit au potentiel du projet. Tourné avec une équipe réduite à cinq personnes et trois caméras, À Bicyclette ! capte la spontanéité brute du voyage. Une seule prise par scène, des plans pris sur le vif, souvent dissimulés parmi la foule, et..  l’improvisation : autant d’éléments qui confèrent au film son caractère profondément authentique.

Si le point de départ du film est une histoire de deuil, À Bicyclette ! n’est pas un drame pesant. La complicité entre Mathias Mlekuz et Philippe Rebbot insuffle une légèreté bienvenue à ce voyage introspectif. Le rire et l’absurde jalonnent leur aventure, notamment lors de rencontres marquantes, comme avec "le Normand des Carpates" ou une tenancière allemande d’Airbnb. L’humour comme exutoire.

Présenté au Festival du Film Francophone d’Angoulême, À Bicyclette ! crée la surprise en remportant trois prix majeurs : Prix du Public, Prix de la Mise en Scène et Prix de la Musique. L’enthousiasme ne faiblit pas, le film décrochant également des récompenses à Valenciennes, Albi et aux Rencontres de Cannes. Cet accueil chaleureux convainc Ad Vitam de distribuer le film, malgré une production atypique et un budget limité.

En mêlant mémoire, amitié et quête de sens, À Bicyclette ! dépasse largement son histoire intime. Il interroge le processus de deuil, la capacité à avancer malgré la perte, et l’importance du partage des émotions. Mathias Mlekuz, qui avait déjà marqué le public en tant qu’acteur dans Nos enfants chéris et comme réalisateur avec Mine de rien, se dévoile ici avec une sincérité bouleversante.

Les spectateurs ressortent secoués, mais aussi réconfortés par cette aventure humaine, où chaque kilomètre parcouru est un pas vers l’apaisement. À Bicyclette ! rappelle que, face aux épreuves de la vie, l’amitié et le rire restent des alliés précieux.

Sortie en salles le 26 février 2025.

Présenté en première mondiale au Festival international du film de Munich , le film de Joachim A. Lang mêle scènes reconstituées et véritables archives sonores et visuelles, afin de souligner la dimension manipulatrice de la propagande nazie. Fritz Karl prête ses traits à Adolf Hitler, tandis que Robert Stadlober incarne Joseph Goebbels, maître d’œuvre de la première manipulation « multimédia » de masse (radio, presse, cinéma).

Joachim Lang explique : « Toutes les images officielles de l’époque sont passées par le bureau de Goebbels, elles mentent ; il fallait donc créer de nouvelles images fictionnelles pour approcher la vérité ». Ainsi, le spectateur bascule sans cesse : d’une reconstitution aux lumières travaillées à des rushes d’archives sans filtre, dans une « l’irruption de la réalité », qui fait surgir la cruauté du réel au cœur de l’intrigue.

Le film brosse le portrait intime de ceux qui ont orchestré le mensonge d’État. Joachim Lang assume le risque : rendre ces personnages « humains » pour mieux montrer la banalité du mal, sans pour autant susciter l’identification : « Seuls les documentaires montrent la vraie horreur ; moi, je filme l’orchestre des bourreaux à leur table », détaille-t-il.

Dans un monde où les fake news et la désinformation prolifèrent, ce film lance un appel clair : « Ne vous laissez pas séduire, regardez les faits en face ».

• Sortie en salles : 19 février 2025 en France

• Durée : 135 minutes

• Production : Zeitsprung Pictures

• Réalisateur : Joachim a Lang

• Casting : Fritz Karl (Adolf Hitler), Robert Stadlober (Joseph Goebbels)

• Site officiel : https://www.wildbunch-germany.de/movie/fuehrer-und-verfuehrer

• Bande-annonce : YouTube

Interview et Photographie: David Marmier

Dans une interview menée par David Marmier pour la radio du cinéma, Costa-Gavras revient sur les enjeux de son film et sur les motivations qui l'ont conduit à aborder ce thème délicat, avec une approche très personnelle. Inspiré par le livre Le Dernier Souffle de Régis Debray et du médecin Claude Grange, le réalisateur met en scène la rencontre entre un philosophe et un médecin dans une unité de soins palliatifs. Ce sujet, tout en étant difficile, touche à une question fondamentale de l’existence humaine : comment vivre avec l'idée de la mort et comment les vivants affrontent-ils la perte d’un être cher ?

Dans l’interview, Costa-Gavras précise qu’il ne s’agit pas d’un film sur la mort elle-même, mais sur les vivants, leur manière de faire face à la perte. Ce n’est pas la mort qu’il choisit de mettre en avant, mais le vécu de ceux qui restent. Comme il l’explique à David Marmier : "On ne nous apprend pas à se préparer à la mort. On nous menace de la mort, on nous apprend à en avoir peur, mais je pense qu’il est indispensable de s’y préparer car on y passera tous." Ce discours, à la fois humain et philosophique, résonne dans un film qui va au-delà du simple drame médical.

Costa-Gavras intègre ainsi une réflexion plus large sur le rapport contemporain à la mort, notamment à travers la philosophie, en convoquant des figures antiques comme Platon et Marc Aurèle. Le cinéaste évoque la mort comme une "injustice", mais aussi comme une "justice" qui permet de laisser la place aux autres. Cette dialectique, qu’il développe à travers les dialogues entre les personnages principaux, s’appuie sur des questions existentielles profondes.

Le Dernier Souffle s'inspire du livre coécrit par Régis Debray et le Dr Claude Grange, qui offre une réflexion nuancée sur le rapport à la fin de vie. Costa-Gavras explique qu’il a découvert un univers qu'il ne connaissait pas, celui des soins palliatifs, et qu’il a été profondément touché par les témoignages recueillis. "Ce sont des lieux très politiques", souligne-t-il, "avec des médecins et des infirmières qui ont des gestes admirables". Le film présente cette réalité sous un angle humain, en donnant la parole aux acteurs du soin palliatif, mais aussi aux patients qui luttent contre la fin inévitable de leur existence.

Le film réunit deux acteurs de talent : Kad Merad, dans le rôle du médecin Masset, et Denis Podalydès, dans celui du philosophe Toussaint. Leur complicité à l'écran devient un vecteur essentiel du message du film. Costa-Gavras souligne l’importance du travail de ces deux comédiens, mais aussi l’impact de la musique dans la narration. Le cinéaste confie avoir demandé à Erwan Castex, dit Rone avec qui il avait déjà travaillé de penser la musique comme un "acteur", capable de dialoguer avec les autres personnages et les situations.

Un autre élément essentiel du film est le travail sur le son. Costa-Gavras a cherché à maintenir une certaine douceur tout en apportant de la gravité, un équilibre subtil qui renforce la profondeur émotionnelle de l’histoire.

Dans Le Dernier Souffle, Costa-Gavras aborde également un sujet sensible : l’euthanasie. Si les soins palliatifs apportent une forme de soutien aux patients en fin de vie, le réalisateur souligne qu’ils ne sont pas suffisants, appelant à un débat plus large sur les alternatives pour permettre une mort digne. Ce sujet, bien qu’en marge du film, s'inscrit dans une réflexion sociale plus large qui concerne le cadre législatif et moral autour de la fin de vie.

Avec Le Dernier Souffle, Costa-Gavras réussit à marier sa vision du cinéma, à la fois politique et poétique, en mettant en lumière une question existentielle : comment vivons-nous notre rapport à la mort ? À travers ce film, il nous invite à réfléchir non seulement sur la fin de la vie, mais aussi sur la manière dont nous abordons la souffrance, le deuil et l’accompagnement des mourants.

interview réalisée dans le cadre du Festival International du Film Politique de Carcassonne 2025

Photographie: David Marmier

Mots-clés : Costa-Gavras, Le Dernier Souffle, cinéma, film, mort, fin de vie, soins palliatifs, euthanasie, Kad Merad, Denis Podalydès, Régis Debray, Claude Grange, Rone, cinéma engagé, film politique, film poétique.

Le point de départ du film remonte à une rencontre que Frédéric Farrucci a eue avec un véritable berger du littoral sud de la Corse. En 2017, le réalisateur avait suivi cet homme dans un documentaire, où il racontait son quotidien difficile, contraint de faire face à la spéculation immobilière grandissante. L’élevage traditionnel en Corse, surtout sur le littoral, a été relégué à l'arrière-plan au profit du tourisme et de projets immobiliers. Ce berger, surnommé lui-même le "dernier des Mohicans", disait ne pas pouvoir transmettre son exploitation à ses enfants, de peur que la pression des promoteurs ne les pousse à vendre leur terrain.

Frédéric Farrucci a été profondément marqué par cette rencontre, qui a servi de base au film Le Mohican. L'idée de montrer un individu enraciné dans son territoire, confronté à une force extérieure implacable, l’a poussé à imaginer une histoire de résistance. L’histoire de Joseph est une métaphore du dernier combat d’un homme face à des forces économiques et mafieuses qui veulent effacer un mode de vie ancestral.