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Palmarès Cannes 2026 : Le cinéaste roumain Cristian Mungiu décroche sa deuxième Palme d'or avec "Fjord" !

Sat, 23 May 2026 20:59:00 +0000

Par la rédaction de La Radio du Cinéma — Publié le 23 mai 2026

Le rideau vient de tomber sur la Croisette. Le jury de la 79e édition du Festival de Cannes, présidé d’une main de maître par le réalisateur sud-coréen Park Chan-wook, a rendu son verdict. 1udace politique, drames intimistes poignants et consécration d'acteurs immenses, découvrez les grands gagnants qui feront l’actualité cinématographique de ces prochains mois.

La consécration suprême : Cristian Mungiu entre dans le club très fermé des doubles Palmés

Dix-neuf ans après le choc 4 mois, 3 semaines, 2 jours, le maestro du cinéma roumain Cristian Mungiu crée à nouveau l'événement en s'emparant de la Palme d'or 2026 pour son long-métrage Fjord. Dépeignant avec une tension psychologique étouffante les lignes de faille de notre société moderne à travers le prisme de la famille et de la religion, le film a fait l'unanimité au sein du jury.

Le Grand Prix a quant à lui été décerné au cinéaste russe Andreï Zviaguintsev pour Minotaure, un drame familial d'une noirceur absolue et d'une virtuosité plastique impressionnante qui a profondément secoué les festivaliers.

Prix d'interprétation : Virginie Efira impériale, la surprise belge chez les hommes

C'est la consécration cannoise tant attendue pour l'une des actrices préférées des Français. Virginie Efira remporte le Prix d'interprétation féminine (ex-æquo avec la comédienne japonaise Tao Okamoto) pour sa performance habitée dans Soudain, le mélodrame bouleversant du réalisateur Ryusuke Hamaguchi.

Du côté des hommes, le jury a choisi de saluer la jeunesse et la fougue en récompensant le duo fusionnel composé par Emmanuel Macchia et Valentin Campagne dans le film coup de poing Coward, réalisé par le prodige belge Lukas Dhont.

"Un palmarès audacieux qui célèbre un cinéma exigeant, viscéral, capable de regarder les traumatismes de notre époque droit dans les yeux." — L'équipe de La Radio du Cinéma.

Le Palmarès complet de la compétition officielle :

Distinction	Lauréat(s) / Film
Palme d'or	Fjord de Cristian Mungiu
Grand Prix	Minotaure d'Andreï Zviaguintsev
Prix de la Mise en scène (Ex-æquo)	Javier Ambrossi et Javier Calvo pour La Bola Negra / Paweł Pawlikowski pour Fatherland
Prix du Jury	L'Aventure rêvée de Valeska Grisebach
Prix du Scénario	Emmanuel Marre pour Notre salut
Prix d'interprétation féminine	Virginie Efira et Tao Okamoto dans Soudain
Prix d'interprétation masculine	Emmanuel Macchia et Valentin Campagne dans Coward
Caméra d'or	Ben'imana de Marie-Clémentine Dusabejambo

La Croisette éteint ses projecteurs après douze jours d'une intensité folle. Entre les larmes d'Isabelle Huppert remettant la Palme d'honneur à distance à l'immense Barbra Streisand, et les éclats de voix des nouveaux visages du septième art, l'édition 2026 restera gravée dans les mémoires comme celle d'un grand cru cinématographique.

Restez connectés sur La Radio du Cinéma pour retrouver toutes nos analyses, nos interviews et les dates de sortie en salles des films présentés à Cannes, et rendez-vous en 2027 pour la 80e édition !

Cannes 1947 : un film restauré éclaire les origines populaires et antifascistes du Festival

Tue, 19 May 2026 06:36:00 +0000

Lors d’une projection organisée autour d’archives restaurées du Festival de Cannes, un film amateur tourné en 1947 et attribué à Adrien Fred Maury a permis de redécouvrir les débuts encore artisanaux de l’événement. La séance, accompagnée de commentaires historiques et de plusieurs courts métrages sur la défense du cinéma français, a mis en lumière les dimensions sociales, politiques et culturelles de cette première édition d’après-guerre.

Le document projeté montre un Festival de Cannes très éloigné de l’image contemporaine du tapis rouge mondialisé. Tourné en 16 mm couleur, dans un style amateur proche du documentaire professionnel, le film capture la construction précipitée du premier Palais du Festival, édifié en seulement quatre mois à la suite de la Libération. Les intervenants rappellent que ce chantier fut largement soutenu par des ouvriers locaux, des militants syndicaux et des bénévoles mobilisés pour permettre à Cannes d’accueillir durablement le festival.

Le commentaire historique insiste également sur le contexte politique de l’époque. Le Festival de Cannes est présenté comme l’héritier d’un projet né en 1939 pour répondre à l’influence fasciste sur la Mostra de Venise. Plusieurs interventions rappellent le rôle de Jean Zay, ministre du Front populaire assassiné sous Vichy, ainsi que celui de Philippe Erlanger, haut fonctionnaire ayant participé à la création du festival.

Les images restaurées montrent de nombreuses figures du cinéma français et italien de l’après-guerre : Jacques Becker, Jean Grémillon, Charles Vanel, Aldo Fabrizi ou encore des scénaristes et critiques présents dans les jurys et les cérémonies. Le film témoigne aussi de l’atmosphère encore modeste de cette édition de 1947 : montée des marches simplifiée, proximité avec le public et infrastructures inachevées. Une tempête survenue durant le festival endommagea même une partie du palais, dont certaines structures n’étaient pas totalement terminées.

Au-delà de l’aspect patrimonial, la projection s’est prolongée par deux courts métrages militants consacrés à la défense du cinéma français en 1948 et 1949. Ces films rappellent la mobilisation des professionnels du secteur face à la domination économique du cinéma américain après-guerre. Les intervenants soulignent que cette mobilisation aboutira notamment à la mise en place des mécanismes de soutien au cinéma français via le Centre national du cinéma (CNC), encore en vigueur aujourd’hui.

Plusieurs prises de parole ont également insisté sur le rôle du mouvement ouvrier et des organisations syndicales dans la naissance du Festival de Cannes. Selon les intervenants, la construction du palais, la défense du cinéma français et la volonté de promouvoir une culture accessible relevaient d’un même projet d’émancipation porté à la Libération.

Enfin, la séance a établi un parallèle entre les débats culturels de l’après-guerre et ceux d’aujourd’hui, notamment autour de l’indépendance des médias et de la concentration des groupes culturels. Les organisateurs ont rappelé que le Festival de Cannes reste, selon eux, lié à une histoire où se croisent création artistique, engagement citoyen et mémoire de l’après-guerre.

Propos reccueillis par Amandine BACCONNIER pour LA RADIO DU CINEMA dans le cadre du Festival de Cannes 2026.

Cannes 2026 : Full Phil, une comédie rabelaisienne avec Woody Harrelson et Kristen Stewart

Mon, 18 May 2026 19:46:00 +0000

À Cannes, quand la nuit tombe, la Séance de Minuit devient souvent un laboratoire à sensations : rires nerveux, surprises (bonnes ou mauvaises), nausées, malaises et cette impression que le cinéma peut encore tordre la réalité à mains nues. C’est dans cet espace que Quentin Dupieux a présenté Full Phil, avec Woody Harrelson et Kristen Stewart.

Le point de départ est simple : à Paris, Philip Doom, industriel américain, tente de renouer avec sa fille Madeleine. Mais la bouffe (terme approprié), un film d’horreur des années 50 et une employée d’hôtel envahissante perturbent le déroulement du séjour.

Le dispositif du duel

Autre idée de mise en scène : un film d’horreur en noir et blanc, vu par Madeleine, revient comme une respiration étrange. Le récit “présent” et ce récit “dans le récit” se regardent en biais : monstres, savants, et peur primitive répondent aux crispations très quotidiennes d’un lien familial abîmé.

Couvade inversée et somatisation miroir

En psychiatrie, le syndrome de couvade décrit, dans certains cas, des symptômes physiques “en écho” chez l’accompagnant d’une personne enceinte. Full Phil pousse une logique de miroir dans le registre du fantastique et du burlesque.

On peut parler, au sens métaphorique, de somatisation miroir : le corps du père devient le réceptacle d’un conflit relationnel que les mots ne parviennent plus à régler. Là où la discussion tourne en rond, le ventre du père gonfle au point de nous rappeler Le Sens de la vie des Monty Python.

La fin comme accouchement inversé : “tuer le père” version Dupieux

Alerte interprétation (et possible spoiler) : en psychanalyse, le dernier mouvement du film peut se lire comme un accouchement inversé et violent. Dans un dénouement au climat explosif, la rupture passe par le corps : c’est comme si la séparation, longtemps empêchée, ne pouvait advenir qu’au prix d’une disparition totale de la figure paternelle.

Pour que Madeleine soit libre de la brouille et de l’emprise d’un père milliardaire, il faut que celui-ci cesse d’occuper tout l’espace. Le film fait alors résonner, de façon surréaliste et frontale, l’idée freudienne de “tuer le père” pour grandir — sauf qu’ici, on n’est pas dans le seul symbole : le père se détruit sous le poids du comportement de sa fille, comme si le lien familial finissait par se retourner contre celui qui prétendait le maîtriser.

Pour qui ?

Pour celles et ceux qui aiment le cinéma de Quentin Dupieux quand il transforme un concept simple en mécanique narrative.
Pour les spectateurs qui apprécient les films qui dialoguent avec d’autres images (série B, cinéma de monstres, récit en miroir).

Infos pratiques

Événement : Festival de Cannes (79e édition)
Dates : du 12 au 23 mai 2026
Section : Séances de Minuit (Sélection officielle)
Film : Full Phil (Quentin Dupieux)
Durée : 1h18
Festival de Cannes
Quentin Dupieux
Séances de Minuit
Woody Harrelson
Kristen Stewart
Psychanalyse
Philosophie

Chaque année, la Sacem organise la Leçon de musique, en 2026 c'était Amine BOUHAFA

Mon, 18 May 2026 17:17:00 +0000

Pour la première fois, un compositeur nord-africain était invité au Festival de Cannes à partager son parcours et sa vision du cinéma : le Tunisien Amine Bouhafa, figure majeure de la musique de film contemporaine. À 39 ans, il devient aussi le plus jeune compositeur accueilli dans cet exercice prestigieux, confirmant l’émergence d’une nouvelle génération d’auteurs capables de réinventer les liens entre image et musique.

Face à une salle attentive, Amine Bouhafa a raconté une trajectoire singulière, commencée très tôt à Tunis. Le piano, découvert à l’âge de trois ans, devient rapidement plus qu’un instrument : un refuge, un « confident » dit-il, capable d’apaiser les peurs de l’enfance. Élève brillant dans les matières scientifiques, poussé par ses parents vers des études d’ingénieur, il poursuit pourtant en parallèle une passion irrépressible pour la musique. Très jeune, il compose pour des groupes tunisiens et des productions du monde arabe avant qu’un réalisateur ne lui confie, à seulement quinze ans, la musique d’un premier court métrage.

Son véritable tournant arrive en 2013 avec Timbuktu d’Abderrahmane Sissako. Le film, présenté à Cannes puis récompensé de sept César, révèle au monde une écriture musicale sensible, profondément narrative. Bouhafa évoque notamment la célèbre scène du match de football imaginaire, dans laquelle la musique remplace les sons interdits par les islamistes : « La musique devait donner à entendre quelque chose qu’on nous interdit d’entendre. » Cette approche résume sa conception du métier : la musique n’illustre pas l’image, elle révèle ce qu’elle cache.

Tout au long de la rencontre, le compositeur a insisté sur l’importance des couleurs sonores et de l’expérimentation. Pour Le Sommet des Dieux, il raconte avoir recherché « le son du froid » grâce à des instruments rares comme l’harmonica de verre, des cordes enregistrées dans une église ou encore des chants de moines bouddhistes captés à Katmandou pendant le Covid. Une manière de faire de la montagne un personnage à part entière.

Ses collaborations avec la réalisatrice tunisienne Kaouther Ben Hania ont également occupé une place centrale dans cette conversation. La cinéaste, présente en vidéo, a salué un artiste « intuitif, généreux et profondément libre », capable d’apporter « une dimension invisible » à ses films. Bouhafa revendique d’ailleurs ce rôle de révélateur émotionnel : « Quand l’image et la musique disent la même chose, l’une des deux devient inutile. »

Entre démonstrations au piano, confidences et réflexions sur la création, cette Leçon de musique aura surtout confirmé une chose : Amine Bouhafa compose des partitions comme on raconte des histoires, avec l’idée constante que la musique doit ouvrir un espace secret entre le film et le spectateur.

Géraldine Nakache à Cannes : « Le cinéma peut participer à remettre de la lumière »

Mon, 18 May 2026 12:57:00 +0000

Au Festival de Cannes, dans le cadre du programme Women In Motion porté par Kering, Géraldine Nakache est apparue à la fois émue, lucide et profondément engagée. Venue présenter son quatrième long métrage Si tu penses bien, sélectionné à Cannes Première, la réalisatrice et actrice a livré une parole intime sur les violences psychologiques, la place des femmes dans le cinéma, la sororité et ses propres fragilités de créatrice.

Dès les premiers mots, l’émotion est palpable. Cette première sélection cannoise comme réalisatrice représente pour elle « un honneur immense ». Mais surtout, un moment de vertige : « Cannes, c’est le cinéma mondial, c’est la reconnaissance des pairs. (…) Tout d’un coup, je livre ce travail de quatre années au public. » Elle raconte une projection particulièrement bouleversante, entourée de sa famille et de ses proches : « C’était un grand moment, émotionnellement un grand moment. »

« J’avais besoin de parler de toutes ces femmes qui m’entourent »

Avec Si tu penses bien, Géraldine Nakache explore l’emprise psychologique au sein du couple, notamment à travers le prisme religieux. Une violence silencieuse, presque invisible, loin des représentations habituelles.

« J’ai toujours eu besoin de questionner le féminin, ce qui se passe autour des femmes, entre les femmes elles-mêmes, le sujet de la sororité. » explique-t-elle. Mais aujourd’hui, ses préoccupations ont évolué : « À mon âge, peut-être aussi parce que je suis devenue maman, j’avais besoin de parler de toutes ces femmes qui m’entourent aussi, et qui ont traversé ce type de violence. Ça me semblait nécessaire. »

L’écriture du film a pris plusieurs années. Avec son co-scénariste David Lambert, elle voulait capter « cet angle mort », « ce qui se passe derrière la porte ». Elle insiste sur la difficulté de montrer une violence faite de détails : « des petits mots, des petites humiliations ». Et surtout sur le silence collectif qui entoure ces situations : « Il y a les victimes qui se taisent (…) et puis il y a tout l’entourage qui n’ose pas intervenir. »

Le film s’intéresse alors autant aux victimes qu’à ceux qui voient sans savoir agir. Un sujet qui touche personnellement la cinéaste : « Moi aussi j’ai vu, j’ai cru voir, j’ai pas su voir correctement ou au bon moment. »

« Le cinéma participe à remettre de la lumière »

Pour Géraldine Nakache, le cinéma n’est pas un outil militant au sens frontal du terme. Mais il peut ouvrir des fenêtres. « On coupe la lumière de quelqu’un, on le met sous cloche, on l’éloigne du monde. Donc à mon avis, le cinéma, ça participe à remettre de la lumière. »

Après la projection cannoise, elle a été bouleversée par les réactions du public. Sur le chemin d’une soirée organisée après le film, des spectateurs l’ont arrêtée dans la rue. « À ma plus grande surprise, c’était souvent des hommes et des personnes très jeunes », raconte-t-elle. Certains lui ont confié vivre eux-mêmes une forme de violence psychologique. Une jeune femme lui a même dit : « Je n’ai qu’une hâte, c’est attendre demain matin pour appeler ma sœur et lui dire : ça y est, stop. »

Pour la réalisatrice, si le cinéma peut provoquer ce type de déclic, alors il devient indispensable : « Une personne plus une personne plus une personne… je crois que c’est nécessaire. »

Changer de registre : « Pourquoi cette question revient-elle plus pour les femmes ? »

Connue du grand public pour ses comédies, Géraldine Nakache a dû se battre pour imposer ce drame. Elle évoque sans détour les difficultés de financement rencontrées : « Nakache va faire un drame ? (…) Elle ne veut pas revenir avec une comédie ? »

Elle observe aussi un traitement différencié entre hommes et femmes dans le cinéma : « Je pense à mon grand frère [Olivier Nakache]… Je n’ai pas l’impression qu’on lui pose cette question-là quand il change de registre. J’ai l’impression qu’on me la pose plus à moi. »

Pour contourner ces résistances, elle est allée chercher un coproducteur belge, Patrick Quinet, et s’est entourée d’un casting canadien avec Monia Chokri et Niels Schneider. Une manière, dit-elle, « de s’ouvrir à autre chose ».

« Les statistiques ne sont pas bonnes »

Au cours de la rencontre, Géraldine Nakache est également revenue sur le recul du nombre de réalisatrices dans les sélections et les difficultés persistantes des femmes à financer leurs films.

« On a le sentiment que la parole se libère (…) mais on se rend compte aussi que c’est très lent avant que les choses changent. »

La cinéaste confie même sa surprise face aux chiffres récents : « J’étais persuadée que c’était exponentiel au minimum. Ce n’est pas le cas. »

Elle évoque une « léthargie globale » malgré les discours volontaristes : « On est plein de bonne volonté (…) mais en pratique, ça ne va pas assez loin. »

Et lorsqu’on lui rappelle que les films réalisés par des femmes disposent en moyenne de budgets inférieurs de 30 %, elle acquiesce sans détour : « Oui, il y a encore du chemin. »

La sororité comme colonne vertébrale

Impossible d’évoquer Géraldine Nakache sans parler de sororité. Le mot revient constamment dans son discours, presque comme un réflexe vital.

« Je me suis dirigée vers des femmes naturellement, sans même le conscientiser. »

Elle parle notamment de son amitié fusionnelle avec Leïla Bekhti, qu’elle qualifie de « double », mais aussi de toutes ces femmes qui l’ont « portée » et « fait confiance ».

Dans un moment plus léger, elle raconte avec enthousiasme l’expérience collective de la série La Flamme de Jonathan Cohen : « Il nous voulait toutes ensemble. C’était un cadeau immense. »

« Mon plus gros frein, c’est moi »

Le moment le plus fort de cette rencontre est peut-être venu lorsqu’elle a parlé d’elle-même avec une sincérité désarmante.

« Mon plus gros frein, c’est les mille personnes qu’il y a dans ma tête qui disent : “T’as pas le droit, t’es pas légitime.” »

Elle décrit ces injonctions intérieures avec une précision brutale : « T’es grosse, t’es pas grosse, t’es belle, t’es pas belle… » avant d’ajouter : « Si je vivais seule dans une grotte, je ne dirais pas que je n’ai pas la bonne robe. »

Pourtant, malgré ces doutes, elle a continué à écrire ce film. Sans se censurer. « Je suis fière de moi parce que je ne me suis pas dit : non, je n’ai pas le droit. »

Elle rend alors hommage à ceux qui lui ont donné confiance au début de sa carrière, notamment Dominique Farrugia et Lisa Azuelos. Cette dernière lui avait lancé un jour : « Fais-en un film. » Une phrase fondatrice.

« Oui, je suis fière »

À la toute fin de la rencontre, une question simple lui est posée : est-elle fière du chemin parcouru ?

Cette fois, Géraldine Nakache ne doute pas.

« Oui, je suis fière. »

Propos reccueillis par Jenna SURU et Laura VANDENHEDE - Cannes 2026

Cannes 2026 : avec Karma, Guillaume Canet signe un thriller intime et incandescent

Mon, 18 May 2026 10:20:00 +0000

Cannes 2026 : avec Karma, Guillaume Canet signe un thriller intime et incandescent

Au lendemain de la projection de Karma au Festival de Cannes, l’émotion était encore palpable lors de la conférence de presse réunissant Guillaume Canet, Marion Cotillard, Denis Ménochet, Leonardo Sbaraglia et le co-scénariste Simon Jacquet. Entre confidences personnelles, réflexion sur le traumatisme et passion du cinéma de genre, les artistes ont levé le voile sur un film profondément habité.

D’emblée, Guillaume Canet a évoqué l’intensité de cette montée des marches cannoise. Le réalisateur a confié avoir terminé le film seulement une semaine avant sa présentation officielle, décrivant un mélange d’angoisse et de fierté au moment de livrer enfin Karma au public. Un accueil chaleureux qui, selon lui, l’a « rempli de bonheur ».

Le projet est né d’une collaboration étroite avec Simon Jacquet, monteur devenu co-scénariste. Les deux hommes racontent une soirée décisive : un dîner de quatre heures au cours duquel l’idée du film s’est imposée presque naturellement. Ensemble, ils souhaitaient construire un thriller émotionnel où les blessures du passé façonnent chaque personnage.

Au cœur du film, Marion Cotillard incarne Jeanne, une femme hantée par ses traumatismes. L’actrice a raconté avoir suivi dès le départ le processus créatif de Guillaume Canet, lisant les différentes versions du scénario au fil de son écriture. Elle décrit cette expérience comme « fascinante », marquée par les phases de doute, de construction et d’émotion traversées par le réalisateur.

L’un des moments les plus forts de la conférence est venu lorsque Marion Cotillard a analysé la psychologie de son personnage. Selon elle, les traumatismes figent une part de nous-mêmes à l’âge où ils surviennent. Jeanne porte ainsi en elle « toutes les petites filles qu’elle a été ». Mais malgré les blessures, subsiste une force intérieure, une rébellion profonde qui pousse le personnage à survivre et à se reconstruire. Une réflexion bouleversante qui éclaire toute la puissance émotionnelle du film.

Denis Ménochet, lui aussi salué pour son interprétation, a expliqué avoir immédiatement accepté le rôle après la lecture du scénario. L’acteur parle d’un texte « puissant » et d’un personnage complexe, construit autour d’une enfance brisée. Il souligne cependant que l’atmosphère du tournage restait étonnamment joyeuse grâce à la solidarité de l’équipe et à la direction de Guillaume Canet.

La dimension internationale de Karma a également marqué les échanges. L’acteur argentin Leonardo Sbaraglia a raconté sa première rencontre avec Guillaume Canet via Zoom, accompagné de sa fille pour faciliter la communication en anglais. Une rencontre qu’il décrit comme profondément humaine et familiale. Le film mêle français et espagnol, un choix assumé dès l’écriture afin de traduire le déracinement des personnages. Simon Jacquet explique que ces protagonistes sont des êtres exilés, coupés de leur passé et cherchant une forme de renaissance.

Interrogé sur le titre du film, Guillaume Canet a livré une réponse très personnelle. Il explique que Karma trouve son origine dans des expériences douloureuses traversées ces dernières années. Le réalisateur dit croire profondément à cette idée selon laquelle « la vie s’en charge », non dans un sens négatif, mais comme une force de rééquilibrage. Une philosophie qui irrigue tout le récit du film.

Guillaume Canet a aussi revendiqué son amour du thriller, hérité des films d’Hitchcock découverts enfant en cachette dans les escaliers de la maison familiale. Il cite également Peckinpah, Friedkin ou Coppola parmi ses influences majeures. Avec Karma, il semble renouer avec le suspense de Ne le dis à personne, tout en y injectant une dimension émotionnelle beaucoup plus intime.

La conférence s’est enfin achevée sur une note très émouvante lorsque Marion Cotillard a évoqué ce rôle écrit spécialement pour elle. « C’est un acte d’amour », a-t-elle déclaré. L’actrice a rappelé combien elle aime les personnages extrêmes, ceux qui malmènent émotionnellement les interprètes tout en leur donnant le sentiment d’être intensément vivants. Une définition parfaite de ce que semble être Karma : un thriller psychologique viscéral.

Propos reccueillis par Amandine BACCONNIER pour la RADIO DU CINEMA - CANNES 20269

Tangles by Leah Nelson: Memory, Family, and Drawing in the Face of Alzheimer’s

Fri, 15 May 2026 00:33:00 +0000

Presented as a Special Screening at the 2026 Cannes Film Festival, Tangles adapts Sarah Leavitt’s autobiographical graphic memoir into an animated feature where black-and-white linework becomes a tool of memory. The film follows Sarah, an activist artist in 1990s San Francisco, called back to her family when Alzheimer’s disease begins to transform her mother.

1. What Kind of Spotlight Does the Film Step Into?

Tangles moves through rare material: illness, yes, but above all everything it unsettles around it. Sarah’s trajectory is not only that of a daughter returning to her mother’s bedside; it is that of a young woman trying to hold together her art, her desire, her family, her anger, and her fear.

Leah Nelson works in black and white, close to Sarah Leavitt’s original drawing style, with bursts of color reserved for precise emotional moments. In this kind of story, the line trembles more accurately than a long medical speech: it frames a face, then already lets it drift a little.

2. What the Film Tells, Without Giving the Game Away

At first, Sarah believes she can organize the situation the way one tidies a table, a schedule, a pile of drawings. Very quickly, the film shifts the problem: it is not about “managing” Alzheimer’s, but about learning to live inside its disorder.

The illness redistributes family roles, places the father Rob face-to-face with exhaustion, forces the sister Hannah to find her own place, and splits Sarah between two lives: the one she is building far from home and the one calling her back.

3. Characters and Cast

Sarah, voiced by Abbi Jacobson, is the film’s exposed nerve: an artist, a lesbian, an activist, funny, sometimes abrupt, with a way of turning anxiety into action. Her dramatic function lies in that friction: she wants to help, but her need for control becomes a knot of its own.

Midge, played by Julia Louis-Dreyfus, is the emotional center of the story. The film does not reduce her to her diagnosis: it first presents her as a woman of wit, language, tenderness, and sharp timing, then observes how the illness changes the flow of those qualities without erasing them all at once.

Rob, entrusted to Bryan Cranston, embodies another way of loving: holding on, minimizing, patching things together, acting as if the house could still absorb the catastrophe. Hannah, played by Beanie Feldstein, brings a valuable line of sibling tension. Donimo, played by Samira Wiley, opens the film toward a love story told as an ordinary, vivid, and necessary part of Sarah’s life.

4. Dialogue

The dialogue in Tangles has something deeply domestic about it: people talk fast, joke so they do not crack, interrupt each other, and circle around dangerous words. Humor does not cancel out pain; sometimes it serves as a crutch, like those airplane announcements that become inner commentaries.

5. Sound and Music

The music is by Dan Romer. In an animated film, sound plays an essential role here: the more the drawing simplifies faces, the more the voices, household noises, phone messages, and breathing make the world concrete.

6. Direction

The strongest choice is to remain within Sarah’s gaze rather than enter Midge’s mind. This refusal of the “sick person’s point of view” avoids the feeling of demonstration. Instead, the film observes the effects of Alzheimer’s on an ecosystem: the bedroom, the kitchen, the car rides, the parental couple, the sister, the romantic relationship, the artistic work.

The black-and-white animation maintains the connection with the graphic memoir. When touches of color appear, they become overflows: not pretty ornaments, but emotional signals. Drawing, here, means holding on to what is slipping away.

7. A Line to Remember

“Sometimes you have to be brave for others.”

This sentence sums up, without underlining it, one of the film’s threads: courage is not always spectacular. Sometimes it simply means staying in the room.

8. Who Is It For?

Tangles may speak to viewers looking for adult animation that is intimate, closer to a notebook than to a spectacular fable. The film is especially aimed at those who know family caregiving, neurodegenerative diseases, forced returns to the family home, or that very precise feeling of having a life of your own at the exact moment when your family calls you back.

It may also resonate with an audience drawn to queer stories where identity is not treated as a problem to solve, but as a way of inhabiting the world. Here, love, drawing, anger, and grief cross paths without asking permission.

Essential Information

Original title: Tangles
French title: Tangles
Directed by: Leah Nelson
Screenplay: Leah Nelson, Sarah Leavitt, Trev Renney
Based on: Tangles: A Story About Alzheimer’s, My Mother and Me, the graphic memoir by Sarah Leavitt
Voice cast: Julia Louis-Dreyfus, Abbi Jacobson, Bryan Cranston, Beanie Feldstein, Seth Rogen, Samira Wiley, Pamela Adlon, Sarah Silverman, Bowen Yang, Wanda Sykes
Main characters: Midge, Sarah, Rob, Hannah, Zach, Donimo
Music: Dan Romer
Countries: Canada, United States
Runtime: 102 minutes
Festival: Special Screening, 2026 Cannes Film Festival
International sales: Charades

Tangles de Leah Nelson : mémoire, famille et dessin face à Alzheimer

Fri, 15 May 2026 00:13:00 +0000

Présenté en Séance Spéciale au Festival de Cannes 2026, Tangles adapte le roman graphique autobiographique de Sarah Leavitt en un long métrage d’animation où le trait noir et blanc devient un outil de mémoire. Le film suit Sarah, artiste activiste dans le San Francisco des années 90, rappelée auprès de sa famille lorsque la maladie d’Alzheimer commence à transformer sa mère.

Infos essentielles

Titre original : Tangles
Titre français : Tangles
Réalisation : Leah Nelson
Scénario : Leah Nelson, Sarah Leavitt, Trev Renney
D’après : Tangles: A Story About Alzheimer’s, My Mother and Me, roman graphique de Sarah Leavitt
Casting vocal : Julia Louis-Dreyfus, Abbi Jacobson, Bryan Cranston, Beanie Feldstein, Seth Rogen, Samira Wiley, Pamela Adlon, Sarah Silverman, Bowen Yang, Wanda Sykes
Personnages principaux : Midge, Sarah, Rob, Hannah, Zach, Donimo
Musique : Dan Romer
Pays : Canada, États-Unis
Durée : 102 minutes
Festival : Séance Spéciale, Festival de Cannes 2026
Ventes internationales : Charades

1. Un film sous quel projecteur ?

Tangles avance avec une matière rare : la maladie, oui, mais surtout tout ce qu’elle dérange autour d’elle. La trajectoire de Sarah n’est pas seulement celle d’une fille qui revient au chevet de sa mère ; c’est celle d’une jeune femme qui tente de faire tenir ensemble son art, son désir, sa famille, sa colère et sa peur.

Leah Nelson travaille un noir et blanc proche du dessin originel de Sarah Leavitt, avec des surgissements de couleur réservés à des moments émotionnels précis. Dans ce type de récit, la ligne tremble plus juste qu’un long discours médical : elle cerne un visage, puis le laisse déjà un peu filer.

2. Ce que le film raconte, sans vendre la mèche

Sarah croit d’abord pouvoir organiser la situation, comme on range une table, un planning, une pile de dessins. Très vite, le film déplace le problème : il ne s’agit pas de “gérer” Alzheimer, mais d’apprendre à vivre dans son désordre.

La maladie redistribue les rôles familiaux, met le père Rob face à l’épuisement, oblige la sœur Hannah à trouver sa propre place, et coupe Sarah entre deux vies : celle qu’elle construit loin de chez elle et celle qui l’appelle au retour.

3. Personnages et casting

Sarah, portée vocalement par Abbi Jacobson, est le nerf vif du film : artiste, lesbienne, militante, drôle, brusque parfois, avec cette manière de transformer l’angoisse en action. Sa fonction dramatique tient dans ce frottement : elle veut aider, mais son besoin de contrôle devient lui-même un nœud.

Midge, interprétée par Julia Louis-Dreyfus, est le centre affectif du récit. Le film ne la réduit pas à son diagnostic : il la présente d’abord comme une femme d’esprit, de langage, de tendresse et de répartie, puis observe comment la maladie modifie la circulation de ces qualités sans les effacer d’un seul coup.

Rob, confié à Bryan Cranston, incarne une autre manière d’aimer : tenir, minimiser, bricoler, faire comme si la maison pouvait encore absorber la catastrophe. Hannah, jouée par Beanie Feldstein, apporte une ligne de tension fraternelle précieuse. Donimo, interprétée par Samira Wiley, ouvre le film vers une histoire d’amour racontée comme une part ordinaire, vive et nécessaire de la vie de Sarah.

4. Dialogues

Les dialogues de Tangles ont quelque chose de très domestique : ça parle vite, ça plaisante pour ne pas craquer, ça coupe la parole, ça contourne les mots dangereux. L’humour n’annule pas la douleur ; il lui sert parfois de béquille comme ces annonces d’avion qui deviennent des commentaires intérieurs.

5. Sons et musiques

La musique est signée Dan Romer. Dans un film animé, le son joue ici un rôle essentiel : plus le dessin simplifie les visages, plus les voix, les bruits domestiques, les messages téléphoniques et les respirations rendent le monde concret.

6. Mise en scène

Le choix le plus fort consiste à rester dans le regard de Sarah plutôt que d’entrer dans l’esprit de Midge. Ce refus du “point de vue malade” évite l’effet de démonstration. Le film observe plutôt les effets d’Alzheimer sur un écosystème : la chambre, la cuisine, les trajets, le couple parental, la sœur, la relation amoureuse, le travail artistique.

L’animation en noir et blanc garde le lien avec le roman graphique. Les touches de couleur, lorsqu’elles apparaissent, deviennent des débordements : non pas de jolis ornements, mais des signaux émotionnels. Dessiner, ici, revient à retenir ce qui s’en va.

7. Une réplique à retenir

“Parfois, il faut faire preuve de courage pour les autres.”

Cette phrase résume sans appuyer l’un des fils du film : le courage n’est pas toujours spectaculaire. Parfois, il consiste simplement à rester dans la pièce.

8. Pour quel public ?

Tangles peut parler aux spectateurs qui cherchent un cinéma d’animation adulte, intime, plus proche du carnet de bord que de la fable spectaculaire. Le film s’adresse particulièrement à celles et ceux qui connaissent le soin familial, les maladies neurodégénératives, les retours forcés dans la maison d’origine, ou cette sensation très précise d’avoir une vie à soi au moment exact où la famille vous rappelle.

Il peut aussi toucher un public sensible aux récits queer où l’identité n’est pas traitée comme un problème à résoudre, mais comme une manière d’habiter le monde. Ici, l’amour, le dessin, la colère et le deuil se croisent sans demander la permission.

10. Sources

Les caprices d'un roi ; Michel Leclerc et sa troupe présentent une “fantaisie historique” joyeuse et collective

Thu, 14 May 2026 23:56:00 +0000

Présenté en avant-première au Festival de Cannes, le nouveau film de Michel Leclerc, attendu en salles le 24 juin 2026, a offert un lancement chaleureux et joyeusement collectif, à l’image de cette « fantaisie historique » portée par une troupe manifestement très soudée.

Avant la projection, toute l’équipe est montée sur scène dans une ambiance particulièrement détendue et complice. Entre émotion, humour et déclarations d’affection mutuelle, les comédiens ont donné le ton d’un film qui mêle aventure, histoire et esprit de troupe.

Très applaudi à son arrivée, Franck Dubosc a confié son émotion de vivre sa première projection officielle à Cannes : « C’est la première fois que je vois un film projeté ici, donc je remercie vraiment Thierry d’avoir amené ce film à Cannes. » L’acteur a surtout insisté sur la qualité du casting réuni par Michel Leclerc : « Quand j’ai vu le film pour la première fois, je suis tombé amoureux de toutes les actrices et de tous les acteurs. »

Même enthousiasme du côté de ses partenaires. Une des actrices principales, Doria Tillier a salué « un scénario génial » et un tournage placé sous le signe du plaisir et du jeu, évoquant sa complicité avec Franck Dubosc : « Je me suis beaucoup amusée. »

L’émotion était également présente chez Julia Piaton, déjà dirigée une première fois par Michel Leclerc. L’actrice a décrit « un tournage solaire, drôle et lumineux », tout en rendant hommage à « des partenaires extraordinaires ». Une déclaration qui résume bien l’atmosphère générale de cette montée sur scène où chacun semblait vouloir célébrer avant tout une aventure humaine.

Artus, fidèle à son énergie spontanée, a quant à lui lancé un vibrant « Vive le cinéma et vive la comédie ! », rappelant l’importance du rire dans un paysage cinématographique parfois plus grave sur la Croisette.

Autre membre du casting, Niels Hamel-Brochen, qui incarne le jeune Louis XIV, a lui aussi partagé sa joie d’être à Cannes pour défendre ce projet atypique : « J’espère que vous allez aimer le film », a-t-il lancé avec humour, évoquant les multiples personnages qu’il interprète dans cette fresque historique décalée.

Car le pari de Michel Leclerc est bien là : revisiter l’Histoire de France avec fantaisie. Le film imagine un jeune Louis XIV exfiltré pendant la Fronde et caché auprès de Molière, Madeleine Béjart et Cyrano de Bergerac. Une manière ludique et romanesque de raconter la naissance du futur Roi Soleil, entre théâtre, apprentissage de la vie et découverte du pouvoir.

Sur scène, les acteurs ont surtout insisté sur l’esprit de troupe qui a porté le tournage. « Tout le monde s’aime », a résumé l’un des comédiens dans un éclat de rire général. Derrière la plaisanterie, une vraie sensation de collectif se dégageait de cette présentation cannoise.

Avant de lancer la projection, l’équipe a invité le public à « profiter de cette fantaisie historique ». Une promesse accueillie par une salle particulièrement enthousiaste, curieuse de découvrir cette relecture libre et populaire du Grand Siècle signée Michel Leclerc !

Hannah Einbinder à Cannes pour la Fondation Kering

Thu, 14 May 2026 23:33:00 +0000

« Les règles sont fausses, libérez votre esprit »

Au lendemain de la première cannoise de Teenage Sex and Death at Camp Miasma, Hannah Einbinder est apparue sur la scène des Women In Motion Talks avec cette énergie qui la caractérise : à la fois drôle, hypersensible et bien-sûr politique. À 30 ans, la révélation de Hacks vit une ascension fulgurante, mais garde un regard plutôt lucide sur ce qui lui arrive.

« Tout est totalement surréaliste », confie-t-elle en repensant à la montée des marches et à l’ovation reçue la veille. L’actrice raconte avoir marché avec la réalisatrice Jane Schoenbrun en se disant qu’elles vivaient déjà un souvenir : « Dans dix ou vingt ans, on regardera ce moment en arrière. Et le fait d’en avoir conscience m’aide paradoxalement à rester dans le présent. »

Cette conscience du moment, Hannah Einbinder la relie immédiatement à Hacks, la série qui l’a révélée il y a cinq ans. « Cette série m’a donné absolument tout ce que j’ai aujourd’hui », explique-t-elle avec émotion en saluant les créateurs Paul W. Downs, Jen Statsky et Lucia Aniello. Mais ce qu’elle retient surtout de ces années, ce n’est pas seulement le succès : « Le plus important, ce sont les gens, la communauté. Il existe ce mythe selon lequel il faut être tyrannique pour créer du grand art. Ce n’est pas vrai. On peut être chaleureux, bienveillant et créer un environnement d’amour. »

Cette idée de sécurité émotionnelle revient constamment lorsqu’elle évoque Camp Miasma, décrit comme une « ode trans-saphique aux communautés marginalisées ». Le film, inspiré de l’expérience personnelle de Jane Schoenbrun, parle du désir, la honte et la construction identitaire queer. « Le film parle de cette difficulté à être à l’aise dans son propre corps, de la honte liée au sexe. Et je crois que c’est quelque chose dont on ne parle pas assez. »

Pour Hannah, le tournage a eu valeur de catharsis. Installée au cœur de la nature canadienne, elle raconte de longues discussions avec Schoenbrun « sur des troncs d’arbres », loin du bruit du monde. « Jane est une personne incroyablement sécurisante. Sa vulnérabilité m’a donné envie de me montrer vulnérable à mon tour. »

L’actrice souligne aussi l’importance de l’"intimacy coordinator" sur le plateau, indispensable selon elle pour préserver l’équilibre du récit et des scènes les plus sensibles. « Le moindre détail compte, même le montage peut complètement changer le sens d’une scène. »

Face à Gillian Anderson, autre figure majeure du film, @Hannah Einbinder découvre une discipline de jeu qui la fascine. « Elle a une approche extrêmement méticuleuse. Sa précision physique, son obsession de comprendre chaque motivation… c’était passionnant à observer. »

Mais impossible d’échapper à Hacks. Entre deux réflexions existentielles, Einbinder enchaîne les anecdotes hilarantes sur Jean Smart, sa partenaire à l’écran. « Jean est comme une athlète de haut niveau. Elle peut discuter normalement puis, dès qu’on dit “action”, elle entre instantanément dans le personnage. C’est effarant. » Elle raconte aussi avec jubilation le rare moment où Jean Smart a craqué de rire sur le tournage : « C’était historique. D’habitude, rien ne la fait rire. Là, elle se faisait rire elle-même. »

La relation qu’elle entretient avec Ava Daniels, son personnage dans Hacks, dépasse désormais le simple cadre du jeu. « Je pensais autrefois que les acteurs qui disaient “ce personnage me manque” étaient ridicules. Mais c’est vrai. Ava est réelle pour moi. »

Sa parole politique est assumée. Interrogée sur ses prises de position concernant la Palestine, elle répond sans détour : « Le prix du silence est immense. Ma petite carrière ne pourra jamais avoir plus de valeur qu’une seule vie humaine. »

Une franchise qu’elle revendique comme héritée du stand-up. « Je viens du monde de la comédie. Je dis ce que je pense. » Même réflexion sur l’intelligence artificielle, sujet brûlant à Hollywood : elle salue Hacks pour avoir abordé la question sans simplisme, « sans sous-estimer ni infantiliser le public ».

Et lorsqu’on lui demande ce qui guide désormais ses choix, Hannah Einbinder livre peut-être la phrase la plus révélatrice de cette rencontre cannoise : « Tout autour de nous est une construction. Pourquoi le vert veut dire “avance” ? Les règles sont fausses. Rien n’est réel. Libérez votre esprit. »

Propos reccueillis par Amandine BACCONNIER pour la RADIO DU CINEMA - CANNES . 14/05/2026

Cannes 2026 : Peter Jackson remonte le temps, de Bad Taste à Tintin, en passant par King Kong et Heavenly Creatures

Wed, 13 May 2026 21:37:00 +0000

Par La Radio du Cinéma — Publié le 13 mai 2026 — Festival de Cannes (Salle Debussy)

Le mercredi 13 mai 2026, dans le cadre des « Rendez-vous with… » du Festival de Cannes, Sir Peter Jackson a déroulé sa trajectoire à voix haute : les week-ends de bricolage gore, le choc fondateur de King Kong, la rigueur documentaire de Heavenly Creatures, l’échelle industrielle du Seigneur des Anneaux… et un retour inattendu du côté de Tintin.

« Je tournais Bad Taste le week-end alors que j’étais photograveur », raconte Peter Jackson dans cette rencontre cannoise.

Ce rendez-vous arrive au lendemain d’un moment de célébration : Peter Jackson a reçu une Palme d’or d’honneur lors de la cérémonie d’ouverture, une distinction que le Festival remet pour saluer une œuvre entière. C'est l’acteur Elijah Wood lui a remis le prix sur scène.

De photograveur à Cannes : le jour où le badge a tout changé

Peter Jackson rappelle que Cannes a jalonné son parcours à deux reprises avant 2026 : une première venue au Marché du Film pour défendre son tout premier long métrage, puis un retour avec des images du premier Seigneur des Anneaux, donc de 1988 (Marché du Film, autour de Bad Taste) à 2002 (présentation d’images de The Fellowship of the Ring).

Dans le récit qu’il livre au public cannois, l’excitation a une texture très concrète : le Palais, le comptoir des accréditations, la promesse des projections, ce sentiment de « rentrer dans le monde » qu’il imaginait depuis la Nouvelle-Zélande.

Et puis, Cannes a aussi ses petites règles… Peter Jackson se décrit encore comme « le rebelle » qui s’est fait expulser du Palais pour avoir porté un short lors de sa première venue.

Quand l’horreur fait rire : « trop de gore », et soudain… le burlesque

Si la rencontre cannoise embrasse toute sa filmographie, Peter Jackson revient volontiers à ses premiers élans : une horreur qui assume l’excès et bascule dans une mécanique de gag. Il compare ce cinéma à un slapstick arrosé d’hémoglobine, avec l’idée simple qu’à force d’aller « trop loin », l’esprit du spectateur change de registre et laisse la place au rire.

Pour remettre le contexte, Bad Taste est un long métrage produit en 1987 et sorti en salles en France le 24 août 1988 . Sur le tournage, l’énergie « système D » prédomine pour un film fabriqué sur plusieurs années, avec une caméra 16 mm et une bande d’amis.

Le « coup de foudre » King Kong : « huit ou neuf ans », un vendredi soir à la télévision

Un autre moment revient comme une scène primitive : la découverte du King Kong de 1933. Peter Jackson résume le choc avec une candeur intacte : « Cool, un singe géant », puis la révélation — l’envie de faire des films, tout de suite, pour de vrai.

Quand il réalise sa propre version de King Kong (2005), il cherche à renforcer ce qui, à ses yeux, restait esquissé dans le film de 1933 : une relation où l’héroïne ne serait pas seulement une silhouette terrorisée, mais un personnage capable d’un lien plus nuancé avec la créature. Cette intention, il la formule de nouveau à Cannes, sans forcer le trait : il s’agit d’installer une compréhension du monstre, sans lui retirer sa part de danger.

Un détail de cinéphilie pure accompagne ce désir de transmission : Peter Jackson souhaitait confier à Fay Wray (l’interprète d’Ann Darrow en 1933) la dernière réplique de son film mais l’actrice est décédée un mois avant le début du tournage (la comédienne Fay Wray est morte le 8 août 2004, à 96 ans)

Heavenly Creatures (Créatures célestes 1994) : enquêter comme des détectives, filmer l’imaginaire comme un indice

À Cannes, Peter Jackson insiste sur la méthode : la documentation, les rencontres, l’enquête patiente. « Nous avons travaillé comme des enquêteurs », et « même les passages fantastiques venaient directement du journal intime de Pauline Parker ».

Le fait divers, lui, est solidement établi : Honora Parker a été assassinée en 1954 à Christchurch par sa fille Pauline Parker (âgée de 16 ans) et Juliet Hulme (âgée de 15 ans), ref: Victoria University of Wellington.

Et puis il y a l’anecdote qui fait sourire la salle — parce qu’elle dit quelque chose d’un metteur en scène attentif aux débuts des autres. Peter Jackson se souvient d’un caméo dans Heavenly Creatures et lâche : « Je me suis rendu compte que j'avais offert à Kate Winslet son premier baiser à l'écran.».

Le Seigneur des Anneaux : une « anti-quête » tournée à l’échelle d’une expédition

Sur la trilogie du Seigneur des Anneaux, Peter Jackson revient moins à la légende qu’à la mécanique : l’infrastructure d’effets spéciaux déjà en place après The Frighteners, la recherche d’un projet capable de faire travailler les équipes, et ce constat amusé qu’à chaque idée de fantasy, quelqu’un citait Tolkien… jusqu’à la décision d’y aller franchement.

Le médiateur Didier Allouch propose aussi une clé de lecture très simple, presque pédagogique : « Ce n’est pas une quête classique. Ils ne partent pas chercher quelque chose : ils partent pour détruire quelque chose. C’est presque une anti-quête »

Le tournage, lui, a la dimension d’un voyage au long cours : 266 jours de tournage pour la trilogie, comme un chiffre-mémoire que Peter Jackson dit ne jamais oublier.

Pourquoi Andy Serkis réalise The Hunt for Gollum : « une histoire intérieure », le 15 décembre 2027 en salle.

L’actualité du moment, à Cannes, s’appelle aussi The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum. Le film serait une histoire essentiellement intérieure centré sur la psychologie de Gollum, et donc idéalement placé sous la direction d’Andy Serkis, interprète historique du personnage.

Restaurer le réel : de la Grande Guerre aux Beatles, la même obsession du « rythme juste »

Quand Peter Jackson parle de ses documentaires, on entend le même mot d’ordre : rendre la matière humaine lisible, sans la figer dans une vitrine. They Shall Not Grow Old (2018), est un travail de restauration et de mise en couleur à partir d’archives de la Première Guerre mondiale, avec une intention revendiquée : faire disparaître le « brouillard du temps » qui transforme les soldats en silhouettes lointaines.

Cette approche trouve un écho direct dans The Beatles: Get Back (2021). La série s’appuie sur « plus de 60 heures » de séquences tournées en janvier 1969 et « plus de 150 heures » d’audio, le tout restauré. Peter Jackson raconte, à Cannes, que ces heures d’archives contredisaient l’image d’une période plombée d'un groupe en rupture: il y voit aussi du jeu, de la complicité, une joie de travail que la mémoire collective avait perdue.

Et maintenant, Tintin : « j’écris dans la chambre d’hôtel »

La surprise la plus nette de la rencontre, c’est peut-être elle : Peter Jackson confirme travailler à un nouveau film Tintin. Steven Spielberg réalise le premier, Peter Jackson réalise le suivant. « en 15 ans, je n'ai pas fait le mien », dit-il.

Peter Jackson explique qu’il écrit à Cannes, « dans la chambre d’hôtel », et qu’il envoie des pages en Nouvelle-Zélande. Il précise aussi ne pas vouloir révéler quel album d’Hergé sert de base, tout en suggérant une continuité avec la fin du film de 2011.

Ce qu’il faut retenir, côté spectateurs : des portes d’entrée plutôt que des étiquettes

Au fil de la rencontre, une ligne se dessine sans slogan : Peter Jackson ne parle pas « genres » comme on range des dossiers, mais comme des outils. Le gore peut servir la comédie. La fantasy peut encaisser des peurs très réelles. Le documentaire peut redevenir une expérience de cinéma, à condition de respecter la matière et de poser les bonnes questions techniques.

Diane Kruger et Iris Knobloch alertent sur les dérives de l’IA dans le cinéma

Wed, 13 May 2026 21:35:00 +0000

Cannes 2026 : à la plage BMW, le cinéma face au défi de l’intelligence artificielle

Sur la Plage des Palmes, en marge du Festival de Cannes, BMW Group réunissait ce mercredi plusieurs grandes voix du cinéma autour d’un thème devenu incontournable : The Human Lens – Le cinéma à l’ère de la révolution technologique.

Pendant près de deux heures, la présidente du Festival Iris Knobloch, l’actrice Diane Kruger, la réalisatrice Mehret Mandefro et Thomas Girst, directeur mondial de la culture chez BMW Group, ont débattu de la place grandissante de l’intelligence artificielle dans la création cinématographique.

Entre fascination technologique et inquiétudes très concrètes, un constat s’est imposé : l’IA transforme déjà profondément le cinéma, mais personne ne veut voir disparaître l’humain derrière les machines.

« Sans émotion humaine, l’IA ne peut pas produire la même chose »

Diane Kruger a livré l’une des interventions les plus marquantes de cette conférence. L’actrice a raconté avoir récemment découvert le travail d’un jeune réalisateur utilisant l’intelligence artificielle pour tester rapidement des décors, des ambiances ou des émotions visuelles.

Mais selon elle, ce qui avait réellement touché le public présent ce jour-là n’était pas la technologie elle-même :

« Sans émotion humaine, sans expérience humaine, je ne pense pas que l’IA puisse produire le même résultat. »

Pour la comédienne, l’IA représente avant tout un formidable outil démocratique capable d’ouvrir des portes à de jeunes cinéastes ou à des pays disposant de moins de moyens financiers.

Un enthousiasme partagé par Mehret Mandefro, qui travaille régulièrement avec de jeunes créateurs sur le continent africain :

« L’IA peut aider les artistes à explorer leur propre voix. Les histoires vivent dans nos émotions, dans nos souvenirs, dans nos expériences. »

Selon elle, la technologie ne doit pas remplacer l’instinct humain mais au contraire aider les auteurs à mieux accéder à leur propre imaginaire.

Le grand sujet : protéger les artistes

Très vite pourtant, la discussion a glissé vers les zones d’ombre de cette révolution technologique.

Clonage numérique, reproduction de voix, deepfakes, acteurs scannés puis réutilisés sans rémunération… les intervenants ont multiplié les exemples de dérives possibles.

Diane Kruger s’est montrée particulièrement directe :

« Les studios possèdent déjà des millions de scans de figurants qu’ils peuvent réutiliser gratuitement. Tout cela doit être réglementé. »

L’actrice a également évoqué les inquiétudes liées aux nouvelles générations confrontées à un flux constant d’images générées artificiellement :

« Ma fille devra savoir distinguer ce qui est réel de ce qui ne l’est pas. »

Même tonalité du côté d’Iris Knobloch, qui a insisté sur l’urgence d’encadrer l’usage de l’IA :

« Nous devons trouver une IA responsable. »

La présidente du Festival de Cannes a plaidé pour une obligation claire d’identifier les contenus générés par intelligence artificielle sur internet :

« Le public doit savoir ce qu’il regarde : est-ce réel ? Est-ce généré par IA ? »

Une technologie qui divise mais intrigue

Tous les participants s’accordent sur un point : l’IA est déjà là, impossible de revenir en arrière.

Mais la conférence a montré à quel point le sujet reste complexe pour le monde du cinéma. Si certains usages techniques séduisent — rajeunissement numérique, effets spéciaux plus accessibles, outils d’écriture ou de prévisualisation — la peur d’une standardisation ou d’une dépossession artistique demeure omniprésente.

Diane Kruger a résumé ce paradoxe :

« C’est à la fois une promesse et une menace. »

Cannes veut rester le sanctuaire de la création humaine

Face à ces mutations, Iris Knobloch a rappelé la mission que le Festival entend préserver :

« Le seul principe qui guide notre sélection est l’excellence artistique. »

Avec près de 2900 films soumis cette année provenant de 54 pays, la présidente voit dans Cannes la preuve que la créativité humaine reste infinie.

Une idée qui a traversé toute cette rencontre : plus la technologie progresse, plus le besoin d’émotions authentiques semble devenir essentiel.

Et finalement, derrière les débats sur l’IA, une conviction commune est apparue sur cette plage cannoise : le cinéma reste avant tout une affaire de regard humain.

Propos reccueillis par Amandine BACCONNIER et Patrice CAILLET pour la RADIO DU CINEMA - 13.05.2026

La Vie d’une femme : à savoir sur le film de Charline Bourgeois-Tacquet

Wed, 13 May 2026 04:00:00 +0000

La Vie d’une femme met un visage sur une question simple et vertigineuse : qu’est-ce qu’il reste de soi quand la vie est remplie “jusqu’au bord” ? En compétition au 79e Festival de Cannes, le film de Charline Bourgeois-Tacquet suit une chirurgienne au rythme impossible, dont la trajectoire se dérègle à l’arrivée d’une romancière venue observer son service.

Synopsis : une chirurgienne, un service, et l’inattendu qui frappe à la porte

Gabrielle, 55 ans, se consacre corps et âme à son métier. Chirurgienne et cheffe de service dans un hôpital public, elle court, se démultiplie, et porte le poids des responsabilités. Sa vie privée tient dans les interstices : un mari qui l’aime, et une mère dont elle s’occupe.

Quand une romancière vient passer quelques semaines dans son service pour un livre, l’équilibre de Gabrielle commence à vaciller. Dans le quotidien qu’elle s’est construit, y a-t-il encore de la place pour l’imprévu ?

Le casting

Léa Drucker : Gabrielle
Mélanie Thierry : Frida
Charles Berling : Henri
Laurent Capelluto : Kamyar
Marie-Christine Barrault : Arlette

Générique :

Réalisation, scénario et dialogues : Charline Bourgeois-Tacquet.

Image : Noé Bach. Décors : Pascale Consigny. Montage : Clément Pinteaux.

Son : Fabrice Osinski, Valérie Le Docte, Luc Thomas.

Production, distribution, ventes internationales

Le film est produit par Les Films Pelléas, avec une coproduction minoritaire belge indiquée (Versus Production)

La distribution France est assurée par Pyramide, et les ventes internationales par Be For Films.

Tournage : où le film a pris forme

Le film a été tourné en partie en région lyonnaise (notamment à Lyon et Villeurbanne), avec des prises de vues également mentionnées dans l’Ain et en Savoie.

Pourquoi ça compte

On peut donner quelques repères de spectateur : La Vie d’une femme s’annonce comme un récit de travail et de responsabilité, mais aussi de récit dans le récit (une romancière observe pour écrire). Ce dispositif ouvre une question très concrète : qui regarde qui, et qu’est-ce que cette présence change à la manière d’habiter sa propre vie ?

Pour celles et ceux qui suivent Charline Bourgeois-Tacquet depuis Les Amours d’Anaïs, c’est aussi un nouveau chapitre, cette fois dans un registre plus frontalement ancré dans le quotidien d’une femme adulte, avec l’hôpital public comme décor et comme tempo.

Festival de Cannes 2026
Compétition
Charline Bourgeois-Tacquet
Léa Drucker
Drame
Pyramide

Infos pratiques

Titre : La Vie d’une femme
Titre international : A Woman’s Life
Réalisation : Charline Bourgeois-Tacquet
Sélection : Festival de Cannes 2026 – en compétition
Durée : 98 minutes (1h38)
Pays : France, Belgique
Projections Cannes (Palais des Festivals, Grand Théâtre Lumière) :
- Mercredi 13 mai 2026 : 18h30
- Jeudi 14 mai 2026 : 9h30
Reprise de la sélection (Le Cineum) :
- Jeudi 14 mai : 14h15 (Le Cineum IMAX)
- Vendredi 15 mai : 8h45 (Le Cineum Aurore)
- Samedi 16 mai : 18h15 (Le Cineum Screen X)
Sortie France : 9 septembre 2026
Distributeur France : Pyramide Distribution
Ventes internationales : Be For Films
Plateformes : aucune information confirmée à ce stade

Sources

La Vénus électrique : Pierre Salvadori fait tourner le manège des cœurs trompés

Tue, 12 May 2026 22:15:00 +0000

Critique cinéma · Sans spoiler

Dans La Vénus électrique, Pierre Salvadori installe l’amour sur une scène de foire, une table spirite, un atelier de peintre et les coulisses du désir. Le film avance comme une comédie de l’illusion : chacun croit manipuler l’autre, mais ce sont les sentiments qui finissent par mener la danse.

Infos essentielles

Titre original : La Vénus électrique
Réalisation : Pierre Salvadori
Scénario : Pierre Salvadori, Benjamin Charbit, Benoît Graffin
Casting : Anaïs Demoustier, Pio Marmaï, Gilles Lellouche, Vimala Pons, Gustave Kervern, Madeleine Baudot
Musique : Camille Bazbaz
Image : Julien Poupard
Distribution France : Diaphana Distribution
Sortie française : 12 mai 2026
Festival : Film d’ouverture du 79e Festival de Cannes, hors compétition

Un film sous quel projecteur ?

Paris, 1928. Une époque où les fantômes ont bonne presse, où l’électricité promet des miracles, et où une roulotte peut devenir le plus étrange des confessionnaux. La Vénus électrique place son récit dans ce moment où la modernité avance en costume d’époque : la foire vend du frisson, l’art cherche son souffle, et l’amour entre par une porte qui n’était pas prévue pour lui.

Salvadori retrouve ici un terrain qu’il connaît bien : celui des personnages qui mentent mal, mais ressentent fort. Le mensonge n’est pas seulement une mécanique de vaudeville ; il devient un abri provisoire, une monnaie d’échange, parfois même un petit moteur de résurrection.

Ce que le film raconte, sans vendre la mèche

Antoine Balestro, peintre endeuillé, ne parvient plus à retrouver son geste depuis la disparition de son épouse. Lorsqu’il tente d’entrer en contact avec elle par l’intermédiaire d’une voyante, il parle en réalité à Suzanne, une jeune foraine glissée là pour une raison beaucoup plus concrète. La séance tourne au malentendu fertile : Suzanne improvise, Antoine écoute, Armand observe.

De cette supercherie naît un théâtre fragile où chacun joue un rôle qui finit par le dépasser. La croyance console, l’imposture inspire, et le sentiment, ce vieux perturbateur, vient compliquer la combine avec une ponctualité presque cruelle.

Personnages et casting

Anaïs Demoustier donne à Suzanne une présence vive, mobile, toujours en train de calculer une issue puis de s’étonner de ce qu’elle ressent. Elle n’est pas seulement la fausse voyante du récit : elle en devient l’œil, l’oreille, parfois même la conscience inquiète.

Face à elle, Pio Marmaï compose un Antoine ralenti par le deuil, mais traversé d’élans soudains, comme si la peinture revenait avant que l’homme n’ose lui-même revenir au monde. Gilles Lellouche, en Armand, apporte une énergie plus terrienne : celle du marchand qui sait que l’émotion peut bouleverser une vie, mais aussi réveiller une carrière.

Vimala Pons et Gustave Kervern élargissent le champ : l’une du côté du trouble et de la présence, l’autre du côté de la foire, de la dette, de la survie. Le film tient dans ce frottement entre grâce et débrouille, entre grands sentiments et petits arrangements.

Dialogues : les mots comme numéros d’équilibriste

Les dialogues jouent sur plusieurs vitesses. La foire parle fort, promet l’extase, vend l’invisible avec l’assurance des bonimenteurs. Les séances spirites, elles, ralentissent tout : respiration, silence, appel, attente. Entre les deux, les scènes intimes avancent par glissements, avec des phrases qui cherchent leur vérité en même temps qu’elles la déguisent.

Le film aime les grands mots — amour, douleur, lumière, inspiration — mais les remet dans des bouches maladroites, nerveuses, parfois drôles. Ce n’est pas le marbre des déclarations : c’est la parole qui trébuche, se reprend, ment un peu, puis touche juste malgré elle.

Mise en scène : l’illusion à vue

Pierre Salvadori installe une comédie comme un tour de magie où le spectateur voit souvent la ficelle, mais regarde tout de même le tour. C’est précisément là que le film trouve son courant : dans cet écart entre ce que l’on sait et ce que les personnages veulent croire. La roulotte, l’atelier, la galerie et la foire deviennent autant de petites scènes où l’on rejoue l’amour, l’art et le deuil sous des éclairages différents.

Le titre résume joliment cette tension : Vénus pour le désir, électrique pour la secousse. L’amour n’y descend pas du ciel ; il crépite, déraille, traverse les corps et menace à tout moment de faire sauter les plombs.

Pour quel public ?

La Vénus électrique peut parler aux spectateurs qui aiment les comédies romanesques à double fond, les films d’époque sans raideur patrimoniale et les récits où l’imposture révèle plus qu’elle ne cache. Ceux qui suivent Pierre Salvadori pour son goût des personnages cabossés, de la mécanique comique et des sentiments mal rangés devraient y retrouver un terrain familier.

Sources

À Cannes, Guillermo Del Toro " Laisse entrer l’amour "

Tue, 12 May 2026 21:51:00 +0000

Mardi 12 mai 2025 - il est 14h30 à Cannes.

Dans une salle Debussy comble, l’émotion avait quelque chose de palpable. Vingt ans après la présentation triomphale du Labyrinthe de Pan, le réalisateur mexicain Guillermo del Toro retrouvait le Festival de Cannes pour une projection anniversaire de son chef-d’œuvre restauré en 4K. Et derrière l’hommage au film, c’est un véritable manifeste pour le cinéma et l’art qu’il est venu livrer à un public debout.
La séance s’ouvre sous le signe de la mémoire. Les organisateurs de Cannes Classics rendent hommage au critique italien Aldo Tassone, grand spécialiste de Fellini, ainsi qu’au légendaire chef décorateur Dean Tavoularis, collaborateur historique de Francis Ford Coppola. Deux figures du cinéma applaudies longuement par le public.
Puis vint l’entrée de Monsieur Guillermo Del Toro. Accueilli avec ferveur, le cinéaste est revenu sur la genèse chaotique du Labyrinthe de Pan, film désormais consacré comme l’un des grands contes modernes du cinéma fantastique.
" Faire ce film a été incroyablement difficile ", confie-t-il d’emblée. " Personne ne voulait le financer. Tout ce qui pouvait mal tourner tournait mal. "
À ses côtés, l’actrice Ivana Baquero, révélation du film en 2006, rappelait le temps écoulé. Guillermo, lui, plaisante sur les années passées — "je faisais cinquante kilos de moins " — mais son discours prend rapidement une tonalité plus grave.
Le réalisateur évoque alors le souvenir de la projection cannoise de 2006 et cette ovation de vingt-trois minutes devenue légendaire. Une expérience presque déstabilisante pour cet artiste qui avoue avoir toujours eu du mal avec "adoration ". Ce soir-là, raconte-t-il, son ami Alfonso Cuarón lui aurait soufflé une phrase restée gravée : " Laisse entrer l’amour. "

Vingt ans plus tard, le cinéaste estime que Le Labyrinthe de Pan résonne plus fortement encore avec notre époque.
"On nous dit aujourd’hui que résister est inutile. Que l’art peut être fabriqué par une application. Que tout est perdu face à des forces immenses. Mais je crois exactement le contraire. "
Dans un silence absolu, il compare alors l’époque actuelle au combat de son héroïne Ofélia : une enfant qui refuse de céder face à la brutalité du monde adulte.
"Nous pouvons laisser une trace. Opposer notre destin au leur. Notre force à leur force. Il reste de l’espoir."

Puis, dans une phrase qui déclenche immédiatement les applaudissements, il lance :
"La dernière chose que nous devons faire, c’est céder à la peur. Ne jamais, jamais, jamais céder à la peur. "

Le cinéaste explique aussi pourquoi il tenait tant à cette restauration 4K du film, qui sortira à nouveau en salles à l’automne. Au-delà de l’anniversaire, il dit vouloir continuer à dialoguer avec les jeunes générations.
"Les gens qui aimaient Hellboy ont maintenant quarante ans. Mais ceux qui découvrent Le Labyrinthe de Pan ont toujours vingt ans. Le film parle de ce moment où le monde vous dit que vous avez tort, alors qu’au fond de vous, vous savez que vous avez raison. "

À Cannes, ce soir, Guillermo del Toro n’est pas seulement venu présenter une copie restaurée. Il est venu rappeler que le cinéma demeure un acte de foi. Un refuge contre le cynisme. Et parfois même, une forme de résistance.

Propos reccueillis par Amandine BACCONNIER pour LA RADIO DU CINEMA